Mis on Kreeka skulptuuri areng. Vana-Kreeka skulptuuri- ja arhitektuurijooned

planeerimine reisida Kreekasse, ei huvita paljusid mitte ainult mugavad hotellid, vaid ka selle iidse riigi põnev ajalugu, mille lahutamatuks osaks on kunstiobjektid.

Suur hulk tuntud kunstiajaloolaste traktaate on pühendatud just Vana-Kreeka skulptuurile kui maailmakultuuri põhiharule. Kahjuks ei säilinud paljud tolleaegsed mälestised oma algsel kujul ning on teada hilisematest koopiatest. Neid uurides saab jälgida Kreeka kujutava kunsti arengulugu Homerose perioodist hellenismi ajastuni ning tuua esile iga perioodi silmapaistvamaid ja kuulsamaid loominguid.

Aphrodite de Milo

Maailmakuulus Milose saarelt pärit Aphrodite kuulub Kreeka kunsti hellenistlikusse perioodi. Sel ajal hakkas Aleksander Suure jõudude poolt Hellase kultuur levima kaugele Balkani poolsaarest kaugemale, mis kajastus märgatavalt ka kujutavas kunstis - skulptuurid, maalid ja freskod muutusid realistlikumaks, jumalate näod neil. neil on inimlikud jooned – pingevaba poos, abstraktne pilk, pehme naeratus .

Aphrodite kuju, või nagu roomlased seda nimetasid, Veenus, on valmistatud lumivalgest marmorist. Selle kõrgus ületab veidi inimese kõrgust ja on 2,03 meetrit. Kuju avastas juhuslikult tavaline prantsuse meremees, kes 1820. aastal kaevas koos kohaliku talupojaga Milose saarel iidse amfiteatri jäänuste lähedalt üles Aphrodite. Transpordi- ja tollivaidluste käigus kaotas kuju oma käed ja postamendi, kuid säilinud on ülestähend sellel märgitud meistriteose autorist: Antiookia Menida elaniku pojast Agesanderist.

Täna, pärast põhjalikku restaureerimist, eksponeeritakse Aphroditet Pariisis Louvre'is, meelitades igal aastal oma loodusliku iluga miljoneid turiste.

Nike of Samothrace

Võidujumalanna Nike kuju loomise aeg ulatub 2. sajandisse eKr. Uuringud on näidanud, et Nika paigaldati mereranniku kohale kaljule – tema marmorriided lehvivad justkui tuulest ning keha kalle kujutab endast pidevat edasiliikumist. Kõige õhemad rõivavoldid katavad jumalanna tugevat keha ning võimsad tiivad sirutuvad rõõmust ja võidukäigust.

Kuju pead ja käed ei ole säilinud, kuigi 1950. aastal avastati väljakaevamistel üksikud killud. Eelkõige leidis jumalanna parema käe Karl Lehmann koos rühma arheoloogidega. Nike of Samothrace on nüüd üks silmapaistvamaid Louvre'i eksponaate. Üldnäitusele tema kätt kordagi ei lisatud, taastati vaid parem tiib, mis oli krohvist.

Laocoon ja tema pojad

Skulptuurne kompositsioon, mis kujutab jumal Apolloni preestri Laocoöni ja tema poegade surelikku võitlust kahe maoga, mille Apollo saatis kättemaksuks selle eest, et Laocoön ei kuulanud tema tahet ja püüdis takistada Trooja hobuse sisenemist linna. .

Kuju valmistati pronksist, kuid selle originaal pole tänaseni säilinud. 15. sajandil leiti skulptuuri marmorkoopia Nero "kuldse maja" territooriumilt ja paavst Julius II käsul paigaldati see Vatikani Belvedere'i eraldi nišši. 1798. aastal viidi Laocooni kuju Pariisi, kuid pärast Napoleoni võimu langemist tagastasid britid selle algsele kohale, kus seda hoitakse tänapäevani.

Laocoöni meeleheitlikku surivoodivõitlust jumaliku karistusega kujutav kompositsioon inspireeris paljusid hiliskeskaja ja renessansi skulptoreid ning tõi kaasa moe kujutada kujutavas kunstis inimkeha keerulisi keeriselaadseid liikumisi.

Zeus Artemisioni neemest

Sukeldujate poolt Cape Artemisioni lähedalt leitud kuju on valmistatud pronksist ja on üks väheseid seda tüüpi kunstiteoseid, mis on säilinud oma algsel kujul tänapäevani. Teadlased on eriarvamusel, kas skulptuur kuulub konkreetselt Zeusile, arvates, et see võib kujutada ka merejumalat Poseidonit.

Kuju kõrgus on 2,09 m ja sellel on kujutatud kõrgeimat kreeka jumalat, kes tõstis õiges vihas oma parema käe, et visata välku. Välk ise pole säilinud, kuid arvukad väiksemad kujukesed näitavad, et see nägi välja nagu tasane tugevasti piklik pronksketas.

Peaaegu kaks tuhat aastat vee all olemist ei saanud kuju peaaegu kannatada. Kadusid vaid silmad, mis väidetavalt olid elevandiluust ja kaetud vääriskividega. Seda kunstiteost saate näha Ateenas asuvas riiklikus arheoloogiamuuseumis.

Diadumeni kuju

Tõenäoliselt kaunistas Olümpia või Delfi võistluspaika marmorkoopia pronkskujust noormehest, kes kroonib end diadeemiga - spordivõidu sümboliga. Toonane diadeem oli punane villane side, mis koos loorberipärgadega pälvis olümpiamängude võitjad. Teose autor Poliklet esitas selle oma lemmikstiilis - noormees on kerges liikumises, näos on tunda täielikku rahulikkust ja keskendumist. Sportlane käitub väljateenitud võitjana - ta ei näita väsimust, kuigi keha vajab pärast võitlust puhkust. Skulptuuris suutis autor väga loomulikult edasi anda mitte ainult väikseid elemente, vaid ka keha üldist asendit, jaotades figuuri massi õigesti. Keha täielik proportsionaalsus on selle perioodi – 5. sajandi klassitsismi – arengu tipp.

Kuigi pronksist originaal pole meie ajani säilinud, võib selle koopiaid näha paljudes muuseumides üle maailma – Ateena riiklikus arheoloogiamuuseumis, Louvre’is, Metropolitanis, Briti muuseumis.

Aphrodite Braschi

Aphrodite marmorkujul on kujutatud armastusejumalannat, kes oli alasti enne legendaarset, sageli müütides kirjeldatud vanni võtmist, tagastades oma süütuse. Aphrodite vasakus käes hoiab oma eemaldatud riideid, mis õrnalt peale kukuvad kõrval seistes kann. Inseneri seisukohalt muutis see otsus hapra kuju stabiilsemaks ja andis skulptorile võimaluse anda sellele pingevabam poos. Aphrodite Brasca ainulaadsus seisneb selles, et tegemist on esimese teadaoleva jumalanna kujuga, mille autor otsustas kujutada teda alasti, mida omal ajal peeti ennekuulmatuks jultumuseks.

On legende, mille järgi skulptor Praxiteles lõi Aphrodite oma armastatu, hetaera Phryne'i näo järgi. Kui tema endine austaja, oraator Euthias sellest teada sai, tõstatas ta skandaali, mille tagajärjel süüdistati Praxitelest andestamatus jumalateotuses. Kohtuistungil, nähes, et tema argumendid kohtunikule muljet ei avaldanud, tõmbas kaitsja Phryne'il riided seljast, et näidata kohalviibijatele, et modelli nii täiuslik keha lihtsalt ei sisalda tumedat hinge. Kohtunikud, kes olid kalokagatiya kontseptsiooni järgijad, olid sunnitud süüdistatavad täielikult õigeks mõistma.

Algne kuju viidi Konstantinoopoli, kus see tulekahjus hukkus. Meie ajani on säilinud palju Aphrodite koopiaid, kuid neil kõigil on omad erinevused, kuna need on taastatud suuliste ja kirjalike kirjelduste ning müntidel olevate piltide järgi.

maratoni noored

Kuju noor mees valmistatud pronksist ja kujutab oletatavasti kreeka jumalat Hermest, kuigi noormehe kätes ega riietes puuduvad eeldused ega tema atribuudid. Skulptuur tõsteti 1925. aastal Maratoni lahe põhjast üles ja sellest ajast alates on see täiendanud Ateena riikliku arheoloogiamuuseumi ekspositsiooni. Tänu sellele, et kuju oli pikka aega vee all, on kõik selle omadused väga hästi säilinud.

Stiil, milles skulptuur on tehtud, paljastab stiili kuulus skulptor Praxiteles. Noormees seisab pingevabas poosis, käsi toetub seinale, mille lähedale figuur paigaldati.

Kettaheitja

Vana-Kreeka skulptori Myroni kuju pole algsel kujul säilinud, kuid on tänu pronksist ja marmorist koopiatele laialt tuntud kogu maailmas. Skulptuur on ainulaadne selle poolest, et esmakordselt kujutas see inimest keerulises, dünaamilises liikumises. Autori selline julge otsus oli ilmekaks eeskujuks tema järgijatele, kes vähema eduga lõid kunstiobjekte "Figura serpentinata" stiilis - eritehnikaga, mis kujutab inimest või looma sageli ebaloomulikus, pinges. , kuid väga ilmekas, vaatleja seisukohalt, poos.

Delphi vankrisõitja

Vankrisõitja pronksskulptuur avastati 1896. aastal Delfis Apolloni pühamu väljakaevamistel ja see on iidse kunsti klassikaline näide. Figuuril on kujutatud Vana-Kreeka noort, kes juhib ajal vagunit Pythian mängud.

Skulptuuri ainulaadsus seisneb selles, et säilinud on vääriskividega silmade inkrusteering. Noormehe ripsmed ja huuled on kaunistatud vasega ning peapael on hõbedast ning arvatavasti ka inkrustatsiooniga.

Skulptuuri loomise aeg on teoreetiliselt arhailise ja varaklassika ristumiskohal - selle poosi iseloomustab jäikus ja liikumisvihje puudumine, kuid pea ja nägu on tehtud üsna suure realismiga. Nagu hilisemates skulptuurides.

Athena Parthenos

Majesteetlik jumalanna Ateena kuju ei ole meie ajani säilinud, kuid sellest on palju koopiaid, mis on taastatud iidsete kirjelduste järgi. Skulptuur oli täielikult valmistatud elevandiluust ja kullast, ilma kivi või pronksi kasutamata ning see seisis Ateena peamises templis - Parthenonis. Jumalanna eripäraks on kõrge kiiver, mis on kaunistatud kolme harjaga.

Kuju loomise ajalugu ei olnud saatuslike hetkedeta: jumalanna kilbile paigutas skulptor Phidias lisaks pildile amatsoonidega lahingust oma portree nõrga vanamehe kujul, kes tõstab üles. kahe käega raske kivi. Toonane avalikkus suhtus Phidiase tegusse, mis maksis talle elu, kahemõtteliselt - skulptor vangistati, kus ta sooritas mürgi abil enesetapu.

Kreeka kultuurist on saanud kaunite kunstide arengu rajaja kogu maailmas. Isegi tänapäeval võib mõnda kaasaegset maali ja kuju vaadates tuvastada selle iidse kultuuri mõju.

Vana-Hellas sai hälliks, kus tõsteti aktiivselt esile inimliku ilu kultust selle füüsilises, moraalses ja intellektuaalses väljenduses. Kreeka elanikud tol ajal nad mitte ainult ei kummardanud paljusid olümpiajumalaid, vaid püüdsid ka nendega võimalikult palju sarnaneda. Kõik see on eksponeeritud pronks- ja marmorkujudes – need mitte ainult ei anna edasi inimese või jumaluse kuvandit, vaid muudavad need ka üksteisele lähedaseks.

Kuigi paljud kujud pole tänapäevani säilinud, võib nende täpseid koopiaid näha paljudes muuseumides üle maailma.

Hellenite kultuur ja kunst on alati pälvinud inimeste tähelepanu, kelle jaoks need olid juba ajalugu. Keskajal, renessansiajal, uusaja sajanditel nägid kunstnikud iidsete kreeklaste kunstis imelist eeskuju, tunnete, mõtete, inspiratsiooni ammendamatut allikat. Kogu aeg püüdis inimene oma iseloomuliku uudishimuga tungida Vana-Kreeka kunsti täiuslikkuse saladusse, püüdes mõistuse ja tundega mõista Kreeka monumentide olemust.

"Tuleb liikuda Homerose ajastusse, saada tema kaasaegseks, elada kaasa kangelastele ja kuningaskarjastele, et neid hästi mõista. Siis Achilleus, kes laulab kangelasi lüüral ja küpsetab ise jäärasid, kes märatseb. surnud Hektori üle ja tema isa Priam, kes nii heldelt oma põõsas õhtusööki ja öömaja pakub, ei tundu meile fantastiline inimene, liialdatud kujutlusvõime, vaid tõeline poeg, suure kangelasliku täiuslik esindaja. ajastud, mil inimkonna tahe ja jõud arenesid täie vabadusega ... Siis ei ole maailm, mis eksisteeris kolm tuhat aastat, surnud ja meile igas mõttes võõras."

Pärast seda, kui dooriad vallutasid Trooja sõjas nõrgenenud ahhaia hõimud, järgneb Vana-Kreeka kunsti ajaloos Homerose periood (XI-VIII sajand eKr), mida iseloomustab patriarhaalne eluviis, väikeste talude killustatus ja ürgsus. kultuur, mis hakkas kujunema. Sellest ajast peale ei säilinud peaaegu ühtegi arhitektuurimälestist, kuna materjaliks oli peamiselt puit ja küpsetamata, vaid päikese käes kuivatatud toores tellis. Arhitektuurist selle tekkeloost saavad aimu anda vaid halvasti säilinud vundamendijäänused, joonistused vaasidel, terrakota matmisurnid, mis on võrreldavad majade ja templitega, ning mõned Homerose luuleread:

"Sõber, me tulime kindlasti Odysseuse kuulsusrikkasse koju,

Seda saab hõlpsasti ära tunda kõigi teiste majade seas:

Pikk rida avaraid ruume, laiad ja puhtalt sillutatud

Purustatud sisehoov, kahekordsed väravad

Tugeva lukuga ei tule kellelgi pähe neisse jõuga sisse murda.

Sel ajastul tekkisid ka haruldased, vormilt lihtsad ja väikesed skulptuurimonumendid. Eriti laialt levinud oli anumate kaunistamine, mida iidsed kreeklased ei käsitlenud mitte ainult igapäevaelus vajalike esemetena. Erinevates, mõnikord veidrates keraamilistes vormides, lihtne, kuid ilmekas.

Enne 9. sajandit eKr tekkinud vaaside vormides ja kujundustes. st neid loonud inimeste tunnete väljendamise lihtsus tegutses. Anumad olid tavaliselt kaetud kaunistustega lihtsate kujundite kujul: ringid, kolmnurgad, ruudud, rombid. Aja jooksul muutusid anumate mustrid keerukamaks, nende kuju muutus mitmekesisemaks. 9. sajandi lõpus - 8. sajandi alguses eKr. e. ilmusid vaasid, mille pind oli pidevalt kaunistustega täidetud. Amfora surnukeha Müncheni muuseumist tarbekunst jagatud õhukesteks vöödeks - friisid, maalitud geomeetriliste kujunditega, nagu pits, lamades anumas. Iidne kunstnik otsustas selle amfora pinnal näidata lisaks mustritele ka loomi ja linde, mille jaoks ta tõi välja spetsiaalsed friisid, millest üks paiknes kurgu ülaosas, teine ​​keha alguses ja kolmas põhja lähedal. Kunsti arengu algfaasis omane kordamise printsiip erinevad rahvad, esineb kreeklastel ka keraamilistel maalidel, siinne vaasimaalija kasutas loomade ja lindude kujutamisel eelkõige kordamist. Kuid isegi lihtsate kompositsioonide puhul on erinevused märgatavad kurgu, keha ja põhjaga. Korolla juures - metskitsed on rahulikud; nad karjatavad rahumeeli, näksides muru. Kehakohas, kus algab käepidemete tõus ja anuma kuju dramaatiliselt muutub, näidatakse loomi erinevalt - justkui ärevuses pöörasid nad jahmunult pead tagasi. Laeva kontuurjoone sujuva rütmi rikkumine leidis metskitse kujutisel kaja.

Ateena kalmistul hauakivina toiminud dipüloonamfora pärineb 8. sajandist. Selle monumentaalsed vormid on ilmekad; lai massiivne keha, kõrge kõri tõuseb uhkelt. See ei tundu vähem majesteetlik kui sihvakas templisammas või võimsa sportlase kuju. Kogu selle pind on jagatud friisideks, millest igaühel on oma muster, sageli korduva erinevat tüüpi looklemisega. Loomade kujutis friisidel allub siin samale põhimõttele, mis Müncheni amforal. Kõige laiemas kohas on lahkunuga hüvastijätmise stseen. Lahkunust paremal ja vasakul on leinajad, kelle käed on pea kohal. Hauakividena toiminud vaasidel olevate joonistuste leinalisus on äärmiselt vaoshoitud. Siin esitatud tunded tunduvad karmid, lähedased neile, mida koges Odysseus, kes kuulas põnevat Penelope lugu, nuttes ega tundnud teda veel ära:

«Aga nagu sarved või raud, seisid silmad liikumatult

Sajandeid. Ja tahtmist pisarateni, hoides ettevaatlikkust, ta ei andnud!

10.-8.sajandi seinamaalingu lakoonilisuses kujunesid välja omadused, mis hiljem arenesid välja kreeka kunsti plastiliselt mahlastes vormides. See ajastu oli Kreeka kunstnike koolkond: geomeetrilise stiili jooniste range selgus on tingitud arhailise ja klassikaliste kujutiste vaoshoitud harmooniast.

Geomeetriline stiil väljendas inimeste esteetilisi tundeid, kes alustasid oma teekonda tsivilisatsiooni tippu, luues hiljem monumente, mis varjutasid Egiptuse püramiidide ja Babüloonia paleede hiilguse. Helenite tolleaegne otsustusvõime ja sisemine rahulikkus leidsid vastukaja maalide äärmises lakoonilisuses, millel on väänamatu rütm, selgus ja joonte teravus. Kujutiste tinglikkus, vormide lihtsustus ei tulene mitte rafineeritusest, vaid soovist väljendada graafilise märgiga üldmõistet hästi määratletud subjektist. päris maailm. Selle esituspõhimõtte piiranguks on kujutise spetsiifiliste, individuaalsete tunnuste puudumine. Selle väärtus seisneb selles, et inimene varases arengujärgus hakkab veel arusaamatu ja kaootilisena tunduvasse maailma tutvustama süsteemi elementi, korrastatust. Geomeetria skemaatilised kujundid küllastuvad tulevikus üha suurema konkreetsusega, kuid Kreeka kunstnikud ei kaota selles kunstis saavutatud üldistuspõhimõtet. Sellega seoses on Homerose perioodi seinamaalingud esimesed sammud iidse kunstilise mõtlemise arengus.

Pööningukunst, mida esindavad Dipylon vaasid, ühendab edukalt vorme, mis on sajandite jooksul välja töötatud Kreeka erinevates piirkondades - saartel, dooria keskustes, Boiootias. Atikas sünnivad eriti kaunid kõnekate, elavate maalingutega anumad. Argoses on kompositsioonid ülimalt lakoonilised, Boiootias ilmekad, Egeuse mere saartel elegantsed. Kuid kõigile kunstikoolidele, mille originaalsus on välja toodud juba Homerose ajastul, ja eriti pööningul, on iseloomulikud ühised omadused - huvi suurenemine inimpildi vastu, soov vormide harmoonilise vastavuse järele ja kompositsiooni selgus. .

Geomeetrilise stiili skulptuuris pole vähem originaalsust kui vaasimaal. Väikeplastika kaunistas keraamikat, kui savist või pronksist loomakujukesed kinnitati anumakaante külge ja toimisid sangadena. Leidus ka anumatega mitteseotud kultuslikku laadi kujukesi, mis olid pühendatud jumalustele, paigutatud templitesse või mõeldud haudadele. Enamasti olid need küpsetatud savist valmistatud kujukesed, millel olid ainult välja toodud näojooned ja jäsemed. Vaid mõnikord võtsid skulptorid endale raskeid ülesandeid ja lahendasid neid oma stiili üsna originaalsete meetoditega. Enamasti on geomeetrilised kujukesed mõeldud profiilis mõtisklemiseks ja tunduvad tasased, sarnaselt vaasil olevatele kujutistele. Suur tähtsus neis on siluett, alles hiljem hakkab meistri huvi mahu vastu ärkama. Kunstniku plastilise maailmamõistmise elemendid on vaid välja toodud.

Geomeetrilise stiili skulptuuris on sellised süžeelise iseloomuga teosed endiselt haruldased, näiteks pronkskujutis kentaurist ja mehest, mida hoitakse New Yorgi Metropolitani muuseumis, mis on mõeldud kõrvalt tajumiseks. Kuid juba siin on selgelt näha, mis hiljem kreeka arhailisuses ilmneb - mehefiguuri alastiolek, puusade ja õlgade rõhutatud lihased.

8. sajandi teisel poolel eKr. e. geomeetrilises stiilis ilmnevad tunnused, mis viitavad selle rangete reeglite tagasilükkamisele. Tekib soov näidata inimese, looma, erinevate objektide kuju mitte skemaatiliselt, vaid elavamalt. Seda võib vaadelda kui maalide ja skulptuuride tavadest kõrvalekaldumise algust. Tasapisi liiguvad Kreeka meistrid täisverelisemate, eluliselt konkreetsete kujundite juurde. Juba geomeetrilise stiili allakäigu ajal joonistusid välja esimesed märgid protsessist, mis varase antiigi vormide konventsionaalsusest geomeetrilises stiilis tooks kaasa maailma taasesitamise ülima konkreetsuse hilisantiigi monumentides. . Küpsemate inimeste ideede tekkimisega maailmast on vajadus mitte skemaatilise, vaid üksikasjaliku pildi järele, mis viib geomeetrilise stiili kriisi ja uute vormide tekkimiseni arhailise perioodi monumentides. 7-6 sajand eKr. e.

Plastiliste mahtude massiivsust arhailises skulptuuris pehmendavad tavaliselt dekoratiivsed detailid ja koloriit. Ornamentaalselt on lahendatud Medusa juuste lokid, madude keerdud, patsid, koletise rinnale laskuvad sõrmused. Medusat vöötavad maod moodustavad keeruka ja keeruka mustri. Röövellikud, kuid mitte kohutavad pantrid, kelle nahad olid kaetud erksavärviliste ringidega, puudutavad katust seljaga ja neid tajutakse selle rekvisiitidena. Siin, nagu ka teistes arhailiste frontoonide kompositsioonides, on märgata skulptuuri tugevat allutamist arhitektuurile, nurgafiguurid on tavaliselt väiksemad kui kesksed. Eelistatakse sümmeetriat, rõhuasetusega keskfiguuril, mis asub frontooni harja all. Mõned arhailisel ajal Ateena akropolil seisnud frontoonikompositsioonid ja templid on säilinud. Üks vanimaid on pilt Heraklesest, kes võidab Lernea hüdra. Teisel Akropolise templis - Hekatompedonis - näidatakse merekoletise Tritoniga võitlevat Heraklest kükitamas ja vaenlast maapinnale surumas. Tritopaatori, kolme inimkehaga hea deemoni kuju on omistatud samale templile. Deemoni rahumeelsetel armsatel nägudel on värvus hästi säilinud, juuksed peas ja habemes on sinised, silmad rohelised, kõrvad, huuled ja põsed punased. Tihedad värvikihid varjasid lubjakivi karedust (poorsust).

Kreeklaste kunsti põhiteema on ennekõike mees, kes on esindatud jumala, kangelase, sportlase kujul. Juba arhailisuse alguses on inimese kujutamisel 7. sajandi lõpul eKr lühiajaline gigantismipuhang. e. Phazosel, Naxosel, Delosel. Arhailise skulptuuri monumentides kasvab plastilisus, asendades geomeetria kujunditele omase skemaatilise. See tunnus ilmneb Teebast pärit Apollo pronkskujul, kus on märgata õlgade ümarus, puusad ja juuste vaoshoitud ornament.

7. sajandi keskel eKr. e. skulptorid pöörduvad marmori poole, mis on inimkeha kujutamiseks sobivaim materjal, mis on pealt kergelt läbipaistev, seejärel valge, seejärel kauni paatinaga kreemjas, tekitades kehalise reaalsuse tunde. Meistrid on hakanud eemalduma konventsionaalsusest, mida võimendas värvilise lubjakivi kasutamine.

Üks esimesi marmorkujusid, mis leiti kreeklaste suurest usukeskusest Delose, Artemise kujust, on täis suurt mõjujõudu. Pilt on lihtne ja samal ajal monumentaalne ja pühalik. Sümmeetria ilmneb kõiges: juuksed jagunevad vasakule ja paremale neljaks lokireaks, mis on tihedalt käe keha külge surutud. Vormide ülima kokkuvõtlikkusega saavutab meister mulje jumaluse rahulikust imperatiivsusest.

Soov näidata skulptuuris ilusat, täiuslikku meest, olgu ta võitis võistlusi, kas ta langes vapralt lahingus oma kodulinna eest või sarnanes jõu ja ilu jumalusega - viis selle ilmumiseni 7. sajandi lõpus. alasti noorte marmorskulptuuridest - kouros. Lihaselised ja tugevad, enesekindlad on Argos Cleobise ja Bitoni Polymedes. Skulptorid hakkavad kujundit kujutama liikumas ja noormehed astuvad vasaku jalaga ette.

Arhailistel meistritel on soov edasi anda tunnete liikumist, naeratust inimese või jumaluse näol. Naiivne arhailine naeratus puudutab Hera jooni, kelle suur paekivist raiutud pea leiti Olümpiast. Meister näitas huulte kõverust, võib-olla ka seetõttu, et kõrget kuju alt vaadates tunduksid nende piirjooned ranged.

Hilisarhailised meistrid pöörduvad keeruliste plastiliste ülesannete poole, püüdes näidata inimest tegevuses – ratsutamas või looma altari ette toomas.

Moschophorose marmorkujul on kujutatud kreeklast, vasikas kohusetundlikult õlgadel. Ateenlase nägu valgustab rõõmusära. Näib, et ta ei ohverda vasikat, vaid pühendab jumalusele oma kõige kallimad tunded.

Kunstnikud 7.-6. sajandil eKr. e. kasutatud erinevaid materjale. Nad lõid oma kompositsioonid savimetoopidele, puittahvlitele (ohvri stseen Sikyonist), väikestele jumalatele pühendatud savitahvlitele (Athena), maalitud savisarkofaagide seintele (Klazomena), lubjakivi- ja marmorist hauakividele (Lysia stele, Sounion stele). Kuid selliseid monumente, kus maal on kantud tasasele pinnale, pole palju ja paremini säilisid joonised vaaside kerapindadel, mis põletati, mis aitasid kaasa värvi vastupidavusele.

8. sajandi lõpus eKr. e. Kreeka ühiskonnas kujunesid välja uued maitsed ja huvid. Lihtsustatud, tingimuslikud geomeetrilised kujutised ei rahuldanud enam; joonistustes vaasidel, kunstnikud 7. sajandist eKr. e. hakkas ohtralt juurutama taimemotiive ja süžeestseene. Väike-Aasia ida lähedus väljendus kompositsioonide dekoratiivsuses ja säras, mis pani meid nimetama 7. sajandi eKr vaasimaali stiili. e. orientaliseeriv ehk vaip. Kunstiliselt täiuslikke anumaid valmistati Kreetal, Delose, Melose, Rhodose saartel ja Väike-Aasia linnades. 7. sajandil ja 6. sajandi alguses oli vaaside tootmise peamine keskus Korintose linn ja 6. sajandil Ateena.

7. sajandil muutuvad vaaside vormid mitmekesisemaks, kuid märgatav on kalduvus ümaratele kontuuridele. Samasugune köiterikkuse kasv toimus skulptuuris ja arhitektuuris. Õhukesed puittoed andsid teed täidlasele kivisambale entaasiga. Keerulisemaks muutus 7. sajandi vaasidele jooniste joonistamise tehnika, rikkamaks kunstniku palett. Lisaks mustale lakile kasutati detailide tähistamiseks valget värvi, eri tooni lillat ja kriimustust.

Apollot koos muusade ja Artemisega, mis on kujutatud Meliuse anumal, pole kujutatud nii skemaatiliselt kui geomeetrilistes kompositsioonides. Selle aja maalidel on märgata meistrite imetlust maailma eredate värvide vastu. Joonistused on nii dekoratiivsed ja ornamentidest küllastunud, nagu silmatorkavate epiteetidega Homerose hümnid sellest impulsist. Mehelikkust on neis vähem kui geomeetrilistes stseenides, kuid lüüriline printsiip on tugevam. Selle aja vaasidel olevate kompositsioonide olemus on kooskõlas Sappho luulega.

Palmettide, ringide, ruutude, looklevate, spiraalsete kõõlustega mustrite elegantsis kerkib esile stiliseeritud looduse aroom, mis läbib dekoraatori - vaasimaalija tunde. Ornamentatsioon, mis on selle perioodi jooniste eripära, tungib kujundlikesse kujunditesse ja neelab neid, lahustab need nende motiivide meloodilistes rütmides. Inimeste ja loomade kontuurid on ornamentaalsed, tühimikud figuuride ja esemete vahel on vaevaliselt mustritega täidetud.

Maaling saare laevadel lebab nagu kirju vaip. Mahlase ja paisuva Odosia kannu – oinochoe – pind on jagatud friisideks – triipudeks, mille peal on korrapäraselt välja ulatuvad loomad. Eriti sageli on Odosia vaasid kujutatud üksteise järel karjatavaid või rahulikult jalutavaid loomi, linde, mõnikord tõelisi, kuid sageli fantastilisi - sfinkse, kaunite dünaamiliste elastsete kontuuridega sireene.

Vana-Kreeka kunstist sai tugi ja alus, millel kasvas kogu Euroopa tsivilisatsioon. Vana-Kreeka skulptuur on eriline teema. Ilma iidse skulptuurita poleks renessansi hiilgavaid meistriteoseid ja tõepoolest edasine areng seda kunsti on raske ette kujutada. Kreeka antiikskulptuuri arenguloos võib eristada kolme suurt etappi: arhailine, klassikaline ja hellenistlik. Igal neist on midagi olulist ja erilist. Vaatleme igaüks neist.

arhailine kunst. Tunnused: 1) figuuride staatiline esiasend, mis meenutab Vana-Egiptuse skulptuuri: käed langetatud, üks jalg ettepoole; 2) Skulptuur kujutab noormehi ("kuros") ja tüdrukuid ("koros"), nende nägudel rahulik naeratus (arhailine); 3) Kourosid kujutati alasti, koored olid alati riides ja skulptuurid maalitud; 4) Juuste salkude kujutamise oskus, hilisemates skulptuurides - naisefiguuride eesriide voldid.

Arhailine periood hõlmab kolme sajandit – 8. kuni 6. sajandini eKr. e. See on iidse skulptuuri aluste kujunemise, kaanonite ja traditsioonide kehtestamise periood. Periood tähistab väga tinglikult varajase antiikkunsti raamistikku. Tegelikult on arhailisuse algust näha juba 9. sajandi eKr skulptuurides ja palju arhailisuse märke on näha 4. sajandi eKr monumentidel. Varase antiikaja meistrid kasutasid oma töös mitmesuguseid materjale. Säilinud on puidust, paekivist, terrakotast, basaltist, marmorist ja pronksist valmistatud skulptuurid. Arhailise skulptuuri võib jagada kaheks põhikomponendiks: kora (naisfiguurid) ja kouros (meesfiguurid). Arhailine naeratus on eriline naeratuse tüüp, mida kasutasid Kreeka arhailised skulptorid, eriti 6. sajandi teisel veerandil. eKr e. , võib-olla demonstreerimaks, et pildi subjekt on elus. See naeratus on tasane ja tundub üsna ebaloomulik, kuigi see on märk skulptuurikunsti evolutsioonist realismi ja selle otsingute suunas.

Peaaegu kõigi naistekujude puhul on tavaline nurk. Kõige sagedamini näib koor esiosa püsti, käed on sageli mööda keha langetatud, harva rinnal ristatud või pühad atribuudid (oda, kilp, mõõk, võlukepp, vili jne) käes. Tema näol on arhailine naeratus. Keha proportsioonid on üldskemaatilistest ja üldistatud kujunditest hoolimata piisavalt edasi antud. Kõik skulptuurid peavad olema maalitud.

Kuros Ajastu meesskulptuure iseloomustab range eesmine poos, sageli on vasak jalg ettepoole lükatud. Käed on mööda keha langetatud, käed surutud rusikasse, ettepoole sirutatud kätega skulptuure, justkui ohverdades, on vähem levinud. Teine arhailiste meeskujude asendamatu tingimus on keha täpne sümmeetria. Väliselt on meesskulptuuridel palju ühist Egiptuse kujudega, mis viitab Egiptuse esteetika ja traditsioonide tugevale mõjule iidsele kunstile. Teadaolevalt olid esimesed kurosad valmistatud puidust, kuid ainsatki puuskulptuuri pole säilinud. Hiljem õppisid kreeklased, kuidas kivi töödelda, nii et kõik säilinud kouroi on valmistatud marmorist.

Klassikaline kunst. Omadused: 1) lõpetas otsimise viisi, kuidas kujutada liikuvat inimfiguuri, mis oleks oma proportsioonides harmooniline; töötati välja "vastuposti" asend - kehaosade liigutuste tasakaal puhkeasendis (ühele jalale toega vabalt seisev figuur); 2) skulptor Poliklet arendab kontrapposta teooriat, illustreerides oma tööd selles asendis skulptuuridega; 3) 5. saj. eKr e. inimest kujutatakse harmoonilise, idealiseeritud, reeglina noore või keskealisena, näoilme on rahulik, ilma miimikakortsude ja voltideta, liigutused vaoshoitud, harmoonilised; 4) 4. saj. eKr e. figuuride plastilisuses on suurem dünaamilisus, ühtlane teravus; v skulptuursed pildid hakata näitama näo ja keha individuaalseid omadusi; ilmub skulptuur.

5. sajandit klassikalise perioodi Kreeka skulptuuri ajaloos võib nimetada "sammuks edasi". Vana-Kreeka skulptuuri areng sel perioodil on seotud selliste kuulsate meistrite nimedega nagu Myron, Policlet ja Phidias. Nende loomingus muutuvad kujundid realistlikumaks, kui võib öelda isegi “elusaks”, kahaneb arhailisele skulptuurile omane skematism. Kuid peamised "kangelased" on jumalad ja "ideaalsed" inimesed. Enamik selle ajastu skulptuure on seotud iidse plastilise kunstiga. Klassikalise Kreeka meistriteoseid eristavad harmoonia, ideaalsed proportsioonid (mis viitab suurepärastele teadmistele inimese anatoomiast), aga ka sisemine sisu ja dünaamika.

Argoses töötanud Polikleitos 5. sajandi teisel poolel. eKr e, on Peloponnesose koolkonna silmapaistev esindaja. Klassikalise perioodi skulptuur on rikas tema meistriteoste poolest. Ta oli pronksskulptuuri meister ja suurepärane kunstiteoreetik. Poliklet eelistas kujutada sportlasi, milles lihtsad inimesed alati näinud ideaali. Tema tööde hulgas on "Doryfori" ja "Diadumeni" kujud. Esimene teos on tugev odaga sõdalane, rahuliku väärikuse kehastus. Teine on sihvakas noormees, võistluste võitja side peas.

Myron, kes elas 5. sajandi keskel. eKr e, on meile teada jooniste ja rooma koopiate järgi. See geniaalne meister valdas suurepäraselt plastilisust ja anatoomiat, andis oma teostes selgelt edasi liikumisvabaduse (“Diskoheitja”).

Skulptor püüdis näidata kahe vastandi võitlust: rahulikkust Ateena ees ja metsikust Marsyase ees.

Phidias on klassikalise perioodi skulptori teine ​​silmapaistev esindaja. Tema nimi kõlas eredalt Kreeka klassikalise kunsti õitseajal. Tema kuulsaimad skulptuurid olid Athena Parthenose ja Zeusi kolossaalsed kujud olümpiatemplis, Ateena Promachos, mis asusid Ateena akropoli väljakul. Need kunsti meistriteosed on pöördumatult kadunud. Ainult kirjeldused ja vähendatud Rooma koopiad annavad meile nõrga ettekujutuse nende monumentaalsete skulptuuride suurejoonelisusest.

Vana-Kreeka skulptuur näitas füüsilist ja sisemine ilu ja inimlik harmoonia. Juba 4. sajandil, pärast Aleksander Suure vallutusi Kreekas, said tuntuks uued andekate skulptorite nimed. Selle ajastu loojad hakkavad rohkem tähelepanu pöörama inimese sisemisele seisundile, tema psühholoogilisele seisundile ja emotsioonidele.

Klassikalise perioodi kuulus skulptor oli Scopas, kes elas 4. sajandi keskel eKr. Ta teeb uuendusi paljastades sisemaailm inimesest, püüab skulptuurides kujutada rõõmu, hirmu, õnne emotsioone. Ta ei kartnud eksperimenteerida ja kujutas inimesi erinevates keerulistes poosides, otsides uusi kunstilisi võimalusi uute tunnete kujutamiseks inimnäol (kirg, viha, raev, hirm, kurbus). Maenadi kuju on suurepärane ümarplastika looming, praegu on säilinud selle Rooma koopia. Uus ja mitmetahuline reljeefteos on Amazonomachia, mis kaunistab Halicarnassuse mausoleumi Väike-Aasias.

Praxiteles oli klassikalise perioodi silmapaistev skulptor, kes elas Ateenas umbes 350 eKr. Kahjuks on meieni jõudnud vaid Hermese kuju Olümpiast ja ülejäänud teostest teame vaid Rooma koopiatest. Praxiteles, nagu ka Scopas, püüdis edasi anda inimeste tundeid, kuid ta eelistas väljendada rohkem "kergeid" emotsioone, mis olid inimesele meeldivad. Ta kandis lüürilisi emotsioone, unenäolisust skulptuuridesse, laulis inimkeha ilu. Skulptor ei moodusta liikuvaid figuure.

Tema teostest väärib märkimist "Puhkav satyr", "Cniduse Aphrodite", "Hermes koos imiku Dionysosega", "Apollo tapab sisaliku".

Lysippus (4. sajandi teine ​​pool eKr) oli klassikalise perioodi üks suurimaid skulptoreid. Ta eelistas töötada pronksiga. Vaid Rooma koopiad annavad meile võimaluse tema loominguga tutvuda.

Kuulsatest teostest on "Herakles metskitsega", "Apoksiomen", "Hermes puhkab" ja "Maadleja". Lysippus teeb proportsioonimuutusi, ta kujutab väiksemat pead, saledamat keha ja pikemaid jalgu. Kõik tema tööd on individuaalsed, ka Aleksander Suure portree on humaniseeritud.

Hellenismiajastu väikeskulptuur oli laialt levinud ja koosnes küpsetatud savist (terrakota) valmistatud inimfiguuridest. Neid kutsuti Tanagra terrakotadeks, nende tootmiskoha, Tanagra linna järgi Boiootias.

Hellenistlik kunst. Tunnused: 1) Klassikalise perioodi harmoonia ja liigutuste kaotus; 2) Figuuride liigutused omandavad väljendunud dünaamilisuse; 3) Inimese kujundid skulptuuris kalduvad edasi andma individuaalseid jooni, naturalismiiha, looduse harmoniseerimisest kõrvalekaldumist; 4) Pühakodade skulptuurses kaunistuses on säilinud endine “kangelaslik”; 5) vormide, mahtude, voltide, looduse "elujõu" ülekandmise täiuslikkus.

Sel ajal kaunistas skulptuur eramaju, ühiskondlikke hooneid, väljakuid, akropole. Hellenistlikku skulptuuri iseloomustab rahutuse ja pinge vaimu peegeldus ja avalikustamine, iha pompoossuse ja teatraalsuse järele ning kohati konarlik naturalism. Pergamoni koolkond arendas Scopase kunstilisi põhimõtteid tema huviga tunnete vägivaldsete ilmingute, kiirete liigutuste edasiandmise vastu. Üks hellenismi silmapaistvamaid ehitisi oli monumentaalne Pergamoni altari friis, mille ehitas Eumenes 2 180. aastal eKr saavutatud võidu auks galliade üle. e. Selle soklit kattis 120 m pikkune friis, mis oli tehtud kõrge reljeefiga ning kujutas Olümpia jumalate ja mässuliste hiiglaste lahingut jalgade asemel madudega.

Julgust kehastavad skulptuurirühmad "Surev gallia", "Gallia tapab end ja tema naist". Silmapaistev hellenismi skulptuur – Agesanderi Milano Aphrodite – poolalasti, range ja ülevalt rahulik.

Vana-Kreeka skulptuur omab erilise koha meistriteoste hulgas kultuuripärand kuuluvad sellele riigile. See ülistab ja kehastab visuaalsete vahendite abil inimkeha ilu, selle ideaali. Kuid mitte ainult joonte sujuvus ja graatsia on Vana-Kreeka skulptuuri iseloomulikud jooned. Selle loojate oskus oli nii suur, et nad suutsid ka külmas kivis edasi anda erinevaid emotsioone, anda figuuridele sügav, eriline tähendus, justkui hingates neile elu sisse. Igal Vana-Kreeka skulptuuril on saladus, mis siiani köidab. Suurte meistrite looming ei jäta kedagi ükskõikseks.

Nagu teisedki kultuurid, läbis see oma arengus erinevaid perioode. Igaüht neist iseloomustasid muutused igat tüüpi kaunites kunstides, sealhulgas skulptuuris. Seetõttu on võimalik jälgida seda tüüpi kunsti kujunemise peamisi etappe, iseloomustades lühidalt Vana-Kreeka skulptuuri tunnuseid selle riigi ajaloolise arengu erinevatel perioodidel.

arhailine periood

Aeg 8.–6. sajandist eKr. Vana-Kreeka skulptuurile oli sel ajal iseloomulik ürgsus. Täheldati, kuna teostes kehastatud kujundid ei erinenud mitmekesisuselt, olid liiga üldistatud ja neid kutsuti kors, noormehed - kuros).

Apollon Teneast

Tenea Apolloni kuju on kuulsaim kõigist selle ajastu kujudest, mis on jõudnud meie ajani. Kokku on neid praegu teada mitukümmend. See on valmistatud marmorist. Apollot on kujutatud noormehena, käed maas, sõrmed rusikasse surutud. Tema silmad on pärani ja tema näol peegeldub sellesse perioodi kuuluvatele skulptuuridele omane arhailine naeratus.

naisfiguurid

Naiste ja tüdrukute kujutisi eristasid lainelised juuksed, pikad riided, kuid enim köitis neid joonte elegantsus ja sujuvus, armu kehastus, naiselikkus.

Arhailistel Vana-Kreeka skulptuuridel oli teatav ebaproportsionaalsus, skemaatiline. Iga töö seevastu on atraktiivne vaoshoitud emotsionaalsuse ja lihtsusega. Sellele ajastule on inimfiguuride kujutamisel, nagu juba märkisime, iseloomulik poolne naeratus, mis annab neile sügavuse ja salapära.

Täna Berliini osariigi muuseumis asuv "Granaatõunaga jumalanna" on teiste arhailiste skulptuuride seas üks paremini säilinud figuure. Kujutise "valede" proportsioonide ja välise kareduse abil tõmbavad publiku tähelepanu autori suurepäraselt teostatud käed. Ekspressiivne žest muudab skulptuuri eriti ilmekaks ja dünaamiliseks.

"Pireuse Kouros"

Ateena muuseumis asuv "Pireuse Kouros" on hilisem, seega täiuslikum looming, mille on teinud iidne skulptor. Meie ees ilmub noor võimas sõdalane. ja pea kerge kallutamine viitab vestlusele, mida ta peab. Katkised proportsioonid pole enam nii silmatorkavad. Arhailistel Vana-Kreeka skulptuuridel, nagu me juba mainisime, on üldistatud näojooned. See näitaja pole aga nii märgatav kui varaarhailisse perioodi kuuluvas loomingus.

klassikaline periood

Klassikaline periood on 5.–4. sajand eKr. Vana-Kreeka skulptuuri teosed läbisid sel ajal mõningaid muudatusi, millest me nüüd räägime. Selle perioodi skulptorite seas on üks kuulsamaid tegelasi Pythagoras Rhegius.

Pythagorase skulptuuride tunnused

Tema loomingut iseloomustab realism ja elavus, mis olid tollal uuenduslikud. Mõnda selle autori teost peetakse selle ajastu jaoks isegi liiga julgeks (näiteks kildu välja võtva poisi kuju). Meele kiirus ja erakordne anne võimaldasid sellel skulptoril matemaatilisi arvutusmeetodeid kasutades uurida harmoonia tähendust. Ta viis need läbi enda asutatud filosoofilise ja matemaatilise koolkonna alusel. Pythagoras uuris neid meetodeid kasutades erinevat laadi harmooniat: muusikalisi, arhitektuurilisi struktuure, inimkeha. Seal oli Pythagorase koolkond, mis põhines arvu põhimõttel. Et seda peeti maailma aluseks.

Teised klassikalise perioodi skulptorid

Klassikaline periood andis maailmakultuurile lisaks Pythagorase nimele ka selliseid kuulsad meistrid nagu Phidias, Polykleitos ja Myron. Nende autorite Vana-Kreeka skulptuuri töid ühendab järgmine üldpõhimõte – ideaalse keha ja selles sisalduva kauni hinge harmoonia peegeldus. Just see põhimõte on peamine, millest erinevad tolleaegsed meistrid loomingut luues juhtisid. Vana-Kreeka skulptuur on harmoonia ja ilu ideaal.

Myron

Suur mõju Ateena kunstile 5. sajandil eKr. e. renderdas Myroni tööd (piisab, kui meenutada kuulsat pronksist valmistatud Discobolust). Erinevalt Polykleitosest, kellest me hiljem räägime, meeldis sellele meistrile kujutada liikuvaid figuure. Näiteks ülaltoodud Discoboluse kujus, mis pärineb 5. sajandist eKr. e., ta kujutas nägusat noormeest hetkel, kui ta ketasviskamise nimel kõikus. Tema keha on pinges ja kõver, liikumisest haaratud, nagu vedru, mis on valmis lahtirulluma. Treenitud lihased paisusid selja nõtke naha all. Moodustades usaldusväärse toe, läksid nad sügavale liiva sisse. Selline on Vana-Kreeka skulptuur (Discobolus). Kuju valati pronksist. Meieni on aga jõudnud ainult roomlaste valmistatud marmorkoopia originaalist. Alloleval pildil on kujutatud selle skulptori Minotauruse kuju.

Polykleitos

Vana-Kreeka Polykleitose skulptuuril on järgmine iseloomulik tunnus- inimese kuju, kes seisab ühel jalal üles tõstetud käega, tasakaal on omane. Selle meisterliku kehastuse näide on odamehe Doryphorose kuju. Polikleitos püüdis oma töödes ühendada ideaalsed füüsilised andmed vaimsuse ja iluga. See soov inspireeris teda avaldama oma traktaadi nimega "Canon", mis kahjuks pole meie ajani säilinud.

Polykleitose kujud on täis intensiivset elu. Talle meeldis kujutada sportlasi puhkeolekus. Näiteks "Odamees" on võimas mees, kes on täis enesehinnangut. Ta seisab liikumatult vaataja ees. See rahu pole aga staatiline, omane Vana-Egiptuse kujudele. Nagu mees, kes lihtsalt ja oskuslikult oma keha valitseb, painutas odamees veidi jalga, liigutades selle kere teisele raskusele. Tundub, et läheb natuke aega ja ta pöörab pea ja astub edasi. Meie ees ilmub ilus, tugev mees, hirmuvaba, vaoshoitud, uhke – kreeklaste ideaalide kehastus.

Phidias

Phidiast võib õigusega pidada suureks loojaks, skulptuuri loojaks, mis pärineb 5. sajandist eKr. e. Just tema suutis täiuslikult omandada pronksivalu. Phidias valas 13 skulptuurifiguuri, millest said Apollo Delfi templi väärilised kaunistused. Selle meistri tööde hulgas on ka Parthenonis asuv Neitsi Ateena kuju, mille kõrgus on 12 meetrit. See on valmistatud elevandiluust ja puhtast kullast. Seda kujude valmistamise tehnikat nimetati krüsoelevantiiniks.

Selle meistri skulptuurid peegeldavad eriti tõsiasja, et Kreekas on jumalad ideaalse inimese kujundid. Phidiase töödest on kõige paremini säilinud 160-meetrine friisreljeefi marmorlint, mis kujutab jumalanna Athena rongkäiku, mis suundub Parthenoni templisse.

Ateena kuju

Selle templi skulptuur sai tugevalt kannatada. Isegi iidsetel aegadel suri See kuju seisis templis. Loodud Phidiase poolt. Vana-Kreeka Athena skulptuuril olid järgmised tunnused: tema ümara lõua ja sileda madala laubaga pea, samuti käed ja kael olid elevandiluust ning kiiver, kilp, riided ja juuksed olid valmistatud linadest. kullast.

Selle kujuga on seotud palju lugusid. See meistriteos oli nii kuulus ja suurepärane, et Phidias tekkis kohe palju kadedaid inimesi, kes püüdsid igal võimalikul viisil skulptorit häirida, mille pärast otsiti põhjust teda milleski süüdistada. Seda meistrit süüdistati näiteks selles, et ta varjas osa Athena skulptuurile mõeldud kullast. Phidias eemaldas oma süütuse tõestuseks kõik kuldsed esemed kuju küljest ja kaalus need. See kaal langes täpselt kokku talle antud kulla kogusega. Siis süüdistati skulptorit jumalatuses. Selle põhjuseks oli Athena kilp. See kujutas lahingustseeni kreeklaste amatsoonidega. Kreeklaste seas kujutas Phidias ennast, aga ka Periklest. Kreeka avalikkus, hoolimata selle meistri kõigist eelistest, oli talle siiski vastu. Selle skulptori elu lõppes julma hukkamisega.

Phidiase saavutusi ei ammendanud Parthenonis tehtud skulptuurid. Niisiis lõi ta pronksist Athena Promachose kuju, mis püstitati umbes 460 eKr. e. akropolis.

Zeusi kuju

Tõeline kuulsus sai Phidias pärast seda, kui see meister lõi Olümpias asuva templi jaoks Zeusi kuju. Figuuri kõrgus oli 13 meetrit. Paljud originaalid pole kahjuks säilinud, tänapäevani on säilinud vaid nende kirjeldused ja koopiad. Seda soodustas paljuski kristlaste fanaatiline hävitamine. Ka Zeusi kuju ei jäänud säilima. Seda saab kirjeldada järgmiselt: kuldsel troonil istus 13-meetrine kuju. Jumala pea oli kaunistatud oliiviokstest pärjaga, mis oli tema rahulikkuse sümbol. Rind, käed, õlad, nägu olid elevandiluust. Zeusi kuub on visatud üle vasaku õla. Habe ja kroon on sädelevast kullast. Selline on see Vana-Kreeka skulptuur, lühidalt kirjeldatud. Tundub, et jumal, kui ta püsti tõuseb ja õlad sirgu ajab, ei mahu sellesse avarasse saali – lagi jääb tal madalaks.

Hellenistlik periood

Vana-Kreeka skulptuuri arenguetapid lõpetab hellenistlik. See periood on aeg Vana-Kreeka ajaloos 4. kuni 1. sajandini eKr. Skulptuur oli tollal endiselt mitmesuguste kaunistamise peamine eesmärk arhitektuursed struktuurid. Kuid see peegeldas ka riigijuhtimises toimunud muutusi.

Skulptuuris, mis oli tol ajal üks peamisi kunstiliike, tekkis lisaks palju suundi ja koolkondi. Need eksisteerisid Rhodosel, Pergamonis, Aleksandrias. Parimad tööd Nende koolkondade esitletud probleemid peegeldavad probleeme, mis selle ajastu inimeste meeli muretsesid. Need kujundid, erinevalt klassikalisest rahulikust eesmärgipärasusest, kannavad endas kirglikku paatost, emotsionaalset pinget ja dünaamikat.

Ida tugevat mõju kogu kunstile tervikuna iseloomustab hiliskreeka antiikaeg. Ilmuvad Vana-Kreeka skulptuuri uued jooned: arvukad detailid, peened eesriided, keerulised nurgad. Ida temperament ja emotsionaalsus tungivad läbi klassika suursugususe ja rahulikkuse.

Rooma muuseumis asuv vann "Kürene Aphrodite" on täis sensuaalsust, mõningast koketeerimist.

"Laocoon ja tema pojad"

Sellesse ajastusse kuuluv kuulsaim skulptuurikompositsioon on Laocoön ja tema pojad, mille on koostanud Rhodose Agesander. Seda meistriteost hoitakse praegu Vatikani muuseumis. Kompositsioon on täis dramaatilisust ja süžee viitab emotsionaalsusele. Athena saadetud madudele meeleheitlikult vastu seisev kangelane ja tema pojad näivad mõistvat nende kohutavat saatust. See skulptuur on tehtud erakordse täpsusega. Realistlikud ja plastilised figuurid. Tegelaste näod jätavad tugeva mulje.

Kolm suurepärast skulptorit

Skulptorite töödes, mis pärinevad 4. sajandist eKr. e., humanistlik ideaal säilib, kuid tsiviilkollektiivi ühtsus kaob. Vana-Kreeka skulptuurid ja nende autorid on kaotamas elutäiuse tunnet ja maailmavaate terviklikkust. Suured meistrid, kes elasid 4. sajandil eKr. e. luua kunsti, mis paljastab vaimse maailma uusi tahke. Neid otsinguid väljendasid kõige selgemalt kolm autorit – Lysippus, Praxiteles ja Skopas.

Scopas

Skopasest sai ülejäänud tol ajal tegutsenud skulptorite seas silmapaistvaim isiksus. Tema kunstis hingavad sügavad kahtlused, võitlus, ärevus, impulss ja kirg. See Parose saare põliselanik töötas paljudes Hellase linnades. Selle autori oskused kehastusid kujus nimega "Nike of Samothrace". See nimi saadi võidu mälestuseks aastal 306 eKr. e. Rhodose laevastik. See kujund on paigaldatud pjedestaalile, mis meenutab laeva vööri kujundust.

Scopase "Dancing Maenad" on esitatud dünaamilises ja keerulises perspektiivis.

Praxiteles

Sellel autoril oli erinev loominguline algus, see autor laulis keha sensuaalset ilu ja elurõõmu. Praxiteles nautis suurt kuulsust, oli rikas. See skulptor on kõige paremini tuntud Aphrodite kuju järgi, mille ta tegi Cniduse saare jaoks. Ta kujutas esimest korda alasti jumalannat Kreeka kunstis. Praxitelese armastatud kaunis Phryne, kuulus hetaera, oli Aphrodite kuju eeskujuks. Seda tüdrukut süüdistati jumalateotuses ja tema ilu imetlevad kohtunikud mõistsid ta seejärel õigeks. Praxiteles on laulja naiselik ilu austasid kreeklased. Kahjuks on Cniduse Aphrodite meile teada vaid koopiate järgi.

Leohar

Leohar – Ateena meister, suurim Praxitelese kaasaegsetest. See skulptor, kes töötas mitmesugustes Kreeka poliitikates, lõi mütoloogilisi stseene ja jumalate kujutisi. Ta valmistas mitu krüsoelevanti tehnikas portreekuju, mis kujutasid kuninga perekonna liikmeid. Pärast seda sai temast oma poja Aleksander Suure õukonnameister. Sel ajal lõi Leochar Apolloni kuju, mis oli antiikajal väga populaarne. Seda säilitati roomlaste valmistatud marmorkoopias ja Apollo Belvedere nime all saavutas see maailmakuulsuse. Leohar demonstreerib kogu oma loomingus virtuoosset tehnikat.

Pärast Aleksander Suure valitsusaega sai hellenismiajastust portreekunsti kiire õitsemise periood. Linnade väljakutele püstitati erinevate kõnemeeste, poeetide, filosoofide, kindralite, riigimeeste kujusid. Meistrid soovisid saavutada välist sarnasust ja samal ajal rõhutada välimuses neid jooni, mis muudavad portree tüüpiliseks pildiks.

Teised skulptorid ja nende looming

Klassikalised skulptuurid said eeskujuks hellenismiajastul tegutsenud meistrite loomingust. Tolleaegsetes töödes on selgelt näha gigantomaania ehk soov kehastada ihaldatud pilti tohutus kujus. Eriti sageli avaldub see Vana-Kreeka jumalate skulptuuride loomisel. Jumal Heliose kuju on selle suurepärane näide. See on valmistatud kullatud pronksist, torniga Rhodose sadama sissepääsu juures. Skulptuuri kõrgus on 32 meetrit. Lysippose õpilane Chares töötas selle kallal väsimatult 12 aastat. See kunstiteos on võtnud endale õige koha maailmaimede nimekirjas.

Paljud kujud viidi pärast Vana-Kreeka hõivamist Rooma vallutajate poolt sellest riigist välja. Seda saatust tabasid mitte ainult skulptuurid, vaid ka maalikunsti meistriteosed, keiserlike raamatukogude kogud ja muud kultuuriobjektid. Jäädvustati palju inimesi, kes töötasid hariduse ja teaduse vallas. Kultuuris Vana-Rooma, seega põimunud, millel on oluline mõju selle arengule, erinevad elemendid kreeka keeles.

Järeldus

Muidugi tegid Vana-Kreeka kogetud erinevad arenguperioodid skulptuuride kujunemise protsessis oma kohandusi, kuid üks asi ühendas eri ajastutesse kuuluvaid meistreid - soov mõista kunstis ruumilisust, armastus väljenduse vastu, kasutades erinevaid plastilisuse tehnikaid. inimkehast. Vana-Kreeka skulptuur, mille foto on ülaltoodud, on kahjuks tänapäevani säilinud vaid osaliselt. Vaatamata haprusele oli marmor sageli figuuride materjaliks. Ainult nii sai edasi anda inimkeha ilu ja elegantsi. Pronksi, kuigi see oli usaldusväärsem ja õilsam materjal, kasutati palju harvemini.

Vana-Kreeka skulptuur ja maal on originaalsed ja huvitavad. Erinevad kunstinäited annavad aimu selle riigi vaimsest elust.

Vana-Kreeka skulptuuri klassikaline periood langeb 5.-4. sajandisse eKr. (varaklassika ehk "range stiil" - 500/490 - 460/450 eKr; kõrge - 450 - 430/420 eKr; "rikas stiil" - 420 - 400/390 eKr Hilisklassika 400/390 - OKEI. 320 pKr eKr e.). Kahe ajastu – arhailise ja klassikalise – vahetusel on Aegina saarel Athena Aphaia templi skulptuurne kaunistus. . Läänefrontooni skulptuurid pärinevad templi rajamise ajast (510. 500 aastat eKr e.), teise ida skulptuurid, asendades endised, - varaklassikalise ajani (490 - 480 eKr). Vana-Kreeka varajaste klassikute skulptuuri keskne monument on Olümpia Zeusi templi frontoonid ja metoobid (umbes 468 - 456 eKr e.). Teine märkimisväärne varajase klassiku töö on niinimetatud "Ludovisi troon", kaunistatud reljeefidega. Sellest ajast pärines ka hulk pronksist originaale - "Delphic Charioteer", Poseidoni kuju Cape Artemisiumilt, pronksid Riacest . Varase klassika suurimad skulptorid - Pythagoras Rhegian, Calamis ja Myron . Me hindame kuulsate Kreeka skulptorite töid peamiselt kirjanduslike tõendite ja nende teoste hilisemate koopiate järgi. Kõrgklassikat esindavad Phidiase ja Polykleitose nimed . Selle lühiajaline õitseaeg on seotud tööga Ateena Akropoli kallal, see tähendab Parthenoni skulptuuride kaunistamisega. (tulid frontoonid, metoobid ja zophoros, 447 - 432 eKr). Vana-Kreeka skulptuuri tipp oli ilmselt krüsoelevantiin Athena Parthenose kujud ja Phidiase Zeus Olympus (mõlemad pole säilinud). "Rikkalik stiil" on iseloomulik Callimachuse, Alkameni teostele, Agoracritus ja teised 5. sajandi skulptorid. eKr e .. Selle iseloomulikud mälestised on Ateena Akropoli väikese Nike Apterose templi balustraadi reljeefid (umbes 410 eKr) ja mitmed hauasteeed, mille hulgas on kõige kuulsam Gegeso stele. . Vana-Kreeka hilisklassikute skulptuuri olulisemateks teosteks on Epidaurose Asclepiuse templi kaunistused (umbes 400 - 375 eKr), Athena Alei tempel Tegeas (umbes 370 - 350 eKr), Artemise tempel Efesoses (umbes 355 - 330 eKr) ja mausoleum Halicarnassoses (umbes 350 eKr), mille skulptuurse kaunistuse kallal töötasid Skopas, Briaxides, Timothy ja Leohar . Viimasele on omistatud ka Apollo Belvedere kujud. ja Diana Versailles'st . Leidub ka mitmeid 4. sajandist eKr pronksist originaale. eKr e. Hilisklassika suurimad skulptorid on Praxitel, Skopas ja Lysippus, suures osas aimates järgnevat hellenismi ajastut.

Kreeka skulptuur säilis osaliselt fragmentidena ja fragmentidena. Enamik kujusid on meile teada Rooma koopiatest, mida esitati paljudes, kuid mis ei andnud edasi originaalide ilu. Rooma kopeerijad jämedasid ja kuivatasid neid ning muutes pronkstooted marmoriks, moonutasid need kohmakate rekvisiitide abil. Ateena, Aphrodite, Hermese, Satyri suured figuurid, mida me praegu Ermitaaži saalides näeme, on vaid Kreeka meistriteoste kahvatud töötlused. Möödad neist peaaegu ükskõikselt ja jääd järsku mõne katkise ninaga, vigastatud silmaga pea ees seisma: see on kreeka originaal! Ja sellest killust hoovab ühtäkki hämmastav elujõud; marmor ise on teistsugune kui Rooma kujudel - mitte surnud valge, vaid kollakas, läbipaistev, helendav (kreeklased hõõrusid seda ikka vahaga, mis andis marmorile sooja tooni). Nii õrnad on chiaroscuro sulavad üleminekud, nii üllas on näo pehme skulptuur, et tahes-tahtmata meenuvad kreeka poeetide võlud: need skulptuurid tõesti hingavad, nad on tõesti elus * * Dmitrieva, Akimov. Antiikkunst. Esseed. - M., 1988. S. 52.

Sajandi esimese poole skulptuuris, mil peeti sõdu pärslastega, valitses julge, range stiil. Seejärel loodi türanitsiidide kujuline rühm: küps abikaasa ja noormees, kes seisavad kõrvuti, teevad impulsiivse liigutuse edasi, noorem tõstab mõõka, vanem varjab seda mantliga. See on monument ajaloolistele isikutele – Harmodiusele ja Aristogeitonile, kes tappis mõnikümmend aastat varem Ateena türanni Hipparchose – Kreeka kunsti esimene poliitiline monument. Samas väljendab see Kreeka-Pärsia sõdade ajastul lahvatanud kangelaslikku vastupanu- ja vabadusarmastust. "Nad ei ole surelike orjad, nad ei allu kellelegi," ütlevad ateenlased Aischylose tragöödias "Pärslased".

Lahingud, kokkupõrked, kangelaste vägiteod... Varase klassika kunst on täis neid sõjakaid süžeesid. Aeginas asuva Athena templi frontoonidel - kreeklaste võitlus troojalastega. Olümpia Zeusi templi läänepoolsel frontoonil - lapitide võitlus kentauridega, metoopide peal - kõik Heraklese kaksteist tööd. Teine lemmik motiivide kompleks on võimlemisvõistlused; neil kaugetel aegadel oli füüsiline vorm, kehaliigutuste valdamine lahingute tulemusel määrava tähtsusega, nii et sportlikud mängud polnud kaugeltki ainult meelelahutus. Alates 8. sajandist eKr. e. Olümpias peeti võimlemisvõistlusi iga nelja aasta tagant (nende algust hakati hiljem pidama kreeka kronoloogia alguseks) ja 5. sajandil tähistati neid erilise pidulikkusega ning nüüd võtsid osa neist luuletajad, kes lugesid luulet. . Olümpia Zeusi tempel, klassikaline dooria peripert, asus püha piirkonna keskel, kus toimusid võistlused, need algasid Zeusile ohverdamisega. Templi idapoolsel frontoonil kujutas skulptuurne kompositsioon pidulikku hetke enne hobuste võiduajamiste algust: keskel on Zeusi kuju, mõlemal pool seda mütoloogiliste kangelaste Pelopsi ja Enomai kujud, peamine. eelseisval võistlusel osalejad, nurkades on nende nelja hobuse vedatavad vankrid. Müüdi järgi võitis Pelops, kelle auks olümpiamängud asutati, seejärel jätkasid neid, nagu legend ütles, Herakles ise.

Käsivõitluste, ratsutamisvõistluste, jooksuvõistluste, kettaheite teemad õpetasid skulptoreid inimkeha dünaamikas kujutama. Figuuride arhailine jäikus sai ületatud. Nüüd nad tegutsevad, liiguvad; ilmuvad keerulised poosid, julged nurgad ja laiaulatuslikud žestid. Säravaim uuendaja oli pööningu skulptor Myron. Mironi põhiülesanne oli liikumist võimalikult täielikult ja tugevalt väljendada. Metall ei võimalda teha nii täpset ja peent tööd nagu marmor ja võib-olla seepärast pöörduski ta liikumisrütmi leidmise poole. (Rütmi nimetus tähendab kõigi kehaosade liikumise täielikku harmooniat.) Tõepoolest, Miron tabas rütmi suurepäraselt. Sportlaste kujudes ei andnud ta edasi mitte ainult liikumist, vaid üleminekut ühest liikumise etapist teise, justkui peatades hetke. Selline on tema kuulus Disco Thrower. Sportlane kummardus ja kõikus enne viset, sekund - ja ketas lendab, sportlane sirgub. Kuid selleks hetkeks tardus tema keha väga raskesse asendisse, kuid visuaalselt tasakaalus.

Tasakaal, majesteetlik "eetos", on säilinud range stiiliga klassikalises skulptuuris. Figuuride liikumine pole kaootiline, üleliia põnevil ega ka liiga kiire. Isegi võitluse, jooksmise, kukkumise dünaamilistes motiivides ei kao "olümpiarahulikkuse", tervikliku plastilise terviklikkuse tunne, eneseisolatsioon. Siin on Delfist leitud vankrijuhi pronkskuju, mis on üks väheseid hästi säilinud Kreeka originaale. Ta viitab varajane periood range stiil - umbes 470 eKr. e .. See noormees seisab väga sirgelt (seisis vankril ja sõitis hobuste kvadriga), jalad on paljajalu, pika kitioni voldid meenutavad dooria sammaste sügavaid flööte, tema pead katab tihedalt hõbedane side, inkrusteeritud silmad näevad välja nagu elusad. Ta on vaoshoitud, rahulik ja samas täis energiat ja tahet. Juba ainuüksi sellelt pronkskujult, millel on tugev valatud plastilisus, on tunda inimväärikuse täit mõõdet, nagu seda mõistsid vanad kreeklased.

Nende kunstis domineerisid praegusel etapil mehelikud kujundid, kuid õnneks on säilinud ka kaunis merest tõusmas Aphroditet kujutav reljeef, nn Ludovisi troon – skulptuurne triptühhon, mille ülemine osa on maha murtud. säilinud. Selle keskosas tõuseb lainetest ilu- ja armastusjumalanna, "vahust sündinud", kahe nümfi toel, kes kaitsevad teda karmilt kerge looriga. Ta on vöökohani nähtav. Tema keha ja nümfide kehad säravad läbi läbipaistvate kitionide, riiete voldid voolavad kaskaadina, ojana, nagu veejoad, nagu muusika. Triptühhoni külgmistel osadel on kaks naisfiguuri: üks alasti, mängib flööti; teine, loori sisse mässitud, süütab ohvriküünla. Esimene on hetaera, teine ​​naine, kolde hoidja, justkui naiselikkuse kaks palet, mõlemad Aphrodite egiidi all.

Säilinud kreeka originaalide otsimine jätkub tänapäevalgi; Aeg-ajalt leiab rõõmsaid leide kas maa seest või merepõhjast: näiteks 1928. aastal leidsid nad merest Euboia saare lähedalt suurepäraselt säilinud Poseidoni pronkskuju.

Aga üldpilt Kreeka hiilgeaja kunstist tuleb mõtteliselt rekonstrueerida ja täiendada, me teame vaid juhuslikult säilinud, laiali pillutud skulptuure. Ja need olid ansamblis olemas.

Tuntud meistrite seas varjutab kogu skulptuuri Phidiase nimi järgnevad põlvkonnad. Periklese ajastu hiilgav esindaja ütles plastitehnoloogias viimase sõna ja siiani pole keegi julgenud temaga võrrelda, kuigi tunneme teda vaid vihjete järgi. Ateena päritolu ta sündis paar aastat enne Marathoni lahingut ja sai seetõttu lihtsalt ida üle saavutatud võitude kaasaegseks tähistamiseks. Kõigepealt räägi l ta maalijaks ja läks seejärel skulptuurile üle. Phidiase jooniste ja tema jooniste järgi püstitati tema isikliku järelevalve all Periklese hooned. Täites tellimust korralduse järel, lõi ta imelisi jumalakujusid, mis kehastasid marmorist, kullast ja luust jumaluste abstraktseid ideaale. Jumaliku kuvandit arendas ta mitte ainult vastavalt oma omadustele, vaid ka seoses austamise eesmärgiga. Ta oli sügavalt imbunud ideest, mida see iidol kehastas, ja kujundas selle kogu geeniuse jõu ja jõuga.

Athena, mille ta valmistas Plataea tellimusel ja mis läks sellele linnale väga kalliks maksma, tugevdas noore skulptori kuulsust. Talle telliti Akropolise jaoks kolossaalne patrooni Athena kuju. See ulatus 60 jala kõrgusele ja ületas kõik naaberhooned; eemalt, merelt, säras ta nagu kuldne täht ja valitses kogu linna üle. See ei olnud akroliit (komposiit), nagu Plataean, vaid kõik oli valatud pronksist. Teine Parthenoni jaoks valmistatud Akropoli kuju, Neitsi Ateena, koosnes kullast ja elevandiluust. Ateenat kujutati lahinguülikonnas, kuldses kiivris, mille külgedel oli kõrgreljeefne sfinks ja raisakotkad. Ühes käes hoidis ta oda, teises võidukuju. Tema jalge ees oli madu, Akropolise valvur. Seda kuju peetakse Phidiase parimaks kinnituseks pärast tema Zeusi. See oli lugematute koopiate originaal.

Kuid kõigi Phidiase teoste täiuslikkuse tipuks peetakse tema Olümpia Zeusi. See oli tema elu suurim töö: kreeklased ise andsid talle palmi. Ta jättis oma kaasaegsetele vastupandamatu mulje.

Zeusi kujutati troonil. Ühes käes hoidis ta skeptrit, teises võidupilti. Keha oli elevandiluust, juuksed kuldsed, mantel kuldne, emailitud. Trooni koostises oli eebenipuu, luud ja vääriskivid. Jalgadevahelised seinad maalis Phidiase nõbu Panen; troonijalam oli skulptuuri ime. Üldmulje oli, nagu üks saksa õpetlane õigesti ütles, tõeliselt deemonlik: mitme põlvkonna vältel näis iidol olevat tõeline jumal; ühest pilgust talle piisas, et rahuldada kõik mured ja kannatused. Need, kes surid teda nägemata, pidasid end õnnetuks * * Gnedich P.P. Maailma kunstiajalugu. - M., 2000. S. 97 ...

Kuju suri, keegi ei tea, kuidas ja millal: tõenäoliselt põles see maha koos olümpiatempliga. Kuid tema võlud pidid olema suurepärased, kui Caligula nõudis iga hinna eest ta Rooma transportimist, mis aga osutus võimatuks.

Kreeklaste imetlus elava keha ilu ja targa ehituse vastu oli nii suur, et nad mõtlesid sellest esteetiliselt vaid kujukujulises terviklikkuses ja terviklikkuses, võimaldades hinnata kehahoiaku majesteetlikkust, kehaliigutuste harmooniat. Inimese lahustamine vormitu rahvahulga, tema suvalises aspektis näitamine, sügavale viimine, varju uputamine oleks vastuolus Kreeka meistrite esteetilise usutunnistusega ja nad ei teinud seda kunagi, kuigi vaatenurga põhialused olid selged. neid. Nii skulptorid kui ka maalijad näitasid ülima plastilise eristusega inimest, lähivõtet (üks figuur või mitmest figuurist koosnev rühm), püüdes asetada tegevust esiplaanile, justkui taustatasandiga paralleelsel kitsal laval. Keha keel oli ka hinge keel. Mõnikord öeldakse, et Kreeka kunst oli psühholoogiale võõras või ei kasvanud selle juurde. See pole täiesti tõsi; võib-olla oli arhailise kunst ikkagi mittepsühholoogiline, aga mitte klassikute kunst. Tõepoolest, ta ei teadnud seda tegelaste hoolikat analüüsi, seda indiviidikultust, mis tekib moodsad ajad. Pole juhus, et Vana-Kreeka portree oli suhteliselt halvasti arenenud. Kuid kreeklased valdasid nii-öelda tüüpilise psühholoogia edasiandmise kunsti – nad väljendasid üldistatud inimtüüpide põhjal rikkalikku valikut vaimseid liikumisi. Kreeka kunstnikud ei jätnud tähelepanuta isiklike tegelaste nüanssidelt tähelepanuta emotsioonide nüansse ja suutsid kehastada keerulist tundesüsteemi. Nad olid ju Sophoklese, Euripidese, Platoni kaasaegsed ja kaaskodanikud.

Kuid siiski polnud väljendusrikkus niivõrd näoilmetes, kuivõrd kehaliigutustes. Vaadates Parthenoni salapäraselt rahulikku moira’t, kiiret ja särtsakat Nikat, kes oma sandaalid lahti harutab, unustame peaaegu, et neil on pea ära pekstud – nende kujude plastilisus on nii kõnekas.

Iga puhtalt plastiline motiiv - olgu see siis kõigi kehaliikmete graatsiline tasakaal, toetumine mõlemale või ühele jalale, raskuskeskme ülekandmine välisele toele, pea õlale kummardamine või tagasiviskamine - on kreeklaste loodud. meistrid vaimse elu analoogina. Keha ja psüühika realiseerusid lahutamatuses. Kirjeldades raamatus Lectures on Aesthetics klassikalist ideaali, ütles Hegel, et "kunsti klassikalises vormis ei tunnistata inimkeha selle vormides enam ainult sensuaalseks eksistentsiks, vaid tunnustatakse ainult vaimu olemasolu ja loomulikku välimust".

Tõepoolest, Kreeka kujude kehad on ebatavaliselt inspireeritud. Prantsuse skulptor Rodin ütles ühe kohta neist: "See nooruslik torso ilma peata naeratab valgusele ja kevadele rõõmsamalt, kui silmad ja huuled suudaksid" * * Dmitrieva, Akimova. Antiikkunst. Esseed. - M., 1988. S. 76.

Liigutused ja poosid on enamasti lihtsad, loomulikud ja ei pruugi olla seotud millegi ülevaga. Nika harutab sandaali lahti, poisil võtab kannast killu välja, stardis olev noor jooksja valmistub jooksma, kettaheitja Miron viskab ketast. Mironi noorem kaasaegne, hiilgav Poliklet, erinevalt Mironist, ei kujutanud kunagi kiireid liikumisi ja hetkeseisundeid; tema pronkskujud noortest sportlastest on rahulikes poosides, kerged, mõõdetud liigutused, lainetavad figuuri kohal. Vasak õlg on veidi ettepoole tõmmatud, parem sissetõmmatud, vasak reis on tahapoole kaldu, parem on üles tõstetud, parem jalg on kindlalt maas, vasak on veidi tagapool ja põlvest veidi kõverdatud. Sellel liikumisel kas puudub igasugune "süžee" ettekääne või on ettekääne tähtsusetu – see on iseenesest väärtuslik. See on plastiline hümn selgusele, mõistusele, targale tasakaalule. Selline on meile Rooma marmorist koopiatest tuntud Polikleitose Doryphorus (odakandja). Tundub, et ta kõnnib ja säilitab samal ajal puhkeseisundi; käte, jalgade ja torso asendid on ideaalselt tasakaalus. Poliklet oli traktaadi "Canon" autor (mis pole meieni jõudnud, on teada antiikkirjanike mainimistest), kus ta pani teoreetiliselt paika inimkeha proportsioonide seadused.

Kreeka kujude pead on reeglina umbisikulised, st vähe individualiseeritud, toodud mõne üldtüübi variatsioonini, kuid sellel üldtüübil on kõrge vaimne võimekus. Kreeka näotüübis võidutseb idee "inimesest" selle ideaalses versioonis. Nägu jaguneb kolmeks võrdse pikkusega osaks: otsmik, nina ja alumine osa. Korrektne, õrn ovaalne. Nina sirgjoon jätkab otsmiku joont ja moodustab risti nina algusest kõrva avamiseni tõmmatud joonega (parem näonurk). Üsna sügaval asetsevate silmade piklik osa. Väike suu, täis kumerad huuled, ülahuul on õhem kui alumine ja ilusa sileda kaelusega nagu amori vibu. Lõug on suur ja ümar. Lainelised juuksed sobivad pehmelt ja tihedalt peaga, segamata kolju ümarat kuju.

See klassikaline ilu võib tunduda monotoonne, kuid kuna see on ekspressiivne "vaimu loomulik kuju", on see varieeruv ja suudab kehastada iidse ideaali erinevaid tüüpe. Natuke rohkem energiat huulte laos, väljaulatuvas lõuas – meie ees on range neitsi Ateena. Põskede piirjoontes on rohkem pehmust, huuled veidi poolavatud, silmakoopad varjutatud - meie ees on Aphrodite sensuaalne nägu. Näoovaal on ruudule lähemal, kael on paksem, huuled on suuremad - see on juba noore sportlase kuvand. Ja aluseks jääb samaks rangelt proportsionaalne klassikaline välimus.

Siiski ei ole selles kohta millegi, meie vaatenurgast väga olulise jaoks: kordumatu isiku võlu, vale ilu, vaimse printsiibi võidukäik kehalise ebatäiuslikkuse üle. Vanad kreeklased ei saanud seda anda, selleks tuli murda vaimu ja keha esialgne monism ning esteetiline teadvus tuli astuda nende eraldumise – dualismi – staadiumisse, mis juhtus palju hiljem. Kuid ka kreeka kunst arenes järk-järgult individualiseerumise ja avatud emotsionaalsuse, kogemuste ja iseloomustuse konkreetsuse suunas, mis ilmneb juba hilisklassika ajastul, 4. sajandil eKr. e.

5. sajandi lõpus eKr. e. Ateena poliitiline võim kõikus, mida õõnestas pikk Peloponnesose sõda. Ateena vastaste eesotsas oli Sparta; seda toetasid teised Peloponnesose osariigid ja rahalist abi andis Pärsia. Ateena kaotas sõja ja oli sunnitud sõlmima ebasoodsa rahu; nad säilitasid iseseisvuse, kuid Ateena mereliit lagunes, sularahavarud kuivasid ja poliitika sisemised vastuolud süvenesid. Ateena demokraatia suutis küll vastu seista, kuid demokraatlikud ideaalid tuhmusid, vaba tahteavaldust hakati julmade meetmetega alla suruma, selle näiteks on Sokratese kohtuprotsess (399 eKr), mis mõistis filosoofi surma. Ühtse kodakondsuse vaim nõrgeneb, isiklikud huvid ja kogemused isoleeritakse avalikest, häirib rohkem elu ebastabiilsus. Kriitilised meeleolud on tõusuteel. Inimene hakkab Sokratese testamendi järgi püüdlema "iseennast tundma" – iseennast kui inimest, mitte ainult osana sotsiaalsest tervikust. Suure näitekirjaniku Euripidese looming on suunatud inimloomuse ja tegelaste tundmisele, kelle puhul on isikuprintsiip palju rohkem esile tõstetud kui tema vanemas kaasaegses Sophokleses. Aristotelese järgi Sophokles "esindab inimesi sellisena, nagu nad peaksid olema, ja Euripides selliseid, nagu nad tegelikult on".

Plastilises kunstis on endiselt ülekaalus üldistatud kujundid. Kuid vaimne kindlus ja jõuline energia, mis hingab varajase ja küpse klassika kunsti, annavad järk-järgult teed Scopase dramaatilisele paatosele või lüürilisele, melanhoolse varjundiga Praxitelese mõtisklusele. Skopas, Praxiteles ja Lysippus - need nimed on meie meelest seotud mitte niivõrd teatud kunstiinimestega (nende elulood on ebaselged ja peaaegu ühtegi originaalteost pole säilinud), kuivõrd hilisklassika peamiste vooludega. Nii nagu Myron, kehastavad Policlet ja Phidias küpse klassiku jooni.

Ja jällegi on suhtumise muutumise indikaatorid plastilised motiivid. Muutub seisvale figuurile iseloomulik kehahoiak. Arhailisel ajastul seisid kujud täiesti sirgelt, frontaalselt. Küps klassika taaselustab ja elavdab neid tasakaalustatud, voolavate liigutustega, säilitades tasakaalu ja stabiilsuse. Ja Praxitelese – puhkava Satyri, Apollo Sauroctoni – kujud toetuvad laisa armuga sammastele, ilma nendeta peaksid nad kukkuma.

Puus on ühelt poolt väga tugevalt kaardus ja õlg on puusa suunas madalalt langetatud - Rodin võrdleb seda kehaasendit suupilliga, kui lõõts on ühelt poolt kokku surutud ja teiselt poolt lahku nihutatud. Tasakaalu saavutamiseks on vaja välist tuge. See on unenäolise lõõgastuse poos. Praxiteles järgib Polykleitose traditsioone, kasutab enda leitud liigutuste motiive, kuid arendab neid nii, et neist kumab juba läbi teistsugune sisemine sisu. Ka “haavatud amatsoon” Polikletai toetub poolsambale, kuid võiks ka ilma selleta seista, tema tugev, energiline, isegi haava all kannatav keha seisab kindlalt maas. Praxitelese Apollonit nool ei taba, ta ise sihib mööda puutüve jooksvat sisalikku - näib, et tegevus nõuab tahtejõulist meelerahu, sellegipoolest on tema keha ebastabiilne, nagu kõikuv vars. Ja see pole juhuslik detail, mitte skulptori kapriis, vaid omamoodi uus kaanon, milles väljendub muutunud maailmavaade.

Kuid 4. sajandi eKr skulptuuris ei muutunud mitte ainult liigutuste ja pooside olemus. e. Praxitelese lemmikteemade ring muutub teistsuguseks, ta eemaldub kangelaslikest süžeedest "Aphrodite ja Erose valgusmaailma". Ta nikerdas kuulsa Cniduse Aphrodite kuju.

Praxitelesele ja tema ringi kunstnikele ei meeldinud kujutada sportlaste lihaselisi torsosid, neid köitis naisekeha õrn ilu pehmete voolavate volüümidega. Nad eelistasid nooruse tüüpi, mida eristab "esimene naiseliku iluga noorus". Praxiteles oli kuulus modelleerimise erilise pehmuse ja materjali töötlemise oskuse poolest, oskuse poolest külmas marmoris edasi anda elava keha soojust2.

Ainus säilinud Praxitelese originaal on Olümpiast leitud Hermese koos Dionysosega marmorkuju. Alasti Hermes, toetudes puutüvele, kuhu tema kuub oli hooletult visatud, hoiab ühel kõverdatud käel väikest Dionysost, teisel aga viinamarjakobarat, milleni ulatub laps (viinamarju hoidev käsi on kadunud). Marmori maalilise töötlemise kogu võlu on selles kujus, eriti Hermese peas: valguse ja varju üleminekud, peenem “sfumato” (udu), mille Leonardo da Vinci maalis palju sajandeid hiljem saavutas.

Kõik teised meistri tööd on teada vaid viidetest antiikautoritele ja hilisematest koopiatest. Kuid Praxitelese kunsti vaim hõljub üle 4. sajandi eKr. e., ja mis kõige parem, on seda tunda mitte Rooma koopiates, vaid väikeses kreeka plastikus, Tanagra savist kujukestes. Neid valmistati sajandi lõpus suurtes kogustes, see oli omamoodi masstootmine, mille põhikeskus oli Tanagras. (Väga head kollektsiooni neist hoitakse Leningradi Ermitaažis.) Mõned kujukesed reprodutseerivad tuntud suuri kujusid, teised annavad lihtsalt erinevaid vabavaralisi variatsioone drapeeritud naisekujust. Nende kujundite elav arm, unistav, mõtlik, mänguline, on Praxitelese kunsti kaja.

Peaaegu sama vähe on alles Praxitelese vanema kaasaegse ja antagonisti peitli Scopas originaalteostest. Vrakk jääb alles. Aga rusud ütlevad palju. Nende taga kõrgub kirgliku, tulise, pateetilise kunstniku kuvand.

Ta polnud mitte ainult skulptor, vaid ka arhitekt. Arhitektina lõi Skopas Tegeas Athena templi ja jälgis ka selle skulptuuride kaunistamist. Tempel ise hävitati ammu, ikka veel gootide poolt; väljakaevamistel leiti mõned skulptuuride killud, nende hulgas ka imeline haavatud sõdalase pea. Temasarnaseid 5. sajandil eKr kunstis polnud. e., ei olnud nii dramaatilist väljendust pea pööramises, sellist kannatust näos, pilgus, sellist hingelist pinget. Tema nimel rikutakse kreeka skulptuuris omaks võetud harmoonilist kaanonit: silmad on asetatud liiga sügavale ja ülavõlvi murd on vastuolus silmalaugude piirjoontega.

Milline oli Scopase stiil mitmefiguurilistes kompositsioonides, näidake Halicarnassuse mausoleumi friisil osaliselt säilinud reljeefe - ainulaadne ehitis, mis antiikajal kuulus seitsme maailmaime hulka: peripter tõsteti kõrgele soklile ja krooniti püramiidkatus. Friis kujutas kreeklaste lahingut amatsoonidega – meessõdalased naissõdalastega. Skopas ei töötanud selle kallal üksi, koos kolme skulptoriga, vaid mausoleumi kirjeldanud Pliniuse juhiste ja stilistilise analüüsi järgi tegid teadlased kindlaks, millised friisi osad valmistati Scopase töökojas. Teistest rohkem annavad nad edasi lahingujoovastavat tulihinge, "rappimist lahingus", kui nii mehed kui naised annavad end talle võrdse kirega. Figuuride liigutused on hoogsad ja peaaegu kaotavad tasakaalu, olles suunatud mitte ainult tasapinnaga paralleelselt, vaid ka sissepoole, sügavusse: Scopas toob sisse uue ruumitunde.

Maenad nautis kaasaegsete seas suurt kuulsust. Scopas kujutas Dionysose tantsu tormi, mis pingutas kogu Maenadi keha, kaarutas kramplikult torsot ja paiskas pea taha. Maenadi kuju ei ole mõeldud eestvaatamiseks, seda tuleb vaadata eri külgedelt, igast vaatenurgast ilmneb midagi uut: kas keha võrreldakse oma kaarega venitatud vibuga või tundub, et see on spiraalis kõver, nagu leegikeel. Ei saa jätta mõtlemata: dionüüslaste orgiad pidid olema tõsised, mitte ainult meelelahutus, vaid tõesti "hullud mängud". Dionysose müsteeriume lubati pidada vaid kord kahe aasta jooksul ja ainult Parnassosel, kuid toona heitsid meeletud Bacchantes kõrvale kõik konventsioonid ja keelud. Parmupillide löömise, trummihelide saatel tormasid ja keerlesid nad ekstaasis, ajades end meeletusse, lõdvestades juukseid, kiskudes riideid. Maenad Skopas hoidis käes nuga ja tema õlal oli tema poolt tükkideks rebitud kits 3.

Dionysose pidustused olid väga iidne komme, nagu Dionysose kultus ise, kuid kunstis polnud Dionysose element kunagi puhkenud sellise jõuga, sellise avatusega nagu Scopase kuju puhul, ja see on ilmselgelt ajastu sümptom. Nüüd kogunesid Hellase kohale pilved ja vaimu mõistlikku selgust rikkus soov unustada, piirangute köidikud maha visata. Kunst, nagu tundlik membraan, reageeris muutustele sotsiaalses atmosfääris ja muutis selle signaalid oma helideks, oma rütmideks. Praxitelese loomingu melanhoolne jaburus ja Scopase dramaatilised impulsid on lihtsalt teistsugune reaktsioon üldisele ajavaimule.

Skopase ringile ja võib-olla ka temale kuulub noormehe marmorist hauakivi. Noormehest paremal on sügava mõtteilmega vana isa, on tunda, et ta imestab: miks ta poeg nooruspõlves lahkus ja tema, vanamees, jäi elama? Poeg vaatab ette ega paista enam isa märkavat; ta on siit kaugel, muretul Champs Elysees'l – õnnistatud elukohas.

Koer tema jalge ees on üks allilma sümbolitest.

Siin on paslik öelda kreeka hauakivide kohta üldiselt. Neid on suhteliselt palju, alates 5. sajandist ja peamiselt 4. sajandist eKr. e.; nende loojad on tavaliselt teadmata. Mõnikord on hauastee reljeefil kujutatud vaid üks kuju - surnu, kuid sagedamini on tema kõrval kujutatud tema lähedasi, ühte või kahte, kes temaga hüvasti jätavad. Nendes hüvastijätmise ja lahkumineku stseenides ei väljendata kunagi tugevat kurbust ja leina, vaid ainult vaikselt; kurb mõte. Surm on puhkus; kreeklased isikustasid seda mitte kohutavas skeletis, vaid poisi - Hypnose kaksiku Thanatose - kujus. Magavat beebit on kujutatud ka noormehe hauaplaadil, tema jalge ees nurgas. Ellujäänud omaksed vaatavad lahkunut, soovides tema näojooni mällu jäädvustada, mõnikord võtavad nad käest kinni; ta (või ta) ise ei vaata neid ja tema figuuris on tunda lõõgastust, irdumist. Kuulsal Gegeso hauakivil (5. saj lõpp eKr) kingib seisev neiu oma tugitoolis istuvale armukesele ehtekarbi, Gegeso võtab sellest harjumuspärase mehaanilise liigutusega kaelakee, kuid ta vaatab puudub ja longus.

Autentne hauakivi 4. sajandist eKr. e. pööningumeistri töid saab näha Riigimuuseumis kaunid kunstid neid. A.S. Puškin. See on sõdalase hauakivi – ta hoiab käes oda, kõrval on tema hobune. Kuid kehahoiak pole sugugi sõjakas, kehaliikmed on lõdvestunud, pea langetatud. Teisel pool hobust seisab hüvastijätu; ta on kurb, kuid ei saa eksida selles, kumb kahest kujundist kujutab surnut ja milline elavat, kuigi nad tunduvad olevat sarnased ja sama tüüpi; Kreeka meistrid teadsid, kuidas lahkunu üleminekut varjude orgu tunda anda.

Viimase hüvastijätu lüürilised stseenid olid kujutatud ka matuseurnidel, kus need on lakoonilisemad, kohati lihtsalt kaks kuju - mees ja naine - kätlemas.

Kuid ka siin on alati selge, milline neist kuulub surnute valdkonda.

Kreeka hauakivides on oma üllas vaoshoituses kurbuse väljendamisel eriline tundepuhtus, midagi täiesti vastupidist bakchlikule ekstaasile. Skopasele omistatud noormehe hauakivi seda traditsiooni ei riku; see paistab teistest silma lisaks kõrgetele plastilistele omadustele vaid mõtliku vanainimese kujutluse filosoofilise sügavusega.

Vaatamata kogu Skopase ja Praxitelese kunstilise olemuse vastandumisele, iseloomustab neid mõlemaid see, mida võib nimetada plastilisuse maalilisuse suurenemiseks - chiaroscuro mõju, tänu millele tundub marmor elavat, mida rõhutab iga kord Kreeka epigrammaatikud. Mõlemad meistrid eelistasid pronksile marmorit (varajaste klassikute skulptuuris domineeris aga pronks) ja saavutasid täiuslikkuse selle pinnatöötluses. Tekitatud mulje tugevust soodustasid skulptorite kasutatud marmorisortide erilised omadused: läbipaistvus ja heledus. Parian marmor lasi valgust läbi 3,5 sentimeetrit. Sellest õilsast materjalist valmistatud kujud nägid välja nii inimlikud kui ka jumalikud-rikkumatud. Võrreldes varajase ja küpse klassiku teostega kaotavad hilisklassikalised skulptuurid midagi, neis ei ole Delfi vankrijuhi lihtsat suurejoonelisust, puudub Phidiuse kujude monumentaalsus, kuid nad saavad elujõudu juurde.

Ajalugu on säilitanud palju rohkem 4. sajandi eKr väljapaistvate skulptorite nimesid. e. Mõned neist viisid elutruu kultiveerimisel selle piirini, millest alates algab žanr ja iseloomustus, aimates nii hellenismi tendentse. Selle poolest eristus Demetrius Alopekast. Ta ei pööranud ilule suurt tähtsust ja püüdis teadlikult kujutada inimesi sellistena, nagu nad on, varjamata suuri kõhtu ja kiilasid kohti. Portreed olid tema eriala. Demetrius tegi filosoof Antisthenesest portree, mis oli poleemiliselt suunatud 5. sajandi eKr idealiseerivate portreede vastu. e., - Antisthenes on vana, lõtv ja hambutu. Skulptor ei suutnud inetust spirituaalseks muuta, võluvaks muuta, selline ülesanne oli iidse esteetika piirides võimatu. Inetust mõisteti ja kujutati lihtsalt kui füüsilist puuet.

Teised, vastupidi, püüdsid säilitada ja kasvatada küpse klassika traditsioone, rikastades neid suure elegantsi ja plastiliste motiivide keerukusega. Seda teed järgis Leohar, kes lõi Apollo Belvedere kuju, millest sai kuni 20. sajandi lõpuni paljude põlvkondade neoklassitsistide ilustandard. Johannes Winckelmann, esimese teadusliku antiigikunsti ajaloo autor, kirjutas: "Kujutlusvõime ei suuda luua midagi, mis ületaks Vatikani Apolloni oma kauni jumaluse rohkem kui inimliku proportsionaalsusega." Pikka aega peeti seda kuju iidse kunsti tipuks, "Belvedere iidol" oli esteetilise täiuslikkuse sünonüüm. Nagu sageli, põhjustasid aja jooksul ülemäära suured kiitused vastupidise reaktsiooni. Kui antiikkunsti uurimine edenes kaugele ja avastati paljud selle mälestusmärgid, asendus Leochari kuju ülepaisutatud hindamine alahindamisega: seda hakati nägema pompoosne ja manierne. Samal ajal on Apollo Belvedere oma plastiliste omaduste poolest tõeliselt silmapaistev teos; muusade isanda kuju ja kõnnak ühendavad jõudu ja graatsiat, energiat ja kergust, maas kõndides tõuseb ta samal ajal maapinnast kõrgemale. Veelgi enam, selle liikumine nõukogude kunstiajaloolase B. R. Vipperi sõnul "ei ole koondunud ühes suunas, vaid lahkneb kiirte kaudu eri suundades". Sellise efekti saavutamiseks oli vaja skulptori keerulisi oskusi; häda on vaid selles, et mõju arvutamine on liiga ilmne. Apollo Leohara näib kutsuvat teid imetlema oma ilu, samas kui parimate klassikaliste kujude ilu ei kuuluta end avalikult: nad on ilusad, kuid ei epu. Isegi Praxiteles, Cniduse Aphrodite, tahab oma alastuse sensuaalset võlu pigem varjata kui demonstreerida ning varasemaid klassikalisi kujusid täidab rahulik eneserahuldus, mis välistab igasuguse demonstratiivsuse. Seetõttu tuleb tõdeda, et Apollo Belvedere kujus hakkab iidne ideaal muutuma millekski väliseks, vähem orgaaniliseks, kuigi omal moel on see skulptuur tähelepanuväärne ja tähistab kõrget virtuoosse oskuse taset.

Suure sammu "loomulikkuse" poole tegi viimane kreeka klassika suur skulptor - Lysippus. Teadlased omistavad selle Argive koolkonnale ja kinnitavad, et tal oli hoopis teine ​​suund kui Ateena koolkonnas. Sisuliselt oli ta tema otsene järgija, kuid pärast tema traditsioonidega nõustumist astus ta kaugemale. Nooruses vastas kunstnik Evpomp tema küsimusele: "Milline õpetaja valida?" - vastas mäel tungleva rahvahulga poole osutades: "Siin on ainus õpetaja: loodus."

Need sõnad vajusid geeniusliku noormehe hinge sügavale ja ta, usaldamata Polyclete'i kaanoni autoriteeti, asus täpselt loodust uurima. Enne teda kujundati inimesi kaanoni põhimõtete kohaselt, see tähendab täielikus kindluses, et tõeline ilu seisneb kõigi vormide proportsionaalsuses ja keskmise pikkusega inimeste osakaalus. Lysippus eelistas pikka ja saledat figuuri. Tema jäsemed muutusid heledamaks, kõrgemaks.

Erinevalt Scopasest ja Praxitelesest töötas ta eranditult pronksis: habras marmor nõuab stabiilset tasakaalu, Lysippus aga lõi kujusid ja kujurühmi dünaamilistes olekutes, keerulistes tegevustes. Ta oli ammendamatult mitmekesine plastiliste motiivide leiutamisel ja väga viljakas; öeldi, et pärast iga skulptuuri valmimist pani ta hoiupõrsasse kuldmündi ja kokku kogunes sel viisil poolteist tuhat münti, see tähendab väidetavalt tegi ta poolteist tuhat kuju, mõned väga suured suurused, sealhulgas 20-meetrine Zeusi kuju. Ükski tema töödest pole säilinud, kuid üsna suur hulk koopiaid ja kordusi, mis pärinevad kas Lysippuse originaalidest või tema koolist, annavad ligikaudse ettekujutuse meistri stiilist. Süžee poolest eelistas ta selgelt meesfiguure, kuna talle meeldis kujutada abikaasade raskeid vägitegusid; Herakles oli tema lemmikkangelane. Plastilise vormi mõistmisel oli Lysippuse uuenduslik vallutus figuuri pöördeks teda igast küljest ümbritsevas ruumis; teisisõnu, ta ei mõelnud kujule ühegi tasapinna taustal ega võtnud endale üht, peamist vaatenurka, millest seda vaadata tuleks, vaid arvestas kuju ümber käimisega. Oleme näinud, et Scopase Maenad ehitati samal põhimõttel. Kuid see, mis oli erand varasemate skulptorite puhul, sai Lysippuse puhul reegliks. Sellest lähtuvalt andis ta oma figuuridele efektseid poose, keerulisi pöördeid ja töötles neid võrdse hoolega mitte ainult esiküljelt, vaid ka tagant.

Lisaks lõi Lysippus skulptuuris uue ajataju. Kunagised klassikalised kujud, isegi kui nende poosid olid dünaamilised, tundusid ajavoolust puutumata, nad olid sellest väljas, olid, puhkasid. Lysippuse kangelased elavad elavate inimestega samas reaalajas, nende teod on ajas ja mööduvad, esitatav hetk on valmis asendama teisega. Muidugi olid Lysipposel siingi eelkäijad: võib öelda, et ta jätkas Myroni traditsioone. Kuid isegi viimase Discobolus on oma silueti poolest nii tasakaalukas ja selge, et tundub olevat “püsiv” ja staatiline võrreldes Lysippus Herculesega, kes võitleb lõviga või Hermesega, kes istus minutiks teeäärsele kivile puhkama ( vaid üks minut!) Et seejärel jätkata lendamist oma tiibadega sandaalides.

Seda, kas nende skulptuuride originaalid kuulusid Lysippusele endale või tema õpilastele ja abilistele, pole täpselt kindlaks tehtud, kuid vaieldamatult valmistas ta ise Apoksüomenese kuju, mille marmorkoopia asub Vatikani muuseumis. Noor alasti sportlane, sirutades käed ette, kraabib kaabitsaga maha kleepunud tolmu. Ta oli pärast võitlust väsinud, kergelt lõdvestunud, isegi justkui koperdades, stabiilsuse tagamiseks jalad laiali. Väga loomulikult töödeldud juuksesalad jäid higise otsaesisele kinni. Skulptor tegi kõik endast oleneva, et anda traditsioonilise kaanoni raames maksimaalne loomulikkus. Kaanon ise on aga üle vaadatud. Kui võrrelda Apoxyomenest Doryphorus Polykleitosega, siis on näha, et keha proportsioonid on muutunud: pea on väiksem, jalad pikemad. Doryphorus on painduva ja saleda Apoxyomenosega võrreldes raskem ja jässakam.

Lysippos oli Aleksander Suure õukonnamaalija ja tegi temalt mitmeid portreesid. Neis pole meelitusi ega kunstlikku ülistamist; hellenistlikus koopias säilinud Aleksandri pea hukatakse Scopase traditsioonide kohaselt, meenutades mõneti haavatud sõdalase pead. See on inimese nägu, kes elab kõvasti ja raskelt, kes ei saavuta oma võite lihtsalt. Huuled on poolavatud, justkui hingaksid raskelt, otsmikul lamavad noorusest hoolimata kortsud. Säilinud on aga traditsiooniga legitimeeritud proportsioonide ja näojoontega klassikaline näotüüp.

Lysippuse kunst hõivab piiritsooni klassikalise ja hellenistliku ajastu vahetusel. See on endiselt truu klassikalistele mõistetele, kuid õõnestab neid juba seestpoolt, luues pinnase üleminekuks millelegi muule, pingevabamale ja proosalisemale. Selles mõttes on rusikavõitleja pea näitlik, kuuludes mitte Lysipposele, vaid võib-olla tema vennale Lysistratusele, kes oli samuti skulptor ja väidetavalt esimene, kes kasutas portreede tegemiseks modelli näolt eemaldatud maske ( mis oli Vana-Egiptuses laialt levinud, kuid kreeka kunstile täiesti võõras). Võimalik, et maski abil valmistati ka rusikavõitleja pea; see on kaugel kaanonist ja kaugel füüsilise täiuslikkuse ideaalsetest ideedest, mida hellenid kehastasid sportlase kujundis. See rusikavõitluse võitja ei sarnane pooljumalale, vaid lihtsalt meelelahutaja jõudeolevale rahvahulgale. Tema nägu on kare, nina on lapik, kõrvad on paistes. Seda tüüpi "naturalistlikud" kujundid said hiljem hellenismis laialt levinud; Veelgi näotuma rusikavõitleja voolis juba 1. sajandil eKr Atika skulptor Apollonius. e.

See, mis oli varem heitanud varju Kreeka maailmavaate helgele struktuurile, saabus 4. sajandi lõpus eKr. e .: demokraatliku poliitika lagunemine ja surm. Selle alguse sai Makedoonia, Kreeka põhjapiirkonna tõus ja kõigi Kreeka riikide tegelik vallutamine Makedoonia kuninga Philip II poolt. Chaeronea lahingus (aastal 338 eKr), kus Kreeka Makedoonia-vastase koalitsiooni väed said lüüa, osales Philipi 18-aastane poeg Aleksander, tulevane suurvallutaja. Alustades võiduka sõjakäiguga pärslaste vastu, viis Aleksander oma armee edasi ida poole, vallutades linnu ja rajades uusi; kümneaastase kampaania tulemusena loodi tohutu monarhia, mis ulatus Doonaust Induseni.

Aleksander Suur maitses nooruses kreeka kõrgeima kultuuri vilju. Tema juhendajaks oli suur filosoof Aristoteles, õukonnamaalijad - Lysippos ja Apelles. See ei takistanud tal, olles vallutanud Pärsia riigi ja võtnud endale Egiptuse vaaraode trooni, kuulutama end jumalaks ja nõudma, et talle ja Kreekale antaks jumalik au. Ida tavadega harjumata ütlesid kreeklased naerdes: "Noh, kui Aleksander tahab olla jumal, siis las ta olla" - ja tunnistasid ta ametlikult Zeusi pojaks. Orienteerumine, mida Aleksander hakkas sisendama, oli aga tõsisem asi kui võitudest joobunud vallutaja kapriis. See oli sümptom iidse ühiskonna ajaloolisest pöördest orjaomanikust demokraatiast iidsetest aegadest idas eksisteerinud vormile – orjaomanike monarhiale. Pärast Aleksandri surma (ja ta suri noorelt) lagunes tema kolossaalne, kuid habras võim, tema väejuhid, nn diadothid - järglased, jagasid mõjusfäärid omavahel. Nende võimu all taasilmunud osariigid polnud enam kreeka, vaid kreeka-ida. Kätte on jõudnud hellenismi ajastu – ühinemine Kreeka ja Ida kultuuride monarhia egiidi all.