Vene balleti ajalugu: tekkimine ja areng. Balleti lühiajalugu Balleti sisu

Vene balleti, nagu iga kunstiliigi, juured peituvad tantsufolklooris. Tõenäoliselt olid need kultustantsud (igasugused ringtantsud) ja mängutantsud (“Tants”, “Kuma, kus sa olid” jne). Vene ballett mitte ainult ei säilitanud kõiki esteetilisi kaanoneid, vaid sai ka balletimaailma seadusandjaks.

päritolu

Kiievi-Venemaal 8.-9.sajandi vahetusel hakkasid ilmuma esimesed tantsijad, oma ala professionaalid – pätid... Mõne aja pärast, kui Moskvast sai pealinn, polnud pätid enam ilmtingimata mehed.

15.-16. sajandil hämmastasid ja üllatasid külastavaid välismaalasi maskidega varjatud nägudega mummuliste, nn "mashkarite" lõbusad prillid.

17. sajandil tähistas Vene balleti ajalugu Kremli teatri avamine. Väljakujunenud traditsiooni kohaselt on iga etendus selles teatris alati lõppenud hooaegade vaheliste (eriballetietendustega). Neid nn eelroogasid esitasid uhketesse rüüdesse riietatud mehed. Näitlejad näitasid mitmeid peotantsu elemente.

kuninglik lõbu

Esimeseks täismahus balletietenduseks Venemaal peetakse 8. veebruaril 1673 lavastatud etendust. See märkimisväärne sündmus leidis aset tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas ja seda nimetati "Orpheuse ja Eurydice balletiks". Vene balleti tekkelugu kirjeldab seda kui tseremoniaalsete pooside, aeglaste tantsude, kummarduste ja üleminekute vaheldust. Nende vahel laususid näitlejad päheõpitud sõnu või laulsid. See kõik oli veidi nagu tõeline teatrietendus. See oli vaid kuninglik lõbustus, mis köitis oma hämarusega.

Vahepeal kutsub teatri korraldaja I. Gregory Nicola Limi korraldama kuninglikule teatrile teatrioskuste koolitusi. Alguses läbisid 10 aadlifilistide last, seejärel 20 last, edukalt koolituse ja näitasid tsaari õukonnale prantsuse stiilis balletilavastust "Orpheus".

Ülesanne on seatud

Alles veerand sajandi pärast toob Peeter I, olles eesmärgiks Venemaa kultuurielu reformimise, muusika ja tantsu Vene ühiskonna ellu. Ta otsustab sisendada kunsti Peterburi elanike eliitkihtidesse. Selleks sulgeb Peeter I Aleksei Mihhailovitši Moskva teatri ja annab välja revolutsioonilise dekreedi. See assambleede dekreet kohustas kõiki riigiasutusi õpetama tõrgeteta peotantsu. Need reformid muutsid tantsumeistri ametikoha saavutamatult kõrgeks. Just nendele kooslustele võlgneb ballett välisriikidest pärit balletitantsuliigutustesse ilmumise, uuendused rahvusslaavi tantsude elementide kujul.

Autor V. Krasovskaja (“Vene balleti ajalugu” – L. Kunst, 1978) usub, et tänu Peeter I energilisusele ja pealetükkivusele hakati lossis toimuma välisriikidest kutsutud balletitruppide, muusikute ja ooperiartistide esinemisi. saalid.

1738. aasta alguses korraldati riigis balletikunsti kool, millest sai tegelikult esimene. Sellest perioodist räägib lühidalt vene balleti ajalugu. Kooli lõpetanud töötasid välisteatrite balletirühmades nn figurantidena (balleti korpuse näitlejad). Ja alles palju hiljem lubati nad põhiparteidele.

Esimene kutseõpe

Ajaloolased peavad kaasaegse balleti hälliks Maaballetti, kus töötas kuulus Jean-Baptiste Lange, kes lavastas koos õpilastega kolm õukonnaballeti etendust. Nagu Vene balleti ajalugu näitab, olid need praktiliselt esimesed balletietendused, mis vastasid Prantsusmaa pealinna Kuningliku Tantsuakadeemia kõikidele seadustele ja määrustele.

Aadelkorpuse kadetid osalesid Itaaliast pärit Fessano trupi akadeemilises, lüürilises, poolkarakterlikus ja samas koomilises balletietenduses.

Et mitte kaotada treenitud balletitantsijaid, avab Elizabeth I Tema Majesteedi Oma Tantsukooli, mille esimene komplekt oli 12 lihtrahva last.

Ja 1742. aasta lõpuks kirjutas keisrinna alla dekreedile, millega käskis luua vene tantsijate balletitrupi. Just selles ilmusid esimesed Venemaa tähed - professionaalsed balletitantsijad: Aksinya Baskakova ja Afanasy Toporkov.

Väljapääs ummikseisust

Baptiste Lande surm toob riigi koreograafiaärisse segadust. Fessano juhitud etendused muutuvad üksluiseks ja igavaks burleskiks. Publikut sellised etteasted ei köida.

Vene balleti ajalugu kirjeldab lühidalt seda perioodi. Praegusel ajal ja Euroopas on küsimus koreograafilise äri reformimise kohta. Rousseau ja Saint-Mar nõuavad, et balletitantsijad vabaneksid oma uhketest riietest ja parukatega maskidest. Diderot soovitab tungivalt balletilavastuste süžeeliine muuta. Vahepeal esitab John Weaver üldisi muudatusi ootamata läbimõeldud süžeega tantsulavastuse ning Georges Nover kirjutab legendaarse "Letters on the Dance".

Vene ballett ei jää palju maha. Hilferdingi ilmumine on selle tõestuseks. See saksa spetsialist kindlustas süžeelised koreograafilised lavastused Peterburis. Pariisis ilmusid luguballeti etendused alles 15 aastat hiljem. Hilferdingut abistas Leopold Paradiso. Juba 1850. aastatel lõid nad iseseisvaid balletinäidendeid.

Draamalavastuste algus

Vene balleti esimene draama kuulub A. P. Sumarokovile. Ta propageeris ülistavaid tantsulavastusi, lõi kirjandusliku aluse balletilavastustele "Vorkuse pelgupaik" ja "Uued loorberid".

Tsaari kutsutud koreograaf Gasparo Angiolini võimendab slaavi rahvalaulu nootide helgust, lavastades balletietenduse "Jõuluaeg". Katariina II kiitis esitust väga. 1779. aastal kiitis seadusandlik komisjon täies mahus heaks balleti, mille muusika on kirjutatud slaavi folkloori põhjal.

Pärast sellist kolossaalset edu siirdus Angilini meelelahutuslike teatrilavastuste juurde, mis tegid päevakajalistel teemadel nalja. Need olid panegüürikad, mis tekitasid silmailu: "Triumfant Venemaa" (kiideti Türgi armee lüüasaamist Cahulis ja Largas), "Uued argonaudid" (hiilgav ood Vene impeeriumi laevastikule) ja "Võidu arutluskäik" ( tõstatati küsimus lokkava rõugete vastu vaktsineerimise vajalikkusest, mis tegi muret kõigile).

Veidi varem lavastati esimene kangelasballetilavastus "Semir". Sellest hetkest alates hakkasid koreograafid pöörama suurt tähelepanu balletitantsu väljendusrikkusele. Tantsijad saavad üheaegselt tegeleda mitteriiklike teatrite lõbusate ooperietendustega ja pseudo-vene ooperietendustega, mille libreto on koostanud keisrinna ise.

Uueks 1778. aastaks on Peterburis (nagu Vene balleti ajalugu seda ainulaadset sündmust ilmekalt kirjeldavad raamatud) ootamas juba kaks teatrit: reklaam “Vaba teater” ja õukonna üks.

Esimesed kindluskollektiivid

18. sajandi teisel poolel tuli moodi tantsukunsti valdamine. Ja juba 1773. aasta alguses avati pealinnas Leopold Paradise käe all lastekodu baasil esimene hariduskeskus, millest sai hiljem esimene avalik teater. Esimeses komplektis oli 60 last. Y. Bakhrushin räägib kuulsa Cosimo Maddoxi esimestest koreograafilistest etteastetest oma raamatutes.

Tema üksikasjalikult uuritud ja kirjeldatud Vene balleti ajalugu paljastab selle tantsukunsti perioodi täielikult. Medox koos Venemaal koolitatud noorte tantsijate rühmaga lavastas koomilisi oopereid, tõsisündmustele pühendatud koreograafilisi lavastusi (näiteks Otšakovi vangistamine) ja divertismente.

Selle taustal hakkas kindlusteater kiiresti arenema. 18. sajandi viimasel kümnendil olid suured pärisorjuse näitlejate rühmad juba hästi tuntud. Sellised kollektiivid olid Zorichil, Golovkinal, Apraksinil, Šeremetjevil, Potjomkinil ja teistel maaomanikel.

Sama perioodi iseloomustas naiste tantsutehnika arendamine ja lavastamine ning etenduse lava kunstiline kujundus. Uus traditsioon on konkretiseerida tegevuspaik laval, kirjutada stseene realistlikus stiilis, kasutades penumbra ja valguse mängu.

Vene balleti tähistamine

Vene balleti ajalugu 19. ja 20. sajandil on rikkalik ja vaheldusrikas. 19. sajandi alguseks saavutab balletikunst selle küpsuse, mida vaataja hindab. Vene baleriinid toovad koreograafiasse õhulisust, õilsust ja väljendusrikkust. Seda märkab väga tabavalt A. S. Puškin, kirjeldades oma kaasaegse, balletistseeni staari Istomina tantsuliigutuste ilu: “hingelend” (fraas on muutunud balleti sünonüümiks). Tema näoilmed ja tantsuliigutuste täiuslikkus tekitasid imetlust. Enamik pealtvaatajaid käis

Mitte vähem ilusad olid Lihutina Anastasia, Jekaterina Teleshova, Danilova Maria.

Balletietendused koguvad populaarsust. Balletitants kui kunst muutub privilegeeritud ja selleks eraldatakse riigilt toetusi.

Eelmise sajandi 60. aastateks haaras kultuurne beau monde uusmoodsa "realismi" trendi. Vene teatrisse on tulemas kriis. Koreograafiliste lavastuste puhul väljendus see süžee primitivismis, mis oli kohandatud teatud tantsuga. Täiuslikkuseni jõudnud baleriine pakutakse tantsima realistlikes lavastustes.

Vene balleti loomise ajalugu on sisenemas uude vooru. Taaselustamine sai alguse Pjotr ​​Tšaikovskist, kes kirjutas esimesena muusika koreograafilisele lavastusele. Esimest korda balleti ajaloos on muusika muutunud sama tähtsaks kui tants. Ja leidis end isegi ooperimuusika ja sümfooniliste teostega samal tasemel. Kui enne kirjutati Tšaikovski muusikat tantsuelementidele, siis nüüd püüdis balletinäitleja muusikalist meeleolu ja emotsiooni edasi anda plastilisuse, liikumise ja graatsilisusega, mis aitas vaatajal lahti harutada helilooja poolt nootideks transkribeeritud süžeed. Maailm imetleb siiani kuulsat "Luikede järve".

Koreograaf A. Gorsky tõi lavastustesse kaasa kaasaegse režii elemente, hakkas suurt tähelepanu pöörama lava kunstilisele raamistusele, arvates, et vaataja peaks laval toimuvasse täielikult süvenema. Ta keelas pantomiimi elementide kasutamise. M. Fokin pööras pöörde radikaalselt. Ta taaselustas romantilise balleti ning muutis tantsus kehakeele arusaadavaks ja kõnetavaks. Fokini sõnul peaks iga lavaesinemine olema kordumatu. See tähendab, et muusikaline saate, stiil ja tantsumuster peaksid olema omased ainult konkreetsele esitusele. 20. sajandi algusaastatel filmiti täissaalidele tema lavastusi "Egiptuse ööd", "Surev luik", "Suveöö unenägu", "Acis ja Galatea" jt.

1908. aastal kutsub P. Fokine'i Pariisi "Vene aastaaegade" pearežissööriks. Tänu sellele kutsele saab Fokin maailmakuulsaks. Ja vene balletitantsijad hakkasid Prantsusmaa pealinnas igal aastal võidukalt esinema. Vene balleti ajalugu ülistab vene trupi tantsijaid, kelle nimed on kogu maailm teada: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Vaclav Nijinsky jt. Ja seda Euroopa balleti allakäigu ajal!

Diaghilev kasutas võimalust ja võitis. Ta koondas trupi noori ja andekaid balletinäitlejaid ning andis neile vabad käed. Ta lubas mul tegutseda väljaspool teadaolevaid raame, mille seadis kuulus, kuid juba üsna eakas Petipa.

Tegevusvabadus andis tantsijatele võimaluse end avastada ja väljendada. Lisaks nendele revolutsioonilistele uuendustele tõmbas Diaghilev oma kuulsaimate kaasaegsete kunstnike (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) ja heliloojate (C. Debissy, M. Ravel, I. Stravinsky) kaunistuste poole. Nüüd on igast balletietendusest saanud meistriteos.

Pärast Oktoobrirevolutsiooni lahkusid mässumeelselt Venemaalt paljud tantsijad ja koreograafid. Aga selgroog jäi alles. Tasapisi muutub vene ballett rahvale lähedasemaks. Ajaloo leheküljed kujunemisperioodil on näinud palju ...

Pärast 20. sajandi keskpaika tõi uus põlvkond tantsijaid ja koreograafe lavale tagasi unustatud tantsuminiatuure, sümfooniaid ja ühevaatuselisi ballette. Stuudiote ja teatrite arv hakkas pidevalt kasvama.

"Triumfant", baleriin, balletikriitik

Kuulus vene tantsija Vera Mihhailovna Krasovskaja sündis Vene impeeriumis 11. septembril 1915. aastal. Pärast keskkooli astus ta Leningradi koreograafiakooli ja lõpetas selle 1933. aastal edukalt. Ta õppis kuulsa Vaganova Agrippina juures. Sellest ajast kuni 1941. aastani töötas Krasovskaja teatris. Kirov. Ta tegeleb akadeemilise repertuaari ballettidega.

1951. aastal lõpetas Vera Mihhailovna A. I. nimelise teatriinstituudi aspirantuuri. A. Ostrovski, pärast põhiharidust teatriteaduse teaduskonnas.

Professionaalsuse kool, mille Krasovskaja sai esmalt Agrippina Vaganova klassis, seejärel Mariinski teatri balletilavastustes, koos entsüklopeedilise teadmistebaasi, aristokraatia, kultuuritraditsioonide ja hämmastava keeleoskusega (prantsuse ja inglise keel), võimaldas tal saada säravaks ja ühemõtteliselt suurimaks balletikunstikriitikuks.

1998. aastal levis üle teatrimaailma hea uudis. Triumfi auhinna sai Vera Mihhailovna Krasovskaja. Vene balleti ajalugu, millest ta rääkis kunstiajaloolase ja kriitikuna raamatutes (mõned neist tõlgitud võõrkeeltesse) ja artiklites (üle 300), tegi Vera Mihhailovnast tasuta Venemaa triumfi auhinna laureaadi. See auhind tunnustab tipptaset kunstis ja kirjanduses.

1999. aastal suri Krasovskaja Vera Mihhailovna.

Epiloog

Vene balleti ajalugu säilitab tänuväärselt nende tantsukunsti meistrite nimesid, kes on andnud kolossaalse panuse vene koreograafia kujunemisse. Need on tuntud Sh Didlo, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diaghilev, M. Fomin ja paljud teised. Ja vene kunstnike talent meelitas ja meelitab tänapäeval maailma erinevates riikides tohutul hulgal pealtvaatajaid.

Vene balletitruppe peetakse tänapäevani maailma parimateks.

Ballett on spirituaalse plastilisuse, liikumises kehastatud mõtte, koreograafia abil näidatud elu kunst.

Balleti ajalugu algab Itaalias renessansiajastul (XV-XVI sajand). See kasvas välja pidulikest etendustest, mida aristokraatidele lavastasid nende teenijad: õukonnas muusikud ja tantsijad. Toona oli ballett nagu kaheksateistkümneaastane kogenematu noormees: kohmakas, aga tuli silmis. See arenes äärmiselt kiiresti. Nagu seesama noormees, kes esmalt töökotta lubati ja õpipoisiks kutsuti.
Tol ajal oli balletimood hoopis teistsugune: kostüümid vastasid ajale, tutusid ja puänt-kingad lihtsalt ei eksisteerinud ning publikul oli etenduse lõpuks võimalus selles osaleda.

Catherine de Medicist saab balleti arengu ajaloos märkimisväärne tegelane. Itaaliast toob ta selle kunsti Prantsusmaale, korraldab kutsutud külalistele vaatemängu. Näiteks said Poola suursaadikud näha suurejoonelist lavastust nimega Le Ballet des Polonais.
Arvatakse, et meistriteos Ballet Comique de la Reine oli tõeliselt lähedane modernsele balletile, mis hoidis publikut pinges üle viie tunni. See paigutati 1581. aastal.

17. sajand on uus etapp balleti arengus. Lihttantsust eraldatuna muutus see iseseisvaks kunstiks, mida toetas kirglikult Louis XIV. Tema jaoks tellis Mazarin Itaaliast koreograafi, kes lavastas ballette kuninga osavõtul.
1661. aastal lõi Louis esimese tantsuakadeemia, kus õpetati balletti. Louis XIV esimene koreograaf M. Lully võttis esimese balletikooli ohjad enda kätte. Tema juhtimisel täiustus ja andis tooni kogu balletimaailmale Tantsuakadeemia. Ta tegi kõik endast oleneva, et muuta ballett noorest ja kogenematust noorusest, kelle silmis tuli silmis, esinduslik nägus mees, keda tuntakse ja austatakse kõikjal. 1672. aastal asutati tema toel tantsuakadeemia, mida tänini tunneb kogu maailm Pariisi ooperiballeti nime all. Teine Louis XIV õukonnakoreograaf Pierre Beauchamp töötas tantsu terminoloogia kallal.
1681. aasta oli balletiajaloos veel üks märkimisväärne aasta. Härra Lully lavastuses osalesid esimest korda tüdrukud. 4 kaunitari tungisid tantsumaailma ja sillutasid teed ülejäänutele. Sellest meeldejäävast hetkest hakkasid tüdrukud balletis osalema.

18. sajandil võitis ballett jätkuvalt peente tantsusõprade südameid üle kogu maailma. Tohutu hulk esinemisi, uued vormid oma "mina" väljendamiseks laval, tuntus pole kaugeltki kitsas õukonnaringkonnas. Venemaale jõudis ka balletikunst.
1783. aastal lõi Katariina II keiserliku ooperi- ja balletiteatri Peterburis ja Suure Kamennõi teatri Moskvas ning Peterburis avati Keiserlik Balletikool.
Mida lähemale jõudis sajandi keskpaik, seda eredamaks muutus balletikunst. Euroopa oli temast lummatud, enamik kõrgeid inimesi tundis huvi balleti vastu. Kõikjal avati balletikoolid. Arenes ka balletimood. Tüdrukud võtsid maskid seljast, riietumisstiilid muutusid. Nüüd riietusid tantsijad heledatesse riietesse, võimaldades neil sooritada varem võimatuid passid.

19. sajandi alguses arenes aktiivselt balleti teooria. 1820. aastal kirjutas Carlo Blasis "Tantsukunsti teooria ja praktika algtrakti". Algab üleminek kvantiteedilt kvaliteedile, üha enam pööratakse tähelepanu detailidele.
Ja mis kõige tähtsam, see, mida 19. sajandi algus balletile toob, on tantsimine käeulatuses. Uuenduslikkust tajus pauguga ja enamik koreograafe võttis selle üles.
Üldse on need sada aastat balletikunstile palju andnud. Ballett on muutunud ebatavaliselt kergeks ja õhuliseks tantsuks nagu suvetuul, mis sünnib tõusva päikese kiirtes. Teooria ja praktika liikusid käsikäes: ilmus palju teaduslikke töid, mida kasutatakse balleti õpetamisel siiani.

Kahekümnes sajand möödus Vene balleti märgi all. Euroopas ja Ameerikas oli sajandi alguseks huvi balleti vastu hääbumas, kuid pärast meistrite saabumist Venemaalt lahvatas seal taas armastus balletikunsti vastu. Vene näitlejad korraldasid pikki ringreise, andes kõigile võimaluse oma oskusi nautida.
1917. aasta revolutsioon ei suutnud takistada balleti arengut. Muide, umbes samal ajal ilmus meile tuttav balleti tutu ja etendused läksid sügavamaks.
20. sajandil on ballett kunst mitte ainult aristokraatide ja aadlimajade jaoks. Ballett saab üldsuse omandiks.

Meie ajal on ballett jäänud samaks maagiliseks kunstiks, kus tantsu abil saab rääkida kõigist inimlikest emotsioonidest. See areneb ja kasvab jätkuvalt, muutudes koos maailmaga ja kaotamata oma tähtsust.

Ballett on kunstiliik, milles koreograafia abil kehastub looja idee. Balletilavastusel on süžee, teema, idee, dramaatiline sisu, libreto. Vaid harvadel juhtudel toimub süžeeta ballette. Ülejäänud osas peavad tantsijad koreograafiliste vahenditega edasi andma tegelaste tundeid, süžeed, tegevust.

Balletitantsija on näitleja, kes annab tantsu abil edasi tegelaste suhteid, nende omavahelist suhtlemist, laval toimuva olemust.

"Giselle'ist" kuni "Spartacukseni". Ballette peab nägema.

"Giselle"

Ajalugu: balleti esietendus toimus 28. juunil 1841 Pariisis. Vene avalikkus nägi lavastust Suure Teatri seinte vahel alles kaks aastat hiljem. Sellest ajast peale pole Giselle enam kauaks Venemaa lavalt lahkunud. Peategelase kuvandis särasid esimese suurusjärgu tantsijad: Pavlova, Spesivtseva, Ulanova, Bessmertnova, Maksimova jt.

Süžee: Lugu esimesest armastusest ja jõhkrast reetmisest. Talupojaks maskeerunud aadlik Albert võrgutab pahaaimamatu külatüdruku. Kuid pettus selgub kiiresti. Kui Giselle saab teada, et tema väljavalitul on juba pruut kõrgseltskonnast, läheb ta hulluks ja sureb.
Öösel tuleb Albert tüdruku hauale, kus ta peaaegu sureb džiipide – enne pulmi surnud pruutide – kätte. Giselle päästab noormehe.

"Luikede järv"

Ajalugu: ballett Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski muusikale ei armunud avalikkusesse kohe. Debüüt lõppes täieliku ebaõnnestumisega. Publik hindas "Luikede järve" alles pärast seda, kui selle originaalkoreograafia monteerisid koreograafid Lev Ivanov ja Marius Petipa. Lavastuse uusversioon näidati avalikkusele 1895. aastal Mariinski teatri laval. Nõukogude ajal sai just "Luikede järvest" riigi tunnus. Balletti näidati kõigile Moskvat külastanud kõrgetele külalistele.

Süžee: Lavastus põhineb legendil printsess Odette'ist, kelle kurja nõid Rothbart muudab luigeks. See, kes teda siiralt armastab ja truudusvande annab, võib tüdruku päästa. Prints Siegfried annab sellise lubaduse, kuid murrab selle balli ajal, kui Odile ilmub sellele nagu kaks tilka vett, mis sarnaneb Odette'iga. Luigetüdruku jaoks tähendab see vaid üht – ta ei saa kunagi naasta oma endisesse ellu.

"Romeo ja Julia"

Ajalugu: Maailmakuulsa balleti muusika kirjutas Sergei Prokofjev juba 1935. aastal, kuid lavastust ennast nägi publik kolm aastat hiljem ja mitte Moskvas või Leningradis, vaid Tšehhis, Brno linnas. Shakespeare’i tragöödiat näidati Nõukogude Liidus alles 1940. aastal. Legendaarne Ulanova säras siis nimiosas. Muide, tantsija (nagu paljud teised) ei saanud maestro muusikast aru. Pärast esietendust tegi ta vallatu toosti: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis."

Süžee: ballett langeb täielikult ja täielikult kokku Shakespeare'i tõlgendusega – sõdivatest peredest pärit armastajad abielluvad sugulaste eest salaja, kuid hukkuvad traagilise õnnetuse läbi.

"La Bayadère"

Ajalugu: La Bayadère on Venemaa keisrilava üks kuulsamaid ballette. Esimest korda esitleti lavastust laiemale avalikkusele 1877. aastal, Peterburi Suure Teatri laval. Ja 1904. aastal kolis koreograaf Aleksander Gorsky ta pealinna. Aja jooksul tehti "La Bayadère'i" arvukalt muudatusi, muutumatuks jäi vaid "Varju" stseen balleti korpuse esituses. Teda peetakse õigustatult kogu lavastuse tõeliseks dekoratsiooniks ja koreograaf Petipa tõeliseks saavutuseks.

Süžee: Solori ja bayadère (tantsija) Nikiya vahel puhkeb armastus. Tüdrukule ei meeldi aga mitte ainult tema valitud, vaid ka suur braahman, kes kaunitari keeldumise saanud otsustab talle kätte maksta. Raja Dugmanta soovib ka bayadère'i surma, kuna unistab oma tütre Soloriga abiellumisest. Vandenõu tulemusena sureb neiu maohammustusse, mille vaenlased kimpu peidavad.
"La Bayadère'i" tugevaim osa on "Varju" stseen. Kui Solor uinub, näeb ta uskumatut pilti: surnud hingede varjude tants laskub pikas rivis piki kuru Himaalaja vahel, nende seas on teda enda juurde kutsuv Nikiya.

"Spartacus"

Ajalugu: balleti esietendus toimus 27. detsembril 1956 Peterburis ja 1958 - Moskvas. Võib-olla võib nõukogude perioodi kuulsaimateks meeste osade esinejateks nimetada Vladimir Vasiliev ja Maris Liepa. Stsenaariumi aluseks olid mitmesugused ajaloolised materjalid ja ilukirjandus.

Süžee: Selles balletis taandub armastusliin kahe peategelase Spartacuse ja Crassuse vastasseisu taustal tagaplaanile.
Spartacus tõstab gladiaatorite seas ülestõusu, tal õnnestub võita, kuid Crassus ei taha alla anda ja alustab uut kampaaniat oma vaenlase vastu. Seekord on õnn tema poolel. Spartacus võitleb viimseni, kuid hukkub ebavõrdses lahingus: enamik tema liitlasi läks lihtsalt välja ja keeldus vaenlast tagasi tõrjumast.

Seda peetakse õigustatult koreograafilise kunsti kõrgeimaks etapiks, kus tants muutub muusikaliseks lavalavastuseks. See kunstivorm tekkis 15.-16. sajandil, palju hiljem kui tants. Algselt oli see õukonnaaristokraatlik kunst. Tants on balleti põhiline väljendusvahend, kuid vähetähtis pole dramaturgiline baas, stsenograafia, kostüümi- ja valguskunstnike töö.

Klassikaline ballett on jututants, kus tantsijad jutustavad alati lugu läbi tantsu. Klassikaline mitmevaatuseline ballett on traditsiooniliselt pühendatud müütidele, muinasjuttudele ja ajaloolistele teemadele. Žanrilavastused võivad olla kangelaslikud, koomilised, folkloorilised.

Nime päritolu on kas ladina ballo - “ma tantsin” või prantsuse balleto, millel on sama tähendus.

Ballett on nii tantsulavastus kui ka mitmekülgne teatri- ja muusikakunst, kus plastilisuse ja koreograafia abil luuakse ekspressiivseid kunstilisi kujundeid.

Tantsu teatraliseerimine sai alguse Itaalias 15. sajandil, mil tantsumeistrid hakkasid rahvatantsude põhjal looma õue- ja peotantsu.

Esimene ballett

Esimene balletilavastus, kus ühendati tants, muusika, pantomiim ja sõna, lavastati 16. sajandi lõpus Prantsusmaal Catherine de Medici õukonnas. Seda kutsuti "Circe and the Nymphs" ja selle lavastas Baltazarini di Belgiojoso, suurepärane koreograaf ja viiuldaja, kes saabus Itaaliast oma viiuliorkestriga.

Tegemist oli iidse süžeega lavastusega, mis pani aluse prantsuse õukonnaballeti arengule. Vahepalad, pastoraalid, maskeraadid ja tantsuline divertisment said kiiresti õukonnapidude tipphetkeks.

Pierre Beauchamp'i koostatud balleti põhikaanonid

Igal tantsul on põhimõtteliselt teatud reeglid ja tants muutus balletiks, kui koreograaf Pierre Beauchamp kirjeldas õilsa tantsumaneeri kaanoneid.

Beauchamp jagas tantsija liigutused rühmadesse – hüpped, kükid, erinevad kehaasendid ja pöörlemised. Seda tüüpi tantsukunsti aluseks oli jalgade ümberpööramise põhimõte, tänu millele sai keha liikuda erinevates suundades. Ülaltoodud liigutused tehti kolme käeasendi ja viie jalaasendi alusel.

Balleti areng

Sellest hetkest algas balleti areng, millest 18. sajandil sai iseseisev kunst.

Balletikoolide areng algab kogu Euroopas, jõudes Venemaale, kus 1738. aastal asutati Peterburis Vene keiserlik ballett.

Varastel tantsijatel oli raske – nad kandsid väga keerulisi kostüüme, rasked seelikud raskendasid liikumist. Kuid tasapisi kostüüm muutus – balletikingad kaotasid kontsad, baleriinide rüüd muutusid kergeks ja õhuliseks.

Koreograafid õpetasid tantsijaid väljendama emotsioone žestide ja miimikaga, mütoloogilised süžeed asendusid lugudega kaugetest maadest, armastuslugude ja muinasjuttudega. Sellisel kujul on klassikaline ballett säilinud tänapäevani ühe kauni tantsukunstina.

Ballett, koreograafia kõrgeim tase (kreeka keelest choreia - tants ja grafo - kirjutan), milles tantsukunst tõuseb muusikalise lavalavastuse tasemele, tekkis õukondliku aristokraatliku kunstina palju hiljem kui tants, 15.-16. sajandite jooksul. Termin "ballett" ilmus renessansiaegses Itaalias 16. sajandil. ja tähendas mitte etendust, vaid tantsuepisoodi. Ballett on sünteetiline kunst, milles tants, balleti peamine väljendusvahend, on tihedalt seotud muusikaga, dramaatilise alusega - libreto, stsenograafiaga, kostüümikunstniku, valguskunstniku jne tööga. Ballett on mitmekesine: süžee - klassikaline narratiivne mitmevaatuseline ballett, draamaballett; süžeeta - ballett-sümfoonia, ballett-meeleolu, miniatuur. Vastavalt žanrile võib ballett olla koomiline, kangelaslik, folkloorne. 20. sajand tõi balletti uusi vorme: jazzballett, modernballett.

Tantsu päritolu.

Tants ilmus tunnete väljendamise viisina liikumise, žestide, plastilisuse ja näoilmete kaudu ning saatis iidse inimese elu erinevaid aspekte (lõikuspüha, pulmatseremoonia, jumalateenistus). Vana-Kreeka dionysose kultusest kasvas välja antiikteater, mille üheks osaks oli lavatants ja selle muusa Terpsichore . Hellenismi ajastul tekkis pantomiimikunst, mis arenes nii keskajal kui ka renessansiajal (komöödiates dell'arte, arlekinaadid).

Ballett renessanss, barokk ja klassitsism.

Eriti intensiivne oli tantsu teatraliseerumise protsess Itaalias, kus juba 14.-15. ilmusid esimesed tantsumeistrid ja rahvatantsu baasil kujunes välja peotants, õuetants. Hispaanias nimetati süžee tantsustseeni mereks (mauride tants), Inglismaal - maskiks . 16. sajandi keskel - 17. sajandi alguses. kujundlik, pildiline geomeetriliste kujundite kompositsioonitüübi järgi organiseeritud tants (ballo figurato). Teatud Türgi naiste ballett, aastal esinenud 1615 Medici hertsogite õukonnas Firenzes. Piltlikus tantsus löövad kaasa mütoloogilised ja allegoorilised tegelased. 16. sajandi algusest Tuntud on ratsaballette, kus ratsanikud tantsisid hobuse seljas muusika, laulu ja ettelugemise saatel ( Tuulte turniir, 1608,Ilu võitlus, 1616, Firenze). Ratsaspordiballeti päritolu ulatub tagasi keskaja joustiturniiridele.

Esimene balletilavastus, mis ühendas muusika, sõna, tantsu ja pantomiimi, Circe ehk Kuninganna komöödiaballett, lavastas Catherine de Medici õues (Pariis) Itaalia koreograaf Baltazarini di Belgiojoso aastal 1581. Sellest ajast alates hakkas Prantsusmaal arenema õukonnaballeti žanr (maskeraadid, pastoraalid, tantsulised divertisments ja vahepalad). Ballett 16. sajand oli suurejooneline barokkstiilis vaatemäng koos tseremoniaalsete hispaania tantsude - pavanes, sarabandes - esitusega. Louis XIV ajal saavutasid õukonnaballeti etendused kõrgeima hiilguse, sisaldades lavaefekte, mis andsid vaatemängule ekstravagantse iseloomu. Louis XIV ise ei olnud tantsumuuseumile võõras, 1653. aastal tegutses ta Päikese rollis. õhtu ballett, sealtpeale kutsuti teda "päikesekuningaks". Samas balletis tantsis tantsijakarjääri alustanud helilooja J. B. Lully.

Tants hakkas muutuma balletiks, kui seda hakati esitama teatud reeglite järgi. Need sõnastas esmakordselt koreograaf Pierre Beauchamp (1637–1705), kes töötas koos Lullyga ja juhtis 1661. aastal Prantsuse Tantsuakadeemiat (Pariisi ooperi tulevane teater). Ta pani kirja õilsa tantsumaneeri kaanonid, mis põhinesid jalgade pööramise (en dehors) põhimõttel. Selline asend andis inimkehale võimaluse vabalt erinevates suundades liikuda. Ta jagas kõik tantsija liigutused rühmadesse: kükid (plié), hüpped (seelikud, entrecha, kabrioolid, jet , võime hüppega rippuda – kõrgus), pööramised (piruetid, fouetid), kehaasendid (hoiakud, arabeskid). Need liigutused viidi läbi viie jalgade ja kolme käte asendi (port de bras) alusel. Kõik klassikalise tantsu sammud on tuletatud nendest jala- ja käteasenditest. Nii algas balleti kujunemine, mis arenes välja 18. sajandiks. vahepaladest ja divertismentidest iseseisva kunstini.

17. sajandil Pariisi ooperis. esitati teatri- ja muusikalise vaatemängu erižanr - ooper-balletid heliloojatelt J. B. Lully, A. Kampra, J. F. Rameau. Esialgu kuulusid balletitruppi ainult mehed. Prantsuse tantsijad olid kuulsad oma esinemise graatsilisuse ja elegantsi (aatelisuse) poolest. Itaalia tantsijad tõid Pariisi ooperi lavale uue tantsustiili - virtuoosse stiili, tehniliselt keeruka, hüpleva tantsustiili. Üks meeste lavatantsu rajajaid oli Louis Dupre (1697-1774). Ta oli esimene, kes ühendas tantsus mõlemad esinemisviisid. Tantsutehnika keerukus nõudis muudatusi naiste kostüümis. 18. sajandi esimesel kolmandikul Marie Camargo ja Marie Sallet tegid esimestena baleriinidest hüppeid (entrecha), mis varem olid ainult meestele allutatud, seetõttu kaotasid nad rasked ja pannid ning lühendasid seelikuid ja läksid üle madalama kontsaga kingadele. 18. sajandi teisel poolel ilmusid säravad tantsijad Gaetan Vestris (1729-1808), Pierre Gardel (1758-1840), Auguste Vestris. Antiikstiilis heledad riided, mis tulid moes Prantsuse revolutsiooni eelõhtul, aitasid kaasa balletitehnika arengule. Balletinumbrite sisu oli aga nõrgalt seotud ooperi süžeega ning omas ooperietenduse ajal entre’i, menueti väljapääsu, gavoti ja muude tantsude iseloomu. Luguballeti etenduse žanr pole veel välja kujunenud.

Ballett valgustusajastul.

Valgustusajastu on balleti arengu üks verstaposte. Valgustajad nõudsid klassitsismi konventsioonide tagasilükkamist, balletiteatri demokratiseerimist ja reformimist. J. Weaver (1673–1760) ja D. Rich (1691–1761) Londonis, F. Hilferding (1710–1768) ja G. Angiolini (1731–1803) Viinis koos helilooja, ooperireformaatori V. K. Gluckiga proovisid muuta ballett süžeelavastuseks, sarnaselt dramaatilisele lavastusele. See liikumine väljendus kõige täielikumalt L. Dupre õpilase Jean Georges Noverre'i reformis. Ta võttis kasutusele pas d "actioni (efektiivne ballett). Noverre võrdles balletti klassikalise draamaga ja propageeris uut suhtumist sellesse kui iseseisvasse etendusse. Pidades pantomiimile suurt tähtsust, vaesustas ta samal ajal tantsusõnavara, kuid tema teene oli aga soolo- ja ansamblitantsu vormide arendamine, mitmevaatuselise balleti vormi juurutamine, balleti eraldamine ooperit, balleti eristamist kõrgeteks ja madalateks žanriteks – koomiliseks ja traagiliseks. Oma uuenduslikke ideid tõi ta välja aastal Kirjad tantsust ja ballettidest(1760). Tuntuimad on Noverre mütoloogilistel teemadel balletid: Admet ja Alceste,Rinaldo ja Armida,Psüühika ja Cupido,Heraklese surm- kõik J.J. Rodolphe'i muusika järgi; Medea ja Jason, 1780,hiina ballett, 1778, Iphigenia Aulises- kõik E. Milleri muusika järgi, 1793. Noverre pärand on 80 balletti, 24 balletti ooperites, 11 divertismenti. Tema käe all viidi lõpule balleti kui iseseisva teatrikunsti žanri kujunemine.

balleti sentimentalism.

18. sajandi teisel poolel alanud on sentimentaalsuse ajastu. Erinevalt valgustajatest tegid sentimentalistid oma teoste tegelasest tavalise inimese, mitte iidse jumala või kangelase. Balletiteatrist sai linlaste avalik vaatemäng ja ilmus oma tüüpi etendus - komöödia ja melodraama. Esiplaanil oli pantomiim, mis tantsu varju surudes muutis balleti koreodraamaks, millega seoses kasvas huvi aktsiooni kirjandusliku aluse vastu. Ilmusid esimesed balletilibretod.

Ballettide kangelannadeks olid džiipide sülfid ja metsavaimud, keldi ja saksa folkloori tegelased. Kujundi valges tuunikas tantsijannast, kes kehastab ebamaist olendit, kellel on pärg peas ja tiivad selja taga, leiutasid prantsuse kostüümikunstnikud I. Leconte, E. Lamy, P. Lormier. Hiljem tekkis ka termin „valge“. ”, tekkis “valge-tuunika” ballett. Valge on absoluutse värv, "valge ballett" väljendas romantilist igatsust ideaali järele, selle graafiliseks valemiks sai arabeskis baleriin. Corps de ballet dance roos, tants ja pantomiim, soolo, corps de ballet ja ansamblitants sulasid ühtseks tervikuks. Tänu sõrmetehnika arengule on liikumiste õhulennust saanud uus tantsustiil.

Romantiline ballett toetus rohkem kirjanduslikule allikale ( Esmeralda, 1844, autor V. Hugo, Korsaar, 1856, J. G. Byron), Katharina, röövli tütar, C. Puni, 1846). Autoriliseks muutunud muusika osatähtsus kasvas, enne oli balletimuusika sageli meeskondlik, see oli tantsu taustaks ja rütmiliseks saateks, lõi etenduse meeleolu. Romantismi balletimuusika ise lõi dramaturgiat ja andis tegelastele kujundlikud muusikalised omadused.

Romantilise balleti tipp oli Giselle(1841), mille on Pariisi Ooperis lavale toonud J. Coralli ja J. Perrot, T. Gauthieri libreto põhjal A. Adami muusikale. V Giselle saavutati muusika, pantomiimi ja tantsu ühtsus. Lisaks pantomiimile arendasid etenduse tegevust muusikalised ja koreograafilised juhtmotiivid, meloodia intonatsiooniline väljendusrikkus andis tegelastele muusikalisi tunnuseid. Adan alustas balletimuusika sümfoniseerimise protsessi, rikastades seda sümfoonilisele muusikale omaste väljendusvahendite arsenaliga.

M. Taglioni ja F. Elsler on romantilise balleti suurimad esindajad ja rivaalid. Nende isiksused vastavad kahele romantismi harule: irratsionaalne (fantastiline) ja kangelaslik-eksootiline. Itaallanna Maria Taglioni esindas esimest suunda, tema Sylph sai romantilise balleti sümboliks, tema tantsus oli graatsilisust, lendu ja poeesiat. Austria baleriini Fanny Elsleri tantsu iseloomustas temperament, kiirus, virtuoossus, ta esindas romantilise balleti heroilis-eksootilist suunda. Iseloomuliku tantsijana esitas ta hispaania tantsu kachucha, poola krakowiak, itaalia tarantella. Teised silmapaistvad romantismi tantsijad: Carlotta Grisi, Fanny Cerrito (1817-1909), Lucille Grand (1819-1907). Giselle’i rolli esmaesitleja Grisi sai tuntuks ka C. Pugni balleti peaosa esitamisega. Esmeralda. 1845. aastal koostas Perrault kuulsa divertismenti pas de quatre(muusika C. Pugni), kus samal ajal esinesid Taglioni, Elsler, Grisi, Cerrito.

Balletiromantismi ajaloos eristub selle Taani võsu, eriti August Bournonville'i loomingus. 1836. aastal lõi ta oma versiooni süülfid H.S. Levensheldi muusikale. Taani romantiline ballett (romantismi taustal biidermeieri stiil) on maalähedasem ja kammerlikum folkloorsete motiividega stiil, kus suur roll on pantomiimil ja rohkem pööratakse tähelepanu meeste tantsule, vähem kasutatakse näputehnikat, teisejärgulised on naiserollid. Need jooned on iseloomulikud ka tänapäeva Taani balletile. 1830. aastal juhtis Bournoville Kopenhaageni Kuningliku Teatri truppi ja lõi 50 aasta jooksul palju ballette. Tema meestantsutehnika on jätkuvalt üks juhtivaid Euroopas.

Arvatakse, et lühike romantismiperiood oli parim periood kogu Euroopa balleti ajaloos. Kui varem oli balleti sümboliks Terpsichore, siis romantismi ajastust sai sellest süülf, džiip. Balletiromantism eksisteeris Venemaal kõige kauem (luigestseenid aastal luikede järv ja lumehelveste tants aastal Pähklipurejas L. Ivanova, varjude tegu sisse La Bayadère,Vaarao tütred ja Raymond M. Petipa). 19.-20. sajandi vahetusel. aastal sai romantism uue sünni Chopinlased M. M. Fokina. See oli teise ajastu – impressionismi ajastu – romantism. Romantilise balleti žanr säilis 20. sajandi teisel poolel. ( Lehed närbuvad E. Tudor A. Dvoraki muusikale, Tantsimine pidudel J. Robbins F. Chopini muusikale).

Ballett 19. sajandi teisel poolel (akademism, impressionism, kaasaegne).

Kui realism jõudis teiste kunstiliikide juurde, sattus Euroopa ballett kriisi- ja allakäiguseisundisse. See kaotas oma sisu ja terviklikkuse ning tõrjus välja ekstravagantsus (Itaalia), muusikasaal (Inglismaa). Prantsusmaal liikus ta tõestatud skeemide ja tehnikate säilitamise faasi. Ainult Venemaal säilitas ballett loovuse iseloomu, kus arenes suurejoonelise balleti esteetika, akadeemiline ballett, monumentaalne lavastus keeruliste tantsukompositsioonide ning virtuoossete ansambli- ja soolopartiidega. Akadeemilise balleti esteetika looja on 1847. aastal Venemaale saabunud prantsuse tantsija Marius Petipa. Tema loodud koostöös L. I. Ivanovi (1834-1901) ning heliloojate P. I. Tšaikovski ja A. K. Glazunovi ballettidega uinuv kaunitar(1890), Pähklipureja (1892), Luikede järv (1895) Raymond (1898), Aastaajad(1900) kujunes klassikalise sümfoonilise balleti tippudeks ja viis koreograafilise kultuuri keskpunkti Venemaale.

19.-20. sajandi vahetusel. koreograafiasse tungisid impressionismi ja vabatantsu voolud (modern, dunkanism, rütmiplastiline tants). Kaasaegne tants tekkis 19. ja 20. sajandi vahetusel. USA-s ja Saksamaal. Kaasaegne koreograafia tõrjus traditsioonilised balletivormid ja asendas need vaba tantsu, rütmiplastika ja muusika intuitiivse interpretatsiooniga. Kui klassikaline balletikoolkond on üles ehitatud eversioonile (en dehors), siis kaasaegne lubab sokkide asendit sees (en dedans). Modern ei kasuta näputehnikat, hüppeid ja libisemisi, vaid arendab aktiivselt keha liialdusi, õlgade ja puusade liikuvust ning käte väljendust. Modernsuse ideoloogid olid prantsuse teoreetik F. Delsarte (1811–1871), uuenenud antiigiga Ameerika tantsija Isadora Duncan ja E.J. Nad kuulutasid muusika jagamatut domineerimist tantsu üle. Dunkanism omakorda mõjutas balletiimpressionismi, mida esindas vene koreograafi M.M. Fokini looming. S.P.Djaghilevi tegevus sai pöördepunktiks uuele balletiesteetikale. Tema korraldatud Vene aastaajad (1909-1911) ja Vene balletitrupp (1911-1929) avaldasid tohutut mõju maailma balleti arengule.

20. SAJANDI MAAILMA BALLET

Balleti ajalugu 20. sajandil mida iseloomustavad vene klassikalise balleti traditsioonide assimilatsiooniprotsessid Euroopa balletikompaniidega. Juhtivad suunad on metafoor, süžeevabadus, sümfoonilisus, vaba rütmiplastika, moderntants, folkloori elemendid, igapäevaelu, sport, džässisõnavara. 20. sajandi teisel poolel areneb postmodern, mille väljendusvahendite arsenali kuuluvad kino- ja fotoprojektsioonide, valgus- ja heliefektide, elektroonilise muusika, häppeningi (vaatajate osalemine balletis) jne kasutamine. Tekkis kontaktkoreograafia žanr, mil tantsija "kontakteerub" laval olevate objektide ja lava endaga. Domineerib ühevaatuseline ballett-miniatuur (novella, ballett-meeleolu). Kõige arenenuma koreograafilise kultuuriga riigid olid Suurbritannia, USA, Prantsusmaa, NSV Liit. Olulist rolli maailma balleti arengus mängisid vene emigratsiooni teise laine tantsijad (R. Nurejev, N. Makarova, M. Barõšnikov) ja lepingu alusel läänes töötanud vene kooli tantsijatel (M. Plisetskaja, A. Asylmuratova (sünd. 1961), N .Ananiashvili (s.1963), V.Malahhov (s.1968), A.Ratmanski (s.1968) Saksamaal, Hollandis, Rootsis arenes ekspressionistlik, seejärel postmodernistlik ballett.

Balletivõistlusi on peetud alates 1964. aastast.

Prantsusmaa.

Prantsusmaa kujunes 1920. ja 1930. aastatel Euroopa balletikunsti keskuseks, kus Djagilevi Ballets Russes ja sellest välja kasvanud kollektiivid töötasid kuni 1929. aastani. Fokine’i traditsioone arendasid välja L.F.Mjasin, B.F.Nižinskaja, S.M.Lifar, kes juhtis Monte Carlo ja Pariisi truppe. 20. sajandi teisel poolel Prantsusmaa andis balletile sellised omanäolised koreograafid nagu Maurice Béjart ja Roland Petit.

J. Balanchine töötas enne USA-sse lahkumist 1933. aastal Prantsusmaal. Aastatel 1932–1933 organiseeris ta Balle rus de Monte Carlo trupi ( Kaupmees aadlis R. Strauss, mozartiana P. Tšaikovski). Pärast Balanchine'i lahkumist asus truppi juhtima VG Voskresensky (de Basil), trupp sai tuntuks kui "Balle rus de Monte Carlo of Colonel de Basil" (1939–1962 töötas ta USA-s, 1938–1948 oli Myasin trupi koreograaf, kes seadis oma ülesandeks Djagilevi ballettide säilitamise). Lifar juhtis aastatel 1944-1947 Monte Carlo Uut Vene Balletti, aastast 1947 sai see tuntuks kui markii de Cuevase Nouveau balle rus de Monte Carlo.

Aastatel 1930-1959, mil oli vaheaeg sõjaväelaste jaoks 1944-1947, juhtis Pariisi ooperi truppi Serge Lifar, kes lavastas seal 50 neoklassitsistlikus stiilis balletti, moderniseerides klassikalist tantsu ja kombineerides seda vaba, folkloori elementidega, igapäevane tants. Tolle aja kuulsaimad baleriinid: Claude Bessy (s. 1932), Lifari õpilane, kes alustas oma karjääri Balanchine'iga, saavutas 1972. aastal kõlava edu 1972. aastal. Bolero M. Bejart, samast aastast - ooperiteatri balletikooli direktor, samuti lüüriline tantsija Yvette Chauvire ( 1917), kuulus Giselle’i osa esituse poolest. Koreograafilised uuendused arenesid väljaspool ooperi seinu, kuigi alates 1970. aastatest on seal lavastatud Balanchine'i, D. Robbinsi, G. Tetley, P. Taylori, M. Cunninghami, Y. N. Grigorovitši ballette. Aastatel 1983-1989 sai Venemaalt pärit Nõukogude tantsija R.Kh.Nurejev taas Pariisi ooperiballeti trupi juhiks teatri tantsutruppi, mis selleks ajaks oli muutunud balletimuuseumiks. Ooperitantsijatest kogusid tuntust Sylvie Guillem (s. 1965), Isabelle Guérin (s. 1961). Väljapaistev klassikaline tantsija Patrick Dupont (s. 1957) juhtis seltskonda aastatel 1990–1995.

Maurice Béjart alustas tööd 1950. aastatel Ballet Etoile'iga. Alates 1960. aastast on ta juhtinud 20. sajandi balletti, alates 1987. aastast Lausanne'i ballett Bejart. Ta loob oma plastilise keele ja lahendab ballettis filosoofilisi probleeme, sellest ka huvi idamaailma ja tantsude vastu: Bakti, 1968 India muusika järgi, Meie Faust grupimuusika jaoks, 1975, Nijinsky, jumala kloun P. Henry ja P. Tšaikovski muusikale, 1971. Bejarti esitantsija oli varakult lahkunud argentiinlane Jorge Donn (1947–1992). Bejart pühendas tema mälestusele balletid. preestri maja,Ballett kogu eluks,Tango ehk roos Jorge Donnale. Aastal 1972 loodud Rändava praktikandi laulud Nurejevi jaoks. Béjarti koreograafiat iseloomustab plastiline metafoor, hoogne rütm ja massilise meestantsu prioriteet. Kuulsamad ballettide originaalväljaanded Püha kevad(1959) ja Tulelind I. Stravinski (1970), Bolero M. Ravel (1961). Ta korraldas "Mudra" kooli, kus balletiõpe põhineb psühholoogia ja kaasaegse filosoofia õppel.

Aastatel 1945-1951 asutas Roland Petit Ballet des Champs Elysées, aastatel 1949-1967 Ballet de Paris. Parimate tööde hulgas: Noorus ja surm J. S. Bach, 1946, Carmen J. Bizet , 1949, Notre Dame'i katedraal, 1965. Petit tegutseb dramaatilise balleti žanris, kaldub süžee dünaamilisuse, erksa kujundlikkuse ja teatraalsuse poole, lavastab oskuslikult massistseene, kasutab oma sõnavaras klassikalise ja jazztantsu kombinatsiooni. Tema tantsijatest said tuntuks: Zizi Zhanmer (s. 1924, osa esitaja Carmen samanimelises balletis), Jean Babilé (s. 1923, 1950. aastate kultusballeti peaosa tegija Noorus ja surm). 1972. aastal korraldas Petit Marseille'i balleti ( Süütage tähed, 1972, haige roos G. Mahler, lavastatud 1973. aastal Plisetskaja jaoks, Pink Floyd, 1973, Ingli mälestuseks A. Berg, 1977, oma versioonid klassikalistest ballettidest Coppelia, 1975 ja Pähklipureja, 1976). Lavastas Pariisi ooperis sümfoonilisi ballette Fantastiline sümfoonia G. Berlioz, 1974, valgustatud öö A. Schönberg, 1976.

Pierre Lacotte (s. 1932) aastatel 1955-1956 ja 1959-1962 - Eiffeli torni balleti lavastaja. Aastatel 1963–1968 oli ta Prantsuse Muusikaliste Noorte Rahvusballeti, seejärel Monte Carlo Balleti juht, aastani 2001 juhtis Nancy Rahvusballetti, on prantsuse balleti klassikalise pärandi ekspert, valdab peent stiliseerimiskunsti. , romantilise balleti vaimu rekonstrueerimine (filmid - balletid televisiooni Galantne Euroopa A. Kampra, balleti restaureerimine süülf J. Schneitzhoffer, kameeliatega daam G. Verdi, 1977). Teda kutsutakse "balleti arheoloogiks".

Esindatud on juugendliikumine « 1972. aastal korraldatud modernsuse balletiteater "J. Roussillo (s. 1941). Postmodernsete truppide hulgas on M. Cunninghami õpilase A. Preljocaj (s. 1957, trupp - aastast 1984) trupp. valged pisarad, 1985, Meie kangelaste mälestused, 1986, hõljuda muusika juurde W.A. Mozart, 1994).

Suurbritannia.

20. sajandi inglise ballett juhib sugupuud A. Pavlova ja Marie Ramberti (1888-1982) ning Ninette de Valois' koolist, kes töötas Diaghilevi heaks. 1920. aastal avati Marie Ramberti kool, E.J. Dalcroze'i rütmilise tantsu süsteemi järgija. Tema koolist tulid F. Ashton, E. Tudor, kes lõid 1930. aastal trupi "Ballet Rambert". 1926. aastal avas Valois Londonis Koreograafilise Kunsti Akadeemia, kust 1942. aastal lahkus trupp Sadler's Wells Ballet, ja alates 1957. aastast Suurbritannia Kuningliku Balletti. Valois oli selle direktor kuni 1983. aastast. Alates 1935. aastast selle "Kuningliku balleti" juhtiv koreograaf Frederic Ashton, kes lõi inglise klassikalise tantsu stiili - range, vaoshoitud ja poeetilise. See põhineb E. Chechetti koolkonnal, kes õpetas keiserlikus Peterburi balletikoolis ja kasvatas üles sellised isikud nagu Pavlova, T. Karsavina, M. Fokine, V. Nižinski. Pikka aega oli Ashtoni esibaleriin Margot Fontaine, kelle karjäär sündis ootamatult uuesti legendaarses duetis Nurejeviga; koos tantsiti mitmeid klassikalisi ballette, aga ka Ashtoni spetsiaalselt koreografeeritud balletti Margarita ja Arman põhinedes Kamelliatega naised A. Dumas F. Liszti muusikale, 1963. Ashtoni lavastuste hulka kuuluvad: Fassaad, 1931 W. Walton, Mõttetu ettevaatusabinõu, 1960 F. Herold, Undine, 1958 H. W. Henze, Kuu aega külas, 1976 F.Chopin, süžeevabad balletid Sümfoonilised variatsioonid, 1946 S. Frank, monotoonsus, 1965–1966 E. Satie, mitmevaatus Tuhkatriinu S. Prokofjev, 1948, koos M. Fontaine'iga - Unistus, 1964 F. Mendelssohn. 1970. aastal lõi Ashton teatris avangardsete lavastuste jaoks "Uue rühma". Anthony Tudor (1908–1987), balleti psühholoogilise draama looja, töötas teatris kuni lahkumiseni USA-sse (1939), lavastades. Sireli aed E. Chaussoni muusikale, 1936, Tumedad eleegiad muusika juurde Laulud surnud lastest G. Mahler, 1937.

Aastatel 1970–1977 juhtis ettevõtet Kenneth Macmillan. Tema nimega on seotud dramaatilise balleti žanri tekkimine. Tema stiil on kombinatsioon Cecchetti koolkonnast akrobaatika ja keerukate tõstetega, teda iseloomustab koreograafilise mustri keerukus. Tema ballett Romeo ja Julia(Prokofjevi muusika, 1965, loodud ka Fonteynile ja Nurejevile) kujunes kultuseks. balletid Manon(1974, J. Massenet muusika järgi), Kontsertantsud Stravinski 1955, Nora,või A. Franki päevik, 1958, Anastasia A. Sullivan, 1971, Mayerling F. Liszt, 1978, Isadora R. Bennett, 1981; Pagoodide prints B. Britten, 1989 loodi Macmillani juhtivale baleriinile - Lynn Seymourile (s. 1939), kes tantsis duetis hiljem kinos karjääri teinud Christopher Gable'iga (1940-1998). Macmillani ballettides esinesid virtuoos Anthony Dowell koos Antoniet Sibley ja Alexandra Ferryga (s. 1967). Panuse eest rahvuskultuuri sai Macmillan härra tiitli. Samadel aastatel töötas trupis John Cranko, kes on tuntud paljude tundide jutustavate ballettide lavastajana ( daam ja naljamees Verdi, 1954). Alates 1960. aastatest on Cranko töötanud Saksamaal, lavastades Euroopa vanimat Stuttgardi balletti. Pärast Macmillani lahkumist tõusid vabatantsu ideed teatris esikohale. Trupi endised tantsijad Norman Morris (s. 1931), Anthony Dowell (juhtinud truppi aastast 1986), David Bintley (s. 1957) tõid repertuaari Balanchine'i, Robbinsi, Forsythi lavastused. Teatri peatantsijateks olid ka Beryl Gray (s. 1927), Robert Helpman (1909–1986), Moira Shearer (s. 1926).

Teiste Ühendkuningriigi ettevõtete hulka kuuluvad Birminghami kuninglik ballett, Londoni balletifestival, mis kasvas välja 1949. aastal endiste Diaghilevi tantsijate Alicia Markova ja Anton Dolini (1904–1983) asutatud ettevõttest. Trupp "Valle Rambert" jätkab tööd. Alguses säilitati tema repertuaaris originaalseid klassikalisi ballette ning alates 1966. aastast on esikohal moderntantsu stiilis teosed. 1987. aastal sai trupi juhiks Richard Alston (s. 1948), kes arendas Ameerika modernistliku koreograafi Merce Cunninghami ideid. 1967. aastal lõi M. Grahami õpilane R. Cohen "London Theatre of Modern Dance", kus ta lavastas palju Grahami ballette. Teater on osa Londoni moodsa tantsu uurimiskeskusest.

USA.

Ameerika balleti peamine saavutus on Venemaalt pärit, Petrogradi teatrikooli lõpetanud George Balanchine'i looming. Ta lõi koreograafias uue suuna - neoklassitsistliku stiili sümfoonilise süžeeta balleti, eneseküllase koreograafilise tegevuse (mõnikord ilma libreto, stsenograafia ja kostüümideta). Balanchine’i loomingule avaldas suurt mõju ka Taani koreograafiakoolkond, mis püüdles peensuse, elava kerge jalatöö (nn Bournonville’i triivid), kiirete suunamuutuste ja liigutuste rütmide suurendamise poole. USA suurimad tantsuteatrid - "New York City Balle" ja "American Balle Theater" sündisid vene klassikalise ja Ameerika (kaasaegne tants, akrobaatika, jazz, igapäevane sõnavara) traditsioonide koosmõju tulemusena. Süžeevaba ja metafooriline kammerlik ühevaatuseline ballett jääb Ameerika balleti juhtivaks trendiks.

Kui Balanchine 1933. aastal USA-sse jõudis, oli Ameerika koreograafia juhtivaks suunaks kaasaegne tants, mis oli folkloorivärviga ning sisaldas neegri- ja indiaanlaste tantsude motiive (keha üleliigsed, puusade pöörlevad liigutused, ansamblitantsu eelistus soolo ees). ). Kaasaegse tantsu arendasid välja koreograafid Ruth Saint-Denis ja Ted Shawn (1891–1972), kes asutasid 1915. aastal Los Angeleses Denishawni tantsukooli. Seal õppisid paljud Ameerika koreograafid, sealhulgas silmapaistvaim baleriin ja koreograaf Martha Graham, kes lõi 1926. aastal oma trupi ja töötas välja spetsiaalse tantsutehnika. Koreograafid D. Humphrey, H. Limon, A. de Mille, R. Page lõid neegri- ja india folkloori kasutades žanriballette. Seevastu tänu vene emigrantidest kunstnikele tutvus Ameerika publik klassikalise balletiga: USA-s töötasid vene tantsijate M. Fokini, A. Bolmi, M. Mordkini stuudiod; B. G. Romanov (1891–1957) juhtis Metropolitan Opera Theateri balletitruppi (1938–1942, 1945–1950), 1939. aastal jõudis USA-sse trupp Balle rus de Monte Carlo (trupp V. G. Voskresensky -de Basil). juhtis aastatel 1938–1948 LF Myasin. Modernsuse sulandumine rahvuslike ja klassikaliste traditsioonidega moodustas Balanchine stiili. 1934. aastal asutas Balanchine koos filantroop Leonard Kernsteiniga (1907–1996) School of American Ballet ja selle põhjal New York City Ballet Theatre’i. 2004. aastal tähistas teater oma asutaja sajandat sünniaastapäeva ja 70. aastapäeva. Esimesed balletid lavastati Ameerika teemadel ( Bensiinijaam, 1938 L. Christensen V. Thomsoni muusikale, Billy poiss-sõber Y. Loringa, Kevad Apalachias, Rodeo A. de Mille, muusika. A. Copland), kuid peagi muutus teater Balanchine'i majaks, kus ta lavastas trupile 50 balletti. Põhimõtteliselt on need süžeeta balletid: Neli temperamenti P. Hindemith, 1946, Serenaad, 1934, barokkkontsert J. S. Bach, 1940, Sümfoonia C-duur või Crystal Palace J. Bizet, 1947, Armastuslaulud- valsid I. Brahmsi muusikale, 1960, III sviit P. Tšaikovski, 1970, sh Ameerika muusika: Kaug-Lääne sümfooniad H. Key, 1954, Kas kõik on sama J. Gershwin, 1970. Balanchine'i neoklassikalise esteetika keskmes on tantsuline ekspressiivsus, mis on sündinud muusikalise kujundi ekspressiivsusest. Balanchine, nagu Bejart, oli meister massitantsu lavastamises, kuid eelistas naiste tantsu ja ütles: "Ballett on naine." Tema lemmikhelilooja oli Stravinski, kellega ta oli koostööd teinud alates ajast, mil ta oli koos Djagileviga. Ajavahemikul 1925–1972 lavastas Balanchine 27 Stravinski balletti, sealhulgas: Agon, 1957, Tulelind, 1949, Pulcinella, 1972, Ehted (Rubiinid), 1967. Sellise koreograafi ja helilooja viljaka koostöö analoogi võib leida Petipa liidust Tšaikovskiga. Juhtivad tantsijad Balanchine: André Eglevsky (1917–1977), Édouard Villela, Melisia Hayden (s. 1923), Maria Tolchief, Diana Adams, Tanaquil Le Claire (s. 1929), Violet Verdi, Allegra Kent (s. 1938), Karine von Aroldingen (s. 1941), Patricia McBride, Susan Farrell, Merrill Ashley. Balanchine'i õpilane Jerome Robbins (1918-1998) on tuntud kui folkloori elemente ja igapäevast sõnavara sisaldava jazztantsu looja. Lavastatud balletid: Meremehed rannikul L. Bernstein, 1944, Faksimile, 1946, Kamber muusika juurde Baseli kontsert keelpillidele Stravinski, 1951, uus trükk Fauni pärastlõuna (1953), Kontsert Chopini muusikale, 1956, romantiline ballett Tantsimine peol Chopini muusikale, koreograafiline versioon Goldbergi variatsioonid Bach, 1971, Vesiveski T.Ito muusikale. Tema muusikalid on laialt tuntud: naljakas tüdruk, Viiuldaja katusel 1964, West Side'i lugu, 1957. 1950. ja 1960. aastatel töötas Robbins palju Broadwayl. Pärast Balanchine'i surma 1983. aastal juhtis ta koos P. Martinsiga truppi. Balanchine'i järglane, Taani tantsija Peter Martins sai tuntuks duetis S. Farrelliga; kuidas koreograaf ballette lavastas: Öö lavavalgustuses C. Ives, 1978, ekstaatiline apelsin, 1987, Must ja valge, 1986, Kaja, 1989, tuhk, 1991 M. Thorp. 1991. aastal lavastas Martins esimest korda täiesti lõikamata, läänes aktsepteeritud balleti. Uinuv kaunitar.

1939. aastal Lucia Chase'i loodud "Ameerika balleiteater"., filantroop ja baleriin, M. Mordkini õpilane. Chase juhtis teatrit kuni 1980. aastani. Kui New York City Ballet on autoriteater, siis American Ballet Theatre on mitme koreograafi rahvusvaheline looming. Teatrile pani aluse inglise koreograaf Anthony Tudor, kes töötas teatris alates selle asutamisest selle kunstilise juhina (1939–1950 ja alates 1974). Asutaja nn. psühholoogiline ballett (teda kutsuti "inimliku kurbuse koreograafiks"), Tudorit huvitas alateadvuse maailm, inimese sisemaailmale viidates kasutas ta kaasaegset sõnavara ( tulesammas A. Schönbergi muusikale, 1942 koos Nora Kayga, Alusvool R. Schuman , 1945, Romeo ja Julia F. Dilius, 1943 koos Hugh Langiga). 1975. aastal lavastas ta süžeeta romantilise balleti Gelsey Kirklandile (s. 1952), kes tunnistati USA parimaks Giselle'i osatäitjaks. Lehed närbuvad A. Dvoraki muusikale. Tudori juhtivad tantsijad olid Nora Kay (1920–1989) ja Hugh Lang (1911–1988). Teatris töötasid veel K. Macmillan, D. Robbins, kaasaegsed koreograafid Glen Tetley (s. 1926), Birgit Kulberg (s. 1908), Tuyla Tharp (s. 1942). Teatri juhtivad tantsijad on läbi aegade olnud: Alicia Alonso, John Kriza (1919–1975), Igor Juskevitš (1912–1994) ja Alicia Markova; Tony Lander (1931–1985) , Sally Wilson (s. 1932), Bruce Marks (s. 1937), Roy Fernandez (1929-1980), Lupe Serrano (s. 1930) ) , Scott Douglas (1927–1996), Cynthia Gregory, Martina Van Hamel (s. 1945), Fernando Bujones, Natalja Makarova, Rudolf Nurejev, taanlane Eric Brun, Carla Fracci (s. 1936), Ivan Nagy (s. 1943), VA Malakhov.

Aastatel 1980–1989 oli trupi kunstiline juht Mihhail Barõšnikov, tema asetäitja K. Macmillan. Sel perioodil ilmus "Moodsa tantsu Mozart" kuulsuse võitnud koreograafi M. Morrise (s. 1955) kuulus lavastus. Joo minu jaoks ainult silmadega V. Tomsoni muusikale. Macmillan jätkas Romeo ja Julia, viis oma juhtkirja läbi N. Makarova bayadere Minkus (1980). Barõšnikovi kutsel töötas 1989. aastal trupi õpetajana Kirovi teatri baleriin I. Kolpakova (s. 1933).

Kui 19. sajandil Ameerika ballett oli alles lapsekingades, siis 20. sajandi teisel poolel. riik koges 20. sajandil balletibuumi. ja kujunes kõrgelt arenenud koreograafilise kultuuriga riigiks. 1945. aastal oli truppe 25, kuid peagi kasvas see arv 250-ni. Ainuüksi New Yorgis tegutseb mitu truppi (Tuyla Tharpi kaasaegsed teatrid, Robert Joffrey Joffrey Balle (s. 1930), Arthur Mitchelli Aafrika-Ameerika Harlemi tantsuteater, « Balle Feld", autor Eliot Feld, sünd. 1942 ja teised). Suurtes linnades on oma balletitrupid: Chicago Balle, mille asutajaks on Maria Tolchief, San Francisco Balle, Boston Balle, Miami Balle, Littlefield Balle of Philadelphia jne.

Saksamaa.

Erinevalt teiste Euroopa riikide balletist on vene tantsukooli mõju saksa keeles vähem väljendunud. 20. sajandi alguses Saksamaal ja Austrias arenes ekspressionism kõigis kunstiliikides. Kaasaegsete tantsutehnikate baasil arenes välja ekspressionistlik ballett, mida esindasid koreograafid R. Labani (1879–1958), K. Joss. ( 1901-1979), M. Wigman ja tema õpilased H. Holm (1898-1992), G. Palucchi (1902-1992). Nad loobusid kaunitest liigutustest, asendades need katkendlike joonte ja jämeda kujuga. Tuntuim selles stiilis teos oli K. Yossi sõjavastane ballett Roheline laud, 1932. 1920. ja 1930. aastatel olid Bauhausi koolkonna ideed, mis propageerisid konstruktivismi, populaarsed ka Saksamaal. ja vaatas tantsu kui täpselt arvutatud konstruktsiooni ja akrobaatilist harjutust, millel puuduvad emotsionaalsed varjundid. See suund leidis väljenduse V. Skoroneli loomingus.

20. sajandi teisel poolel huvi modernsuse vastu kasvas Saksamaal postmodernseteks eksperimentideks. Saksa kaasaegse balleti eripäraks on Ameerika, Hollandi ja Tšehhi koreograafide koreograafiliste ideede kasutamine. 1961. aastal asus Stuttgardi balletti juhtima J. Cranko. Tema ballettide stiil meenutas 1930. ja 1940. aastate nõukogude koreodraama, need on mitmevaatuselised jutustavad teosed: Romeo ja Julia (1962) Prokofjevi muusika järgi, Onegin(1965) Tšaikovski muusikale, arranžeerinud K.Kh.Stolze, Kärbja taltsutamine(1969) A. Scarlatti muusikale samas arranžeeringus väljapaistva dueti Marcia Heide (s. 1939) - Richard Craghan (s. 1944) osalusel. Cranko lõi eksperimentaalse loometöökoja, millest kasvasid välja William Forsyth (s. 1949), John Neumeier (s. 1942), Jiri Kilian. Pärast Cranko surma asus truppi juhtima kaasaegne koreograaf Glen Tetley (s. 1926), Holmi õpilane, kes on tuntud Crankole pühendatud balleti lavastajana. Vabatahtlik(1973) F. Poulenc ja oma juhtkiri Püha kevad Stravinski. Ameerika koreograaf Neumeier töötas 1960. ja 1970. aastatel Stuttgarti balletis ning juhatas Hamburgi ja Frankfurdi teatrit. Ta on pühendunud religioossetele ja filosoofilistele teemadele, mida ta rakendab paljudes tundides ballettides (neljatunnine ballett Matteuse kirg, 1981). Muud lavastused hõlmavad järgmist: Eraldi reisimine Barbera (1968) Rondo (1970), Romeo ja Julia (1971), Pähklipureja (1972), tolm A. Skrjabin (1972), uinuv kaunitar, Eleegia Tšaikovski (1978), Ariel Mozart, Neljas sümfoonia Mahler (1977). Forsyth on postmodernse balleti ideoloog, Frankfurdi balleti lavastaja, teda kutsutakse sageli 21. sajandi Balanchine'iks. Tema koreograafia põhineb assotsiatsioonidel, tantsus on sageli tekste, filme ja fotoprojektsioone. Sellised on balletid armastuslaulud(1979) rahvamuusika ja Keskel, mingil kõrgusel L. Stuki ja T. Willemsi muusikale, mille ta lavastas Nurejevi kutsel Pariisi ooperis 1988. aastal. Forsyth oli üks esimesi, kes kasutas Willemsi elektroonilist muusikat. Kaasaegset koreograafiat ei saa ette kujutada ilma Pina Bauschi (s. 1940) loominguta koos tema Tantsuteatriga (Wuppertal, aastast 1971), K. Jossi, P. Taylori, E. Tudori õpilane, kes arendab samaaegselt ekspressionistlikku traditsiooni. Saksa ballett ja Ameerika psühholoogiline koolkond ( Killud, 1967; Aariad, 1979; Palermo, Palermo, 1989; aknapesur, 1997; Niitude maal, 2000; Eilsete, tänaste ja homsete laste jaoks, 2002). Aastatel 1966–1969 juhtis Berliini ooperiballetti C. Macmillan, praegu (alates 2002. aastast) on selle kunstiline juht ja juhtiv solist V. A. Malakhov, kes arendab balleti klassikalist suunda.

Holland.

Enne Teist maailmasõda oli saksa vabatantsu mõju kõige tugevam ja 20. sajandi teisel poolel. Postmodernse tantsu sünnimaa sai Hollandist. Pärast sõda loodi Amsterdamis Hollandi Rahvusballeti trupp, alates 1967. aastast Rudy van Dantzigi (s. 1933) juhtimisel. Tema silmapaistvates ballettides Monument surnud noortele(1965) ja Aja niidid(1970) Y. Bermani muusikale tantsis Nurejev, kes meenutas, et neis lavastustes esitas ta tantsu esimest korda lavapõrandal lamades. Van Dantzig, nagu ka Forsythe, kasutab elektroonilise muusika karmi kõla ja Tour van Scheiki futuristlikku maastikku. Teistest töödest: öösaar J.C. Debussy (1965), Pere ring B. Bartok (1958). 1959. aastal asutati Haagis Hollandi Tantsuteatri trupp Hans van Maneni (s. 1932) juhtimisel. Teater on pühendunud eranditult kaasaegsele koreograafiale. Alates 1973. aastast on Manin Hollandi Rahvusballeti koreograaf. Lavastused: Sümfoonia 3 osas Messiaen (1965) Metafoorid Lesiura (1965), Viis tükki Hindemithi muusika järgi (1966), Mutatsioonid K. Stockhausen (1970) , Püha kevad(1974). 1978. aastal sai Hollandi tantsuteatri juhiks Jiri Kilian, kes arendab sarnaselt Tudoriga psühholoogilise balleti stiili. Kilian kasutab põrandal lamades sooritatavaid liigutusi, saavutab skulpturaalseid poose, komponeerib kõrgeid tõsteid ja keerutusi ( Tagasipöördumine välisriiki, 1974–1975, sümfoonia L. Janachek, 1987; Sageli külastatav koht K. Chavez; Aeg magada Takemitsu. Teised riigi trupid: Hollandi "teater 3", Hollandi ballett "Scapino" N. Kriste juhatusel (Rotterdam).

Rootsi.

Rootsis on välja töötatud ka klassikalisele alternatiivsed balletivormid, kusjuures tantsumõtte esirinnas on rootsi koreograafid. Esimene Rootsi balletikompanii tegutses Pariisis aastatel 1920–1925 julge eksperimentaatori Jean Berlini (1893–1930) juhtimisel. Aastatel 1949-1950 ja 1963-1964 juhatas ta ka Rootsi Kuninglikku Balletti; aastatel 1951-1952 ja 1960-1963 oli sellel ametikohal E. Tudor ( kajatrompetid muusika juurde B. Martin, 1963). Aastatel 1946–1947 juhtis truppi Birgit Kuhlberg (sünd. 1908, K. Jossi ja M. Grahami õpilane). 1967. aastal lõi ta trupi Kuhlberg balle, kus lavastas kuulsa balleti Freken Julia edasi muusika T.Rangström, samuti balletid Medeia Bartok (1950), Romeo ja Julia Prokofjev (1969). Tema stiil on kombinatsioon klassikalisest tantsust ja modernsest, groteskist ja pantomiimist. Kuhlbergi poeg Mats Ek (s. 1945) võttis ettevõtte üle 1990. aastal ebatraditsiooniliste postmodernsete ballettide lavastustega. Giselle ja Luikede järv. Ek on postmodernse esteetika (allusiooniteooria, kodeerimine, polüstilistika) üks loojaid. Tema stiil on irooniline mäng klassikaliste süžeede, tsitaatide, tantsukaanonitega, mis loob klišee puhastamise ja klassikale värske pilgu.

Taani.

Taani Kuninglik Ballet on üks Euroopa vanimaid. Taani koreograafide põhiülesanne oli Bournonville'i koolkonna säilitamine ja tänu Hans Beckile (1861–1952) ( Coppelia, 1896) sai see valmis, kuid teisalt edasine arendus katkes. Aastatel 1932–1951, lavastaja Harald Landeri (1905–1971) ajal, töötas teatris Lääne suurim Vaganova süsteemi tundja Vera Volkova (1904–1975). Sel perioodil väljus Taani kool isolatsioonist, vabastas kuulsad tantsijad P. Martins ja E. Brun. Eric Brun (1928-1986) eristus vaoshoitud, rafineeritud ja samas meheliku tantsumaneeriga. Ta on tantsinud peaosi klassikalistes ballettides Ameerika Ühendriikide, Kanada ja Euroopa teatrites. Aastatel 1967–1971 juhatas ta Rootsi Kuninglikku Balletti ja 1980. aastatel Kanada Rahvusballetti. Lavastatud klassikalised romantilised balletid Väike kontsert G. G. Gulda (1953), oma väljaanded Giselle(1959), süülfid(1964), coppélia (1975).

Kanada.

Juhtiva seltskonna, Kanada Rahvusballeti asutas 1951. aastal Torontos Inglise kompaniide Balle Rambert ja Sadler's Wells Balle baleriin Celia Franca (s. 1921). Ta lõi inglise keele põhimõtetel põhineva klassikalise tantsu kooli. Ta juhtis truppi kuni 1974. aastani, mil Brun ja Barõšnikov teatris tantsisid. 1996. aastal sai teatri juhiks üks huvitavamaid koreograafe James Kudelka (s. 1955). Teatris on traditsiooniks kutsuda vene tantsijaid. Alates 1994. aastast töötab V. Malakhov Rahvusballetis, A. Ratmansky tantsis 1938. aastal asutatud Kuningliku Winnipegi Balleti trupis. 1957. aastal loodi Montrealis Suur Kanada Ballett.

Teised riigid.

Rikkaliku koreograafilise minevikuga maade (Austria, Itaalia) ballett on hetkel balletiideede perifeerias. Viini ja Milano muusikateatrid eelistavad ooperit. Kuigi Itaalias on sajanditevanune virtuoosse tantsu koolkond, realiseerivad andekad baleriinid end reeglina välismaal (Carla Fracci, snd 1936), Alessandra Ferrucci, sünd. 1963) ja Itaalia ballett on ellujäämise äärel.

20. sajandi teisel poolel ballett tungis maadesse, kus rahvatantsu traditsioonid on tugevad. Hispaanias ilmus Hollandi Tantsuteatri endise kunstniku Nacho Duato (s. 1957) juhtimisel Ballet Lirico Nacional, Ladina-Ameerikas. « National Ballet of Cuba" (1948), mille on loonud baleriin "American Balle" Alicia Alonso, "Argentiina ballett", mille asutas sama teatri tantsija Julio Bocca (s. 1967). Jaapanis tekkisid balletitrupid, kus populaarsed on nii klassikaline ballett kui ka kaasaegne tants: Tokyo Ballet (1964), Saburo Teshidawa rühm KARAS (1985) on avatud kõikidele suundadele, klassikast etenduseni.

Vene ballett.

Ballett sai Venemaal, nagu ka Euroopas, tsaar Aleksei Mihhailovitši ajal õukonnakunstiks. Peetakse esimeseks vene balletiks Ballett Orpheusest ja Eurydiceest(1673, muusika G. Schutz, koreograaf N. Lim, Komöödia Horomina Moskvas Preobraženski külas). 1738. aastal avati Peterburi balletikool (praegu A.Ya. Vaganova nimeline koreograafiaakadeemia). J. B. Lande ja A. Rinaldi kooli koreograafid lavastasid Ermitaaži teatris Anna Ioannovna õues ooperis balleti divertismenti. Armastuse ja vihkamise jõud(1736). Edaspidi töötasid mõlemad õukonnakoreograafidena. Alates 1760. aastatest on vene ballett arenenud Euroopa klassitsismiteatri peavoolus. Austerlased ja itaallased tegutsesid koreograafide, heliloojate ja lavakujundajatena.

Aastatel 1759-1764 töötasid Venemaal kuulsad koreograafid F. Hilferding (1710-1768) ja G. Angiolini (1731-1803), kes lavastasid mütoloogilistel teemadel ballette ( Semira pärast A. P. Sumarokovi tragöödiat, 1772). 1773. aastal avati balletikool ja Moskvas Moskva õppemajas balletiosakond, mis oli tulevase Moskva koreograafiaakadeemia aluseks. Avalikuna loodud Moskva trupp nautis suuremat iseseisvust kui ametlik Peterburi trupp. Peterburi trupi kunst oli õukondlikum, rangem ja akadeemilisem, Moskva ballett aga demokraatlikum ja poeetilisem, pühendunud komöödiale ja žanriballettidele ( Jõulurõõm, G. Angiolini, 1767). Erinevused püsisid ka hiljem: Leningradi balletti eristab endiselt klassikaline rangus, akadeemilisus, tantsu konsoolilisus, Moskva balletti aga bravuursus, jõuline hüpe ja atleetlikkus. Dramaturg Sumarokov taotles õigust luua Moskvas oma riigiteater, kuid Katariina II andis samal aastal teatri korraldamise monopoli vürst P. V. Urusovile ja tema kaaslasele, inglasele M. G. Maddoxile. 1776. aastal Maddoxi ja Urusovi (Petrovski teater) korraldatud ettevõtmisest juhib sugupuud Moskva Suur Teater. Maddoxi trupp loodi varem eksisteerinud Moskva ülikooli teatri N. S. Titovi (1766–1769) trupi baasil. Petrovski teatri avapäeval 30. detsembril 1780 lavastas Hilferdingi trupiga Venemaale saabunud Austria koreograaf L. Paradis pantomiimballeti. võlupood. 1780. aastatel saabusid Itaaliast Venemaale koreograafid F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni. lavastatud Petrovski teatris, aga ka N. P. Šeremetjevi ja N. B. Jusupovi pärisorjatruppides luksuslikke divertismente, mis esitati ooperi või draama lisana. Populaarsed olid rahvusteemalised balletid: maamees lihtsus, rustikaalne maalimine,Mustlaste ballett,Ochakovi tabamine(kõik - 1/3 19. sajandist). Viinis koos Noverrega koos töötanud kuulsaima koreograafi Solomonini lavastuste hulgas on viimase ballett. Medea ja Jason, 1800, Petrovski teater, Ameerika ballett või võidetud kannibalid, 1790, Kuskovo, seejärel Petrovski teater. Alates 1800. aastast töötas Solomonini Petrovski teatri peakoreograafina. Aastal 1800 seadis ta Asjatu ettevaatusabinõu pealkirja all J. Daubervali koreograafias Petetud vana naine.

Peterburis avati 1783. aastal esimene avalik Bolshoi teater (Stone), hilisem keiserlik Mariinski teater. 1803. aastal eraldus selle balletitrupp ooperist, hõivates teiste teatrižanrite seas privilegeeritud positsiooni. Ballett sai riigitoetusi ja allus keiserlike teatrite direktoraadile.

18-19 sajandi vahetusel. kätte on jõudnud aeg vene balleti rajamiseks. Ilmusid kodumaised heliloojad A. N. Titov, S. I. Davõdov, K. A. Kavos, F. E. Scholz, aga ka esimene vene koreograaf I. I. Valberkh (1766–1819). Ta ühendas vene rahvatantsu traditsioonid dramaatilise pantomiimi ja itaalia balleti virtuoosse tehnikaga. Sentimentalismi järgides lavastas Walberg esimese rahvusteemalise balleti – melodraama. Uus Werther Titov, 1799. 1812. aasta sõja ajal levisid populaarsed isamaalised divertismentid ja Valberg lavastas Peterburis balleti. Armastus isamaa vastu Kavos, mis põhines vene rahvatantsul. 1812. aastal koges divertismentžanr tõusu, tänu millele osalesid tantsijad A.I.Kolosova (1780–1869), T.I.Gluškovskaja (1800–1857), A.I.

Vene balleti olulisim sündmus oli silmapaistva preromantilise koreograafi Sh. L. Didlo (töötas Peterburis 1800-1809, 1816-1829) saabumine Venemaale. Ta lavastas anakreontilisi ballette Sefiir ja taimestik (1808), Cupido ja psüühika (1809), Acis ja Galatea(1816), samuti ballette ajaloolistel, koomilistel ja igapäevastel teemadel: noor rästas (1817),Indiast tagasitulek ehk puujalg(1821). Didlost sai anakreontilise balleti žanri rajaja, mis sai nime muistse poeedi Anacreoni, armastuslaulude žanri looja järgi. Didlo ballettides said tuntuks M. I. Danilova (1793–1810), E. A. Telešova (1804–1857), A. S. Novitskaja (1790–1822). Tema juhtimisel hakkas kujunema vene balletikool, ta lavastas üle 40 balleti, liikudes järk-järgult mütoloogilistelt teemadelt kaasaegsetele kirjandusainetele. 1823. aastal seadis ta Kaukaasia vang A.S.Puškini luuletuse põhjal, tegi koostööd helilooja Kavosega. Tema esitustes säras A. I. Istomina (1799-1848), kelle tantsu laulis Puškin, kirjeldades seda kui "hinge täis lendu". Istomina kunst nägi ette vene romantilise balleti algust ja kehastas vene koolkonna originaalsust, keskendudes emotsionaalsele väljendusrikkusele.

Pärast prantslaste väljasaatmist 1812. aastal asus vene balletikooli juhtima Walbergi ja Didelot’ järgija A. P. Gluškovski (1793–1870). Tema tegevus moodustas epohhi Vene balleti ajaloos. 1812. aasta sõja ajal lavastas ta 18 balletti ja suure hulga divertismente (melodraamad, anakreontilised balletid, Scholzi balletid Ruslan ja Ludmila Puškini luuletuse põhjal, 1812 ja Kolm vööd ehk vene Sandrillon, 1826 V. A. Žukovski ballaadi põhjal). Ta ühendas edukalt pantomiimi ja tantsu võimalused, temast sai esimene vene balleti teoreetik ja ajaloolane, kasvatas üles üliõpilaste galaktika: D. S. Lopuhhina (1806–1855), I. K. Lobanov (1797–1840) jt. koreograafi tegevus ja õpetaja F. Gyullen-Sor (Richard) (1805–1860), prantsuse baleriin, kes saabus 1823. aastal Moskvasse ( Sefiir ja taimestik, 1815,Sandrillon F. Sora, 1825, Muusade tähistamine, 1825). Tal oli suur mõju E. A. Sankovskaja (1816–1878), T. S. Karpakova (1812–1842) isiksuste kujunemisele.

19. sajandi esimene kolmandik - rahvusliku balletikooli moodustamise aeg. Moskva Suures Teatris domineerisid hästivarustatud laval A. Blanci ja A. Tityuse suurejoonelised ekstravagantsed. Balletistseenide esitamine Glinka ooperites valmistas vene balletti ette kujundite sümfooniliseks arendamiseks. Suure tähtsusega olid M. Taglioni 1834–1842 ja F. Elsleri ringreisid 1848–1851. 1830.–1840. aastad on vene balletis romantismi aeg. Peterburis sai parimaks romantiliseks tantsijaks E. A. Andrejanova (1819–1857), Moskvas E. Sankovskaja, keda peetakse Venemaa suurte baleriinide seas esimeseks. Ta võttis draamatunde M. S. Shchepkinilt, tema parimad rollid: Sylphide, Esmeralda, Ondine (Doonau neitsi), Elena Wardek (Katharina, röövli tütar). Kaasaegsed nimetasid teda Moskva balleti hingeks. Peterburi balletti juhtis aastatel 1848–1859 romantismi liider J. Perrot. Romantism kestis Venemaal kauem kui läänes; Vene ballett nautis aastaid õukonna patrooni ja jäi õukonnakunstiks. Kui realism tuli 1860. aastatel teiste kunstiliikide juurde, säilitas vene ballett oma juba konservatiivse romantilise orientatsiooni. Petipa alustas romantismi stiilis (varjude tegu sisse La Bayadère A. Minkus, 1877, balletid Kuningas Candaulus C. Puni, 1868, Don Quijote Minkus, 1869, Vaarao tütar Ts.Puni, maagiline peegel A. Koreshchenko), milles ta jätkas tantsu sümfoniseerimise protsessi. Selle perioodi suurim koreograaf oli A. Saint-Leon (1821–1870). Aastatel 1859-1869 teenis ta Peterburis ( Coppelia L. Delibes, Väike küürakas hobune C. Puni). Need olid divertiseerimise ja lavastusefektide domineerimise aastad, kuid samal ajal töötas C. Blazis Peterburis, täiendades vene balleti tehnikat ja sõnavara. Tema käe all jagunes tants lõpuks klassikaliseks ja iseloomulikuks. Neil aastatel tantsinud baleriinidest paistab silma M.N.Muravjova (1838–1879), tantsija V.F.Geltser (1840–1908).

1882. aastal kaotati keiserlike teatrite monopol, mille tulemusena jõudsid vene balletti virtuoossed itaalia baleriinid - Virginia Zucchi (1847-1930), Pierina Legnani (1863-1923), Carlotta Brianza (1867-1930), Antonietta. Del Era. Nad mängisid suurt rolli akadeemilise balleti loomisel ja mängisid peaosi Petipa lavastatud ballettides. 1847. aastal Prantsusmaalt saabunud ja 1862. aastal Mariinski teatri peakoreograafiks saades lõi Petipa klassikalise tantsu ansambleid, kinnitas nende kanoonilised vormid (adagio, pas de deux, tantsusüidid, grand pas, final coda), arendas aastal sümmeetriaprintsiipi. balleti korpuse ehitamine, massi- ja soolotantsu kontrasti võrdlus. Petipa jätkas tantsu sümfoniseerimise protsessi ja asus tegema koostööd sümfooniliste heliloojate Tšaikovski ja Glazunoviga (varem töötasid koreograafid täiskohaga välismaalt kutsutud õukonnaheliloojatega - tšehh L. Minkus ja itaallane Ts. Puni , kes ikka mõtlesid divertismentballeti mõistes). Viljaka koostöö tulemusena sündisid koreograafilise kunsti meistriteosed, mis on siiani iga balletiteatri repertuaari aluseks: uinuv kaunitar (1890),Pähklipureja(1892),Luikede järv(1895) Tšaikovski, Raymond(1898), Aastaajad ja Perenaine neiu Glazunov, 1900. Kõik need on balletisümfoonilisuse tipud. Esimene lavastus luikede järv Tšehhi koreograaf V. Reisinger 1877. aastal ebaõnnestus. Nende mitmevaatuseliste ballettide ettevalmistamise käigus kujunes välja teatud tüüpi suur (akadeemiline) ballett. Mariinski lava teine ​​koreograaf L. Ivanov läks veelgi kaugemale, juba akadeemilisuse piiridest välja, luues poeetilisi stseene luikedest (teine ​​ja neljas vaatus luikede järv, 1895) ja Lumehelbetants aastal Pähklipureja, 1892). Olles välja töötanud balletitantsu korpuse, muutis Ivanov muinasjutuballeti filosoofiliseks tähendamissõnaks. Tema koreograafia jätkas 19. sajandi alguse "valge" romantilise balleti traditsioone. ja kujutas ette 20. sajandi balleti stiili, selle impressionistlikku ja metafoorset kujundlikkust. Petipa ja Ivanovi käe all mängisid E.O.Vazemi (1848–1937) esinejatalent vennad N.G. ja S. G. Legat (1869–1937), (1875–1905), M. Kšesinskaja, O.I. Hispaania koreograaf J.Mendez (1843–1905), kes tõstis trupi taset ja kasvatas L.A.Roslavleva (1874–1904), itaallase A.A.Dzhuri (1872–1963), E.V.Geltseri ja tema alalise partneri VD isikupära. Tihhomirov (1876–1956).

20. sajandi alguseks asutati vene tantsukoolkond, mis neelas prantsuse Didlo, Itaalia Blazise, ​​Cecchetti ja Taani H. Iogansoni koolkonna elemente. Selle tulemusel tõusis vene balletikool maailma parimaks ning selle tõestuseks oli Vene aastaaegade ja Djagilevi vene balletitrupi edu.

19.-20. sajandi vahetusel. vene kunstis valitses modernsuse ajastu, tekkis lavastajateater. Pantomiimistseenide ja klassikalise tantsu kanooniliste vormidega suurejooneline mitmevaatuseline etendus on aegunud. Hõbedaaja esteetilisele kontseptsioonile vastamiseks vajas ballett reforme, mille alguse pani aastatel 1902–1924 teatris töötanud Suure Teatri koreograaf A. A. Gorski. Vastupidiselt iganenud akadeemilisusele esitas ta koreograafilise draama, milles lavalist tegevust väljendas tants ( Gudula tütar A.Yu.Simon, 1902, Salambo A.F. Arendsa, 1910). Koreodraama vaimus tegi Gorsky korduvalt üle Luikede järv, Giselle. Gorski käe all V.A.Karalli (samal ajal - tummkino tähed, 1886-1972), S.V.Fjodorova (1879-1963), A.M.Balašova (1887-1979), O.V.Fjodorova (1882) –1942, MM. Mordkin (1880–1944).

M. M. Fokini katsed olid veelgi olulisemad. Ta võitles vananenud akadeemilisuse vastu, lisades klassikalises tantsus vaba ja folkloori sõnavara elemente. Ta komponeeris uut tüüpi etenduse - ühevaatuselise balleti, milles on läbi tegevuse, muusika, koreograafia ja stsenograafia stiililine ühtsus ning keskendus hetke fikseerimisele koreograafiliste meetoditega. Monumentaalne etendus asendus ühevaatuselise miniballetiga. Fokine lõi ballette Mariinski lavale Evnika, Egiptuse ööd stseen Polovtsi tantsud ooperis A. Borodin Prints Igor, ballett Armida paviljon N. N. Tšerepnina (1907); Chopininana (süülfid) F. Chopin (1908), hiljem "Vene aastaaegade" jaoks - Karneval(1910) ja liblikad, (1912) R. Schumanni muusikale, M. N. Rimski-Korsakovi sümfooniline poeem Scheherazade(1910), Nägemus roosist K. M. Weber (1911), Daphnis ja Chloe M. Ravel (1912). Fokin pidas stsenograafiat väga tähtsaks. Nende täieõiguslikeks kaasautoriteks said ühingu "Kunstimaailm" kunstnikud (L.S. Bakst, A.N. Benois, N.K. Roerich, K.A. Korovin, A.Ya. Golovin), kes kujundasid Fokine'i lavastusi. Tema ballettide õnnestumisele aitas kaasa tantsijate töö: A. Pavlova, T. Karsavina, Nijinski, Mordkin, A. R. Bolm (1884–1951). Kontserdinumbrist sai impressionismi koreograafia sümbol Luik C. Saint-Saens (1907), helilooja Fokine Pavlovale. Vaatamata tohutule edule osutus balletiimpressionism ajalooliselt piiratud stiiliks: püüdes liikumises edasi anda peenemaid meeleoluvarjundeid, kaotas see sisu. Fokine'i koostöö Pavlova ja Karsavinaga osutus üürikeseks. 1909. aastal lõi Pavlova oma trupi, Karsavina, “Queen Colombine”, naasis klassikalise balleti juurde.

Djagilevi balletihooajad.

Alates 1909. aastast on andekas ärimees S. P. Djaghilev korraldanud Pariisis iga-aastast Vene balleti turneed, mida nimetatakse Vene aastaaegadeks. Vene aastaaegadeks kolis Fokine oma lavastused Mariinski teatris Pariisi ( Chopininana nimetatakse Pariisi versioonis Sülfid,Egiptuse ööd – Kleopatra) ja lavastas Stravinski ballette Tulelind(1910) ja Petersell(1911), mis saatsid suure edu. Pärast Fokine'i lahkumist Djagilevist lavastas Nijinsky veel kaks Stravinski balletti, ( Fauni pärastlõuna, 1912; Püha kevad). Koreograafina pöördus Nijinsky esmalt ekspressionistlike vormide poole ( Püha kevad) ja krundita ( Mängud C. Debussy; 1913) ballett. Omades fenomenaalset hüpet, andis ta eelisjärjekorras meestantsu ( Nägemus roosist K.Weber). Aastatel 1911–1929 asutas Djagilev oma trupi Djagilevi Vene balleti, mis tuuritas Euroopas ja Ameerika Ühendriikides. Djagilevi koreograafid olid L. Myasin (lavastas kubistliku balleti Paraad(1917) P. Picasso dekoratsioonide ja E. Satie muusikaga J. Cocteau libretol, kukitud müts(1919) M. de Falla, süžeeta ballett Oh jah N. Nabokovi muusikale (1928), Naised heas tujus D. Scarlatti, Vene jutud A. Ljadov); Bronislava Nijinska (lavastab Stravinski ballette Lugu rebasest (1922); pulmad(1923); Pulcinella(1920); elavhõbe E . Satie (1924) Lani F . Poulenc (1924), terasest nõel S. Prokofjev, (1927). 1924. aastal liitus trupiga Balanchine, kes pöördus taas Stravinski muusika poole, komponeerides ballette. Ilutulestik, Ööbiku laul ja Apollo Musagete, 1928, sama hästi kui Pall V . Rieti, 1925, Kass A. Sauge, 1927, Prokofjevi ekspressionistlik ballett Kadunud poeg, 1929. Stravinski muusika ballettidele saatis suure edu. püha kevad, maalides pilte paganlikust Venemaast selle julgete harmooniate ja rütmidega. Nijinsky arvas ära muusikalise teema Vedrud, tõlkides selle en dedans (säärte “suletud” asend: sokid ja põlved on kokku viidud). dodekafoonia Stravinski avas maailmamuusikas uue etapi. 1916. aastal jätkas ta Petruška teemaga Jalgratas rebasest, kukest, kassist ja lambast. 1920. aastate algusest naasis Stravinski neoklassitsismi juurde ( Pulcinella, 1919 G. Pergolesi muusikale), aastast 1950 valitses tema muusikas taas dodekafoonia ( Agon, 1957). Diaghilev laiendas balletimuusikana esitatavate muusikateoste valikut, sealhulgas Stravinski, Prokofjevi, prantsuse avangardi muusika (nn "Kuue" heliloojad: Satie, Fauré, Sauge, Auric, Orff, Poulenc).

Vaatamata paljude silmapaistvate kunstnike emigreerumisele, revolutsiooni ja kodusõja raskustele säilitasid Moskva ja Peterburi balletitrupid oma repertuaari ja jätkasid tööd (EV Geltser, VV Kriger (1893–1978), EP Gerdt (1891). –1975 ), EM Lukom (1891-1968). Toimisid ka balletikoolid. 1920. aastatel hakkas kujunema kuulus klassikalise tantsu õpetamise süsteem Vaganova (1879-1951), mis töötas ümber mitmesuguseid vene koolkonda mõjutanud tehnikaid. , raamatus Põhitõed klassikaline tants austatud balletipiiblina. Vaganova meetod, mis põhineb keha loomulike reaktsioonide uurimisel, nõuab liigutuste harmooniat ja koordinatsiooni, tema õpilased paistsid silma liigutuste amplituudi, hüppeliselt hüppelise hüppe ja tugeva seljaga, mis võimaldas neil keha kontrollida. isegi lennu ajal, pikaajaline tõus, väljendusrikkad painduvad käed. Kuigi Vaganova ise õppis Taani koreograafiakooli esindaja Iogansoni juures, ei võtnud ta Bournonville'i koolkonda oma süsteemi. Sellegipoolest peetakse meestantsijate treenimisel parimaks nõukogude kooli koos Taani kooliga, mida iseloomustavad võimas hüppeline hüpe, dünaamilised pöörlemised, sportlikkus ja ülemiste tõstete sooritamise oskus. 1920. aastal said Mariinski ja Bolshoi Teater akadeemiliste teatrite staatuse ning nimetati ümber GATOBiks ja Suureks Teatriks.

1920. aastad on vene avangardi, eksperimentide ja otsingute aeg kõigis kunstivaldkondades. Uus põlvkond koreograafe on end kuulutanud. Gorsky jätkas tööd Bolshoi Teatris ( Luikede järv, 1920;Stenka Razin, 1918;Giselle, 1922;Igavesti elavad lilled B. Asafjev, 1922). Moskva kammerballeti loonud K. Ya Goleizovski alustas oma katseid ( Faun C. Debussy, 1922). 1925. aastal lavastas ta Suures Teatris balleti Ilus Joosep S. N. Vasilenko B. R. Erdmani avangardkostüümides.

Petrogradis juhtis Mariinski teatri truppi F.V. Lopukhov. Ta lavastas tantsusümfoonia Universumi suurus allegoorilise revolutsioonilise balleti Beethoveni (1922) muusikale punane keeris V.M. Deševy (1924), Stravinski balletid Pulcinella (1926), Lugu rebasest, kukest, kassist ja lambast (1927), Pähklipureja Tšaikovski V. V. Dmitrijevi konstruktivistlikus maastikus (1929). Lopuhhov oli silmapaistev katsetaja ja tutvustas julgelt uut sõnavara: akrobaatika ja spordi elemente, rahvapäraseid rituaale ja mänge. Ta tutvustas meeste tantsus baleriini ülemist tuge ühel käel. Sellest elemendist on saanud balletis üks nõukogude stiili tunnuseid.

Demokraatlikus Moskvas on moodsa Duncani tantsu mõjul avatud arvukad L.I. Lukini, V.V. Maya, I.S. Tšernetskaja, N.S. Gremina ja N.N. Rakhmanovi, L.N. vaba plastilise ja rütmilis-plastilise tantsu stuudiod. V « N. Foreggeri Mastfore" katsetas "masinatantsudega", Petrogradis töötasid stuudiod "Geptakhor", G. M. Balanchivadze (Balanchine) "Noor ballett". Riikliku Kunstiteaduste Akadeemia (GAKhN) juurde loodi koreoloogiline labor, mis tegeles vabatantsu teoreetiliste probleemidega.

Meestantsus said tuntuks A.N. Ermolaev, V.M. Chabukiani, A.F. Messerer . Naiste tantsus olid liidrid M. T. Semenova, O. V. Lepešinskaja, T. M. Vetšeslova (1910–1991), N. M. Dudinskaja, G. S. Ulanova, K. M. Sergejev, M. M. Gabovitš (1905–1965).

Alates 1932. aastast on sotsialistliku realismi stiil muutunud ainsaks võimalikuks kõigis kunstiliikides. Balletti naasis mitmevaatuseline süžeelavastus ( Punane moon R.M. Glier, režissöör V.D. Tihhomirov ja L.A.Laštšilin, 1927). Suurest teatrist sai riigi esimene balletiteater, nõukogude balletistiili (kangelaslik, konsool, emotsionaalne tants) kehastus. Leningradi ooperi- ja balletiteater (alates 1935. aastast S. M. Kirovi nimeline) säilitas klassikalise balleti akadeemilised traditsioonid. Realismi nõudlus balletis, kalduvus kirjanduslikule tsentrismile viisid 1930. aastatel koreodraama või draamaballeti taaselustamiseni, kus tantsus domineeris psühhologiseeritud või tantsitud pantomiim. 1930.–1940. aastate nõukogude koreodraama on süžeelavastus, kus ülekaalus on karaktertants, mida eristab lavaline hiilgus. Kõik, mis läheb kaugemale realismi, kuulutatakse formalismiks ( Valgusvoog Lopuhhov-Šostakovitš, 1935). Koreograafid V. I. Vainonen, R. V. Zahharov, L. M. Lavrovski töötasid draamaballeti žanris. Tuntuimad balletid Bahtšisarai purskkaev, 1934; Kadunud illusioonid, 1935; Pronksist ratsanik, 1949, režissöör Zahharov (stiili apoteoos oli üleujutusstseen, kui Bolšoi lava muutus järveks); Kaukaasia vang, 1938; Romeo ja Julia, 1940; Tuhkatriinu, 1949 S. Prokofjev, lavastaja Lavrovski; Pariisi leegid, 1932 Vainonen; Laurencia, 1939 Chabukiani. Dramballeti koreograafid hülgasid suured klassikalised ansamblid. Koreodraama alal töötasid heliloojad-sümfonistid: B. Asafjev, R. Glier, A. Crane, A. Hatšaturjan. Seoses pantomiimi rolli suurenemisega kujunes 1930. aastatel välja uus esituskoolkond, mida iseloomustab näitlejaanne, psühholoogiline sügavus, mis saavutas Ulanova loomingus haripunkti.

1930.–1940. aastatel tekkisid uued balletiteatrid: K.S. Stanislavski nimeline Muusikateatri trupp ja V.I. Maly ooperiteater (MALEGOT) Leningradis. Uued koreograafid ilmusid N. S. Kholfin (1903–1979), V. P. Burmeister (1904–1971), Moskva, B. A. Fenster (1916–1960), Leningrad. Silmapaistev koreograaf oli Burmeister, kes töötas aastatel 1941-1960, 1963-1970 Moskva Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko muusikateatris. Tatjana A . Kreina, 1947; Õnne rand A. Spadavecchia, 1948; originaalväljaanne luikede järv, 1953; Esmeralda Puni, 1950; straussilik, 1941; Lumetüdruk Tšaikovski, 1963). Fensteri elemendiks oli koomiline ballett ja lasteballett ( Kujutletav peigmees ja noorus M.I. Chulaki; 1949. aastal Dr Aibolit, I. Morozova, 1948, MALEGOTH). Ilmus uus tantsijate galaktika V.T.Bovt (1927–1995), M.M. –1998) jt.

Alates 1920. aastatest tegutsevad muusikateatrid ka Sverdlovskis, Permis, Saratovis, Gorkis, Kuibõševis, aga ka liiduvabariikide pealinnades. Alates 1950. aastate keskpaigast on Permi ja Sverdlovski teatrites tekkinud balletikoolid.

1950. aastate alguseks tekkis vajadus balletireformide järele. 1956. aastal toimus Londoni Bolshoi Ballet Company esimene välisturnee, mis oli üliedukas, kuid paljastas samas, et nõukogude koreograafia jääb lääne koreograafiast maha.

Leningradi koreograafid olid esimesed, kes asusid reformide teele: Yu.N. Grigorovich ( Kivi Lill S. S. Prokofjev, 1957; Legend armastusest A. Melikov, 1961 GATOBis neid. Kirov), I.D.Belsky (s.1925) lavastas ballette Lootuse kallas A. P. Petrova, 1959; Leningradi sümfoonia D. D. Šostakovitš, 1961; Väike küürakas hobune R. K. Shchedrin, 1963), L. V. Yakobson lõi 1969. aastal ansambli "Koreograafilised miniatuurid". Nad tõid balletile tagasi tantsulisuse, rikastasid tantsusõnavara akrobaatiliste elementidega, taaselustasid massitantsu, varem unustatud ühevaatuselise, sümfoonilise balleti žanrid ning laiendasid ballettide temaatika.

F. Lopuhhov ja K. Goleizovski pöördusid tagasi loovuse juurde. O.M. Vinogradov (s. 1937) töötas uue esteetikaga ( Tuhkatriinu, Romeo ja Julia, 1964–1965; Assel V.A.Vlasova, 1967, Novosibirski ooperi- ja balletiteater; Gorjanka muusika M.M.Kazhlaev, 1968; Jaroslavna B. I. Tištšenko muusika, 1974, MALEGOT, N. D. Kasatkina (s. 1934) ja V. Yu klassikaline ballett" ( Gayane Hatšaturjan, 1977; maailma loomine Petrova, 1978; Romeo ja Julia Prokofjeva, 1998 jne); G.D. Aleksidze (s. 1941), arendades tantsusümfooniate žanrit ( orestea, 1968; Sküütide sviit Prokofjev, 1969; Teema variatsioonidega Brahms; Kontsert F-duur Vivaldi; aastatel 1966-1968 Leningradi Kammerballetiteatri jaoks 1966-1967 balletikavade loomine Aforismid muusika juurde Šostakovitš; Metamorfoosid Britten taaselustas seejärel balleti Rameau Galantne India; Pulcinella Stravinski ja Kadunud poeg Prokofjev, mõlemad – 1978); B. Ya Eifman (s. 1946), eksperimenteeris Kirovi ja Maly ooperiteatris ( Tulelind Stravinski, 1975, Debiilik muusika juurde Tšaikovski 6. sümfoonia, 1980; Meister ja Margarita Petrova, 1987; 1977. aastal lõi ta Peterburi balletiteatri. Leningradi koreograaf D. A. Brjantsev (s 1947), kes alustas oma karjääri Kirovi teatris, juhtis 1985. aastal Muusikaliteatri balletitruppi. Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko ( Optimistlik tragöödia M. Bronner, 1985; Korsaar Adana, 1989; Othello A. Machavariani, 1991). 1966. aastal korraldas I. A. Moisejev Moskvas NSV Liidu esimese koreograafilise kontsertansambli "Noor ballett" (alates 1971. aastast - "Klassikaline ballett").

Uue laine juht oli aineballeti tantsumetafoori meister Grigorovitš. Tema saabumisega Bolshoi Teatrisse 1964. aastal koges teater õhkutõusmist, mille tipuks olid tema lavastused: Pähklipureja, 1966 ja Spartacus Hatšaturjan, 1968. Suure Teatri jaoks koostas ta originaalversiooni luikede järv(1968), mitu väljaannet uinuv kaunitar, (1963, 1973), 1975. aastal lavastas balleti Ivan groznyj, v 1979 – Romeo ja Julia nii muusikal . Prokofjev, Angara A.Eshpay, 1982. aastal - Kuldne ajastuŠostakovitš. Grigorovitši ballettides said tuntuks N. I. Bessmertnovi - L. M. Lavrovski (s. 1941), E. S. Maksimova - V. V. Vassiljevi duetid, M. E. Sorokina (s. 1942), NV Timofejeva (s. 1935) talent. 1980. aastate alguses ilmus Grigorovitši uusi lavastusi üha harvemini, samas kui teiste lavastajate balletid (Plisetskaja, Kasatkina ja Vasilev, Vassiljev, Vinogradov, A. Alonso) jõudsid vaevaliselt lavale. Tegelikult oli Suur Teater ühe koreograafi monopoli tõttu kriisis, samas kui kõik riigi balletiteatrid võrdusid Suurega. Uuenduslikud tehnikad, mis on muutunud muutumatuteks kaanoniteks, on muutunud klišeeks. Kui suurde Teatrisse väliskoreograafia ei tunginud, siis Kirovi teater muutus O. Vinogradovi (1977) tulekuga maailmatrendidele avatumaks. Tema käe all ilmusid repertuaari Balanchine'i, Robbinsi ja Tudori, Macmillani, Neumeieri, Bournonville'i balletid, Perro, Taglioni, Saint-Leoni, Petipa ballettide senitundmatutest fragmentidest peeti P. Lacotte'i antiikkoreograafia õhtu.

Aastatel 1960–1970 ilmus uus laine andekaid tantsijaid: Yu.V.Vladimirov (s. 1942), M.V. sünd. 1961), IA Kolpakova (s. 1933), NA Dolgushin (s. 1938), AE Osipenko (snd. 1932), FS Ruzimatov (s. 1963), A. I. Sizova (s. 1939), Yu.V. Solovjov (1940–1977). M. Plisetskaja jätkas tööd. Tema jaoks lõi A. Alonso Carmen sviit, R. Petit - Roosi surm Mahler, Béjart Isadora ja Bolero. Koreograafina lavastas ta R. Štšedrini ballette: Anna Karenina, 1972; Kajakas, 1980;Daam koeraga, 1984. V. Vassiljev esines koreograafina: Anyuta, V. Gavrilina, 1986; Romeo ja Julia, 1990; Macbeth K. Molchanova, 1980; Giselle, Luikede järv, 1999.

Ilmus uus põlvkond heliloojaid: R. K. Štšedrin, Petrov, M. M. Kazhlaev, N. N. N. N. Karetnikov, K. S. Hatšaturjan, A. B. Bronner, Ešpai. Moskva, Peterburi, Uurali piirkond (Perm, Jekaterinburg, Tšeljabinsk) on balleti geograafias juhtival kohal. Permis on välja kujunenud tugev balletikool. 1973. aastal Permi koreograafiakooli NV lõpetanud Pavlovast (s. 1956), kes sai Moskva balletikonkursi Grand Prix, sai Nõukogude-järgsel perioodil Suure Teatri üks juhtivaid lüürilisi baleriine. trupid ilmusid Permis ja Tšeljabinskis.

Nõukogude Liidu lagunemine ja sellele järgnenud majanduskriis tõid seni riigi heldelt doteeritud balletikompaniidele kaasa tohutuid raskusi. Paljud tantsijad ja õpetajad lahkusid riigist, et asuda elama USA-sse, Inglismaale, Saksamaale ja teistesse lääneriikidesse.

Grigorovitši ajastu lõppedes 1995. aastal koges Bolshoi Teater kriisi, mis oli seotud teatri läbimõtlemata personali- ja majanduspoliitikaga. Vene ballett on Euroopa koreograafia arengust mitu põlvkonda vahele jätnud ja praegu napib tantsuideid. Samas on säilinud esinemiskooli tase. Esinesid säravad isiksused nagu N.G.Ananiashvili, M.A.Aleksandrova, A.A.Antonicheva, D.V.Belogolovtsev, A.Ju.Bogatõrev, A.N.Vetrova, N.A.Gracheva, D.K.Gudanov, S.Ju.Zahharova, Jus Maris, Liepzev, I.V. NMTsiskaridze (Bolshoi Teater); D.V. Višnevaja, U. V. Lopatkina, I. A. Nioradze (Mariinski teater); M.S.Drozdova, N.V.Ledovskaja, T.A.Tšernobrovkina, V.Kirillov, A.Domašev, G.Smilevski, V.Dik (Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko nimeline muusikateater).

Pärast 1991. aastat hakkas vene ballett omandama lääne balleti kogemusi modernse, jazzi ja vaba plastigi valdkonnas. Bolshoi Teater lavastab aktiivselt lääne koreograafide ballette ( süülf toimetanud E-M. von Rosen, Taani, 1994; Sümfoonia C-duur,Agon,mozartiana Balanchine, 1998–1999; Poti emand Tšaikovski kuuenda sümfoonia muusikale, Passacaglia Webern, 1998; Notre Dame'i katedraal Petit, 2003; Vaarao tütar Lakotta, 2000; Mõttetu ettevaatusabinõu F. Ashton, 2002; Unenägu suveöös Neumeier, 2004). Veel varem pöördus Mariinski teater Balanchine'i ballettide poole. Balleti lavastamise eest Kadunud poeg S. Prokofjevi teater sai Kuldse Maski auhinna 2003. aastal. Samal aastal näidati teatris esmakordselt kolme kuulsat Forsythi balletti: sammtekst Bachi muusikale Täpsuse peadpööritav rabamine Schuberti muusikale ja Kus ripuvad kuldsed kirsid T. Willemsi ja L. Stuki muusikale. Populaarsed vanade lavastuste rekonstruktsioonid: uinuv kaunitar Tšaikovski, bayadère Minkus, 1991 Bolshoi Teatris, Luikede järv Mariinsky juures Coppelia L. Delibes Novosibirskis, A. M. Liepa kogemus Fokine'i ballettide restaureerimisel, 1999 ( Petersell, stseen Polovtsi tantsud,Scheherazade). Teisest küljest ei taastata vene ja nõukogude klassikat mitte ainult, vaid allutatakse moderniseeritud tõlgendustele ( Don Quijote toimetanud Fadeechev, 1999, Valgusvoog ja PoltŠostakovitš A. Ratmanski väljaandes, vastavalt 2003 ja 2005, Romeo ja Julia R. Poliktaru, 2004, kõik - Suur Teater, Pähklipureja K.A.Simonova, 2002, (lavastaja ja balletikunstnik M.M.Šemjakin), Tuhkatriinu Ratmansky, 2003, mõlemad - Mariinski teater, Romeo ja Julia, 1997 ja Pähklipureja, 2000, Permi teatris "E. Panfilovi ballett".

Legaliseeriti tantsijate ja koreograafide tööpraktika välismaal. Paljud tantsijad on teinud rahvusvahelist karjääri (I. Mukhamedov, A. Asülmuratova, Ananiašvili, D. Višneva, Malahhov, V. Derevianko, A. V. Fedotov, Yu. M. Posohhov, I. A. Zelenski, Ratmanski). Moskva koreograafiaakadeemia lõpetanud, balletikonkursside laureaat V. Malakhov tunnistati 1997. aastal maailma parimaks tantsijaks, töötab samaaegselt mitmes välisballetikompaniis, aastast 2002 on ta Berliini Staatstheater Unter den Linden direktor. , ja teostab end koreograafina. D. Brjantsev jätkab tööd ( Kärbja taltsutamine M. Bronner, 1996; ühevaatuselised balletid Braavo,Figaro 1985; Sküüdid ja kauboid D. Gershvin, 1988; Üksildane mehe hääl Vivaldi, N. Paganini ja O. Kitaro, 1990; kummituspall F. Chopin, 1995; Piibli legendid, Shulamith V. Besedina ja Salome P. Gabriel, 1997–1998, kameeliatega daam Verdi, 2001), aastast 1994 töötab Brjantsev samaaegselt Peterburi trupi Kammerballett peakoreograafina; Peterburi B.Ya.Eifmani balletiteater omandas riikliku akadeemiku staatuse ( Vene Hamlet Beethoven-Mahler, 1999; Reekviem Mozart 1998; Karamazov, 1995 Rahmaninovi, Wagneri, Mussorgski muusika ja mustlaslaulude järgi, Tšaikovski, 1995 ("Kuldne mask"), Teresa Raquin Bach-Schnittke, Minkuse Don Quijote,Punane Giselle muusika juurde Tšaikovski, Minu Jeruusalemm, 1998, muusikal Kes on kes, 2004.

Venemaa üks juhtivaid koreograafe oli Ratmanski (s. 1968), kelle Ananiasvili "avastas" Taani Kuningliku Balleti tantsijana. Ta komponeeris talle ballette: Manerismi võlud muusikale R. Straussi ja Unistused Jaapanist sai Kuldse Maski. Praegu töötab ta Taanis elades Bolshoi Theatre balleti kunstilise juhina ( ValgusvoogŠostakovitš, 2002). Lavastatud Mariinski teatris Tuhkatriinu, Fadejetševi tantsuteatris - L. Bernsteini ballett Lea("Kuldne mask" -2003). Ananiasvili ise juhtis oma ettevõtet, 2004. aastal sai temast Gruusia Rahvusballeti kunstiline juht ja Thbilisi koreograafiakooli direktor. V. Chabukiani. Moldaavia koreograaf Radu Poliktaru, kes lõpetas Minski koreograafiakooli ja sai nimelisel balletitantsijate konkursil I preemia. Serge Lifar lavastas 2003. aastal Kiievis Bolshoi teatris postmodernse versiooni. Romeo ja Julia Prokofjev (2004).

Ilmusid erinevate suundade sõltumatud eratrupid ja koolid: Fadejetševi juhendatav “Tantsuteater” (teine ​​nimi on “A. Ratmanski balletiteater”), G. Taranda “Keiserlik ballett”, hulk postmodernistlikku tantsu. teatrid (EA Panfilova, GM Abramova, A.Yu. Pepeljajeva). Esimene eraballetiteater oli Permi E.Panfilovi Eksperimentiteater (1987), 2000. aastal sai riikliku ja tänapäevase nimetuse: E.Panfilovi Permi teater. Panfilov (1956–2002) lõi originaalse stiili, ühendades klassika, modernismi, jazzi ja folkloori. Ta lavastas 49 balletti ja 70 miniatuuri ( Jookse muusika juurde A.G. Schnittke, 1988; Mistral K. Orffi muusikale, 1993; Mees mustas, naine rohelises, muusika juurde Tšaikovski, 1994; Surnud saar muusika juurde Rahmaninov, 1991; Fantaasiad mustas ja tulises värvitoonis muusika juurde I.V.Mašukov, Enigma ja M.Raveli rühmad, 1991; Nägemus roosist Weber, 1994; Puur papagoide jaoks balletimuusika juurde Carmen Bizet-Štšedrin, Romeo ja Julia, Prokofjev, 1996; Nägemus roosist Weber, Puur papagoide jaoks Bizet’ ooperi muusikale Carmen, Habakuk ... Saladuslik tants muusika V. Martõnov, 1998; Erinevad trammid, 2001, Blokaad D. Šostakovitši blokaadisümfoonia muusikale, 2003). Panfilovi teater oli täiesti originaalne etendus, ta komponeeris mitte ainult koreograafia, vaid ka dekoratsiooni, kostüümid ja valguse. Lisaks põhitrupile on teatri juurde loodud mitmeid abitruppe, mis ei koosne ainult professionaalsetest tantsijatest (“Tolstoi ballett”, aastast 1994, “Fight Club”, aastast 2000, “Belle corps de ballet”, aastast 2004). Etenduseks sõjast naised, aasta 1945, Tolstoi balleti esituses pälvis teater Kuldse Maski auhinna nominatsioonis Parim innovatsioon -2000. Varakult surnud Panfilovit, hulljulget eksperimenteerijat, kutsuti teiseks Djagileviks ja 21. sajandi koreograafiks. Alates 2002. aastast on teatri kunstiline juht S.A.Raynik, trupi üks juhtivaid tantsijaid.

Teistest kaasaegse tantsu teatritest (kaasaegne tants) - kaks korda Kuldse Maski auhinna "Kaasaegse tantsu teater" võitja V. ja O. Pona juhtimisel (Tšeljabinsk, aastast 1992); Filmimaania või on Marsil elu, 2001; Kas Inglismaa kuninganna teab, 2004), Pariisi rahvusvahelise tantsuvõistluse laureaat, rühm "Provintsiaalsed tantsud" T. Baganova juhatusel, (Jekaterinburg, aastast 1990, pulmad Stravinski, 1999), Moskva teater "Eksperimentaalplastika klass" G. Abramov, teatri koreograaf A. A. Vassiljev, aastast 1990, "A. Kukini tantsuteater" , aastast 1991 teatri "Satyricon" koreograafi V. Arkhipovi rühmitus "Nota bene" aastast 1999. Venemaa üks intellektuaalsemaid tantsuteatreid - Moskva rühmitus "PO.V.S. Dances" (ballett põrandal keha lehed elektroonilisele muusikale, 2003).

KLASSIKALISE TANTSU TEHNIKA

Klassikalises tantsus võetakse kasutusele viis jalgade asendit, mis sooritatakse nii, et jalad on justkui väljapoole pööratud (sellest ka mõiste "eversioon"). See ei tähenda ainult jalgade varvastega erinevates suundades pööramist, terve jalg tuleks pöörata puusaliigesest alustades. Kuna see on võimalik vaid piisava paindlikkuse korral, peab tantsija harjutama iga päev ja pikka aega, et õppida pingevabalt vajalikku asendit võtma.

Miks on vaja tagasivõtmist.

Esiteks võimaldab eversioon hõlpsalt ja graatsiliselt sooritada kõiki külgmisi liigutusi. Seejärel saab tantsija liikuda küljelt küljele, jäädes vaataja poole näoga. Teiseks, kui vajalik eversioon on välja töötatud, liiguvad jalad kergemini, on võimalik jalga oluliselt kõrgemale tõsta ilma keha tasakaalu rikkumata. Kui jalg on pöördeasendis välja sirutatud, jäävad puusad samale horisontaalsele tasemele. Kui tantsijal eversioon puudub, siis peab ta ühe puusa tõstma, et anda jalale võimalus ülespoole liikuda ja sel juhul on tasakaal häiritud. Seega annab eversioon maksimaalse liikumisvabaduse maksimaalse tasakaaluga. Kolmandaks, tänu eversioonile muutuvad tantsija kehajooned ja üldilme atraktiivsemaks.

Klassikalise tantsu positsioonid.

Esimene positsioon: Jalad puudutavad kontsad ja väljapoole pööratud varbad, moodustades põrandale sirge joone.

Teine positsioon sarnased esimesele, kuid pöördejalgade kontsad on üksteisest jala pikkusega (st umbes 33 cm) eraldatud.

kolmas positsioon: käpad on üksteisega külgnevad nii, et ühe jala kand puutub kokku teise jala keskosaga (st üks jalg katab pooleldi teist). Seda asendit kasutatakse nüüd harva.

neljas positsioon: Pöörlevad jalad seisavad üksteisega paralleelselt ligikaudu ühe jala (33 cm) kaugusel. Ühe jala kand peaks olema otse teise jala varba ees; nii jaotub kaal ühtlaselt.

Viies positsioon sarnane neljandale selle erinevusega, et jalad istuvad tihedalt üksteise külge.

Kõik klassikalise tantsu pas on tuletatud nendest positsioonidest. Esialgu sooritatakse asendid mõlema jalaga maas ja sirgete põlvedega. Siis tekivad erinevad variandid: võid painutada ühte või mõlemat põlve (pliés), rebida ära ühe või mõlemad kannad (varvastel seistes), tõsta ühe jala õhku (põlv võib olla sirge või painutatud), võtta ära maapinnal, võttes ühe positsioonidest õhus.

Järeldus.

20. sajandi lõpuks balletikunsti ees seisvad probleemid said üha selgemaks. 1980. aastatel, kui Balanchine, Ashton ja Tudor surid (1980. aastatel) ning Robbins aktiivsest tööst loobus, tekkis loominguline vaakum. Suurem osa 20. sajandi lõpus töötanud noortest koreograafidest ei olnud eriti huvitatud klassikalise tantsu ressursside arendamisest. Nad eelistasid segu erinevatest tantsusüsteemidest, kus klassikaline tants näis ammendunud ja moderntantsul puudus kehaliste võimete paljastamisel originaalsus. Püüdes edasi anda seda, mis moodustab tänapäevase elu olemuse, kasutavad koreograafid sõrmetehnikat justkui mõtete rõhutamiseks, kuid eiravad traditsioonilisi käeliigutusi (port de bras). Toetamise kunst on taandatud omamoodi partneritevaheliseks suhtluseks, kui naist lohistatakse mööda põrandat, visatakse, tiirutatakse, kuid peaaegu kunagi ei toetata ega tantsita temaga.

Enamik truppe koostab oma repertuaari nii, et see hõlmaks 19. sajandi klassikat. ( süülf, Giselle, Luikede järv, uinuv kaunitar), 20. sajandi kuulsaimad ballettmeistrid. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor ja Ashton), Macmillani, Cranko, Tetley ja Kiliani populaarsed lavastused ning uue põlvkonna koreograafide nagu Forsyth, Duato, Koudelki tööd. Samal ajal saavad tantsijad parema väljaõppe, nagu on teadlikumad õpetajad. Suhteliselt uus tantsumeditsiini valdkond on andnud tantsijatele ligipääsu vigastuste ennetamise tehnikatele.

Probleemiks on tantsijatele muusika tutvustamine. Laialt levinud levimuusika ei tunne stiilide mitmekesisust, paljudes riikides on muusikalise kirjaoskuse õpetamine madalal tasemel, tantsude lavastamisel kasutatakse pidevalt fonogramme – see kõik pärsib musikaalsuse arengut tantsijate seas.

Viimastel aastakümnetel on uudseks nähtuseks saanud balletivõistlused, millest esimene peeti 1964. aastal Varnas (Bulgaaria). Need ahvatlevad mitte ainult auhindadega, vaid ka võimalusega näidata end mainekamaid organisatsioone esindavatele kohtunikele. Tasapisi tuli võistlusi juurde, erinevates riikides vähemalt kümme; mõned pakuvad raha asemel stipendiume. Seoses koreograafide vajadusega tekkisid ka koreograafide konkursid.

Kuulsamad balletivõistlused: Moscow International, Benois de la Dance, Grand Pas, European Festival of Contemporary Dance EDF, (Moskva); Maya, Vaganova prix, Mariinsky, Valgete Ööde tähed, Exercise Modern (Peterburi), Serge Lifari ballettmeistrite konkurss Kiievis. Rahvusvahelisi balletivõistlusi peetakse ka Varnas (Bulgaaria), Pariisis (Prantsusmaa), Lausanne'is (Šveits), Osakas (Jaapan), Rietis (Itaalia), Jacksonis (USA). Arvukad kaasaegse tantsu võistlused tekitavad suurt avalikku pahameelt (Moodstantsu biennaal, Lyon, Pina Bauschi moderntantsu festival (Wuppertal).

Jelena Jaroševitš

Kirjandus:

Krasovskaja V. , 1. osa. Koreograafid. L., 1970
Krasovskaja V. Kahekümnenda sajandi alguse vene balletiteater, 2. osa. Tantsijad. L., 1972
Karp P. Balleti kohta. M., 1974
Gajevski V. Divertiseerimine. Klassikalise balleti saatus. M., 1981
Krasovskaja V. Lääne-Euroopa balletiteater selle tekkest kuni 18. sajandi keskpaigani. L., 1983
Krasovskaja V. Lääne-Euroopa balletiteater. Noverre ajastu. L., 1983
Krasovskaja V. Lääne-Euroopa balletiteater. eelromantism. L., 1983
Krasovskaja V. Lääne-Euroopa balletiteater. Romantism. L., 1996
Solway D. Rudolf Nurejev laval ja elus. M., 2000



ballett

Esimest korda lausus sõna "ballett" (itaalia keelest tõlgituna - "tantsin") itaallane Domenichino da Piacenza. 15. sajandi alguses. töötas ta tantsuõpetajana ühe Itaalia piirkonna - Ferrara - valitseja õukonnas. Kuidagi soovitas Domenichino da Piacenza, et õukondlased esitaksid ballil tervikuna neli erinevat tantsu. Komponeerides sellele etendusele ka üldfinaal tseremoniaalsete väljapääsude ja kummardustega, nimetas ta kogu tegevust balletiks.

Kuid ballett, nagu me seda praegu tunneme, ei sündinud Itaalias, vaid Prantsusmaal. 1581. aastal toimus Pariisis suurejooneline The Queen's Comedy Ballet etendus. Ajaloolaste sõnul kestis see viis ja pool tundi. Etenduses osalesid nii lauljad kui ka lugejad, kuid süžee sündmused selgusid eelkõige tantsu abil. Nii ilmus nelisada aastat tagasi seda tüüpi teatrietendus, mida tänapäeval nimetame sõnaks ballett. See ühendab muusika, tantsu, maastikukunsti ja loob seega väga erilise lavalise vaatemängu. Tantsu balletis komponeerib (või lavastab) koreograaf, keda programmides ja plakatitel kutsutakse koreograafiks või lavastajaks, ning esitavad balletitantsijad või, nagu öeldakse, tantsijad. Tants on balleti peamine väljendusvahend. Tants paljastab balleti sisu, tegelaste karakterid, nende mõtted, tunded. Muusikal on balletis suur tähtsus – selle dramaatiline, emotsionaalne jõud, meloodiate ja rütmide rikkus ja ilu.

Oluline roll balletis on maastikel, kostüümidel, valgustusel. Venemaal toimus esimene balletietendus tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas 1673. aastal Moskva lähedal Preobraženski külas. Selle valmistas välismaalane - insenerivägede ohvitser Nikolai Lima. Selle nimi oli "Orpheuse ja Eurydice ballett". Vene balleti päritolu on rahvatantsudes, mis on kord majesteetlikud ja meloodilised, kord vallatu ja julged. Vene artistid reageerisid omal moel tantsutehnikale, mida välismaised lavastajad ja õpetajad neile pakkusid. Nad arendasid seda, rikastasid seda rahvatantsule omaste omadustega: väljendusrikkus, vaimsus, tähenduslikkus.

Selle põhjal hakkas kujunema kunst, mida me praegu nimetame vene balletiks. Vene balleti ajaloos on palju kuulsusrikkaid lehekülgi. 19. sajandil temast sai kogu maailma balleti modell. Selle võlgneb ta heliloojatele P. I. Tšaikovskile, surematute ballettide Luikede järv, Uinuv kaunitar, Pähklipureja loojale, A. K. Glazunovile, Raymonda autorile, koreograafidele M. Petipale, L. Ivanovile, M. Fokinile. Nende lavastatud etendustes tantsisid kuulsad baleriinid A. Pavlova, E. Geltser, T. Karsavina, tantsijad V. Nižinski, V. Tihhomirov ja paljud teised. Meie ballett on sellele suurele pärandile üles kasvanud. Selle loojate hulgas on tuntud koreograafid: K. Goleizovski, F. Lopuhhov, R. Zahharov, L. Jakobson, I. Volski, Ju. Grigorovitš, O. Vinogradov jt. Paljud etendused jäävad eluks ajaks mällu. Unustamatud on S. Prokofjevi balletid Tuhkatriinu ja Romeo ja Julia, A. Hatšaturjani Spartacus (ta pälvis Lenini preemia), L. Minkuse Don Quijote, B. Asafjevi Bahtšisarai purskkaev ja paljud teised. Rõõmsad, pidulikud lasteballetid "Doktor Aibolit", "Cipollino", "Peeter ja hunt", "Valge aurulaev", "Sinine lind" on kujunenud meie laste lemmikballettideks.

Balletitrupid ja üksikud solistid - meie riigi erinevate rahvuste esindajad - esinevad suure eduga nii meil kui välismaal. Meisterlikkust, nende tehnika virtuoossust ja esituse vaimsust imetletakse paljudes maailma riikides ja meie Maa otstes. Klassikalistes ballettides ja nüüdislavastustes tantsisid ja tantsivad silmapaistvad meistrid: G. Ulanova, M. Semenova, O. Lepešinskaja, N. Timofejeva, M. Plisetskaja, V. Tšabukiani, K. Sergejev, E. Maksimova, N. Bessmertnova, V. Vassiljev, M. Lisp, I. Kolpakova, M. Sabirova, G. Izmailova, L. Semenjaka, N. Pavlova ja paljud teised. "Me tahame mitte ainult tantsida, vaid ka tantsuga rääkida" - need silmapaistva vene baleriini Galina Ulanova sõnad sisaldavad sügavat tähendust, peegeldavad meie balletikunsti kangekaelset sisuiha. Need sõnad täiendavad imelist määratlust, mille A. S. Puškin vene balletile andis: "... hingega täidetud lend."

Bibliograafia

Selle töö ettevalmistamiseks materjalid saidilt http://www.5.km.ru/