Shakespeare ja renessansi humanism. Inglise kirjanduse ajalugu

7. WILLIAM SHAKESPEARE'I HUMANISM

Huvitav on see, et peaaegu samal ajal rajati Inglismaal, kus rahvusriiklus oli juba toimunud, tsentraliseeritud võim, hilisrenessansi suurim humanist William Shakespeare (1564-1616) mõistab kunstiliselt selle vastuolulist, traagilist olemust. juba väljakujunenud suhted "inimene-ühiskond-riik" ...

Shakespeare’i tragöödiates (Kuningas Lear, Macbeth jt), eksplitsiitselt või mitte, on alati olemas looduskosmos, mis kannab Montaigne’i omaga võrreldes täiesti vastupidist semantilist koormust. Selles kosmoses peegeldub ebamäärane tunne, et isikliku elu, "loomuliku" inimese teadvuse kohal on ikkagi mingi kõikemäärav maailm, mille raames kangelased tegutsevad. See transpersonaalse tahte maailm on sotsiaalsete ja riiklike suhete sfäär, mis allutab "loomuliku" inimese jäljetult riigi standarditele ja muudab ta " riigimees".

Shakespeare’i kangelaste võti seisneb selles, et nende elu kulgeb kahel tasandil: isiklikus (“loomulik individuaalsus”) ja rahvuslikus (sotsiaalne ja tsiviil). Kuid kangelased ei tee neil maailmadel vahet: nende subjektiivsus kõigutab maailma aluseid, isegi kui nad tegutsevad omaenda "loomulike" motiivide ringis. Shakespeare’i tragöödiate "tuum" on peidus üksikisiku ja üleriigilises vastuolulises ühtsuses. Näiteks "Othellos" on kangelase isiklik maailm kaetud üliinimlike kosmiliste jõudude looridega. Kuriteo toime pannud Othello hakkab arvama, et "nüüd lähevad kuu ja päike täiesti pimedaks, maa väriseb õudusest". See kujundlik sari käivitab näotu, sotsiaalse ja oleku, mis tungib kangelase saatusesse.

Othello on geniaalselt välja mõeldud kujund inimesest, kes on järjekindlas (näiliselt) ühtsuses iseenda loomulikkuse ja sotsiaalsuse, "riikluse, kodakondsuse" vahel. Othello on "loomulik" inimene (seda tugevdab asjaolu, et ta on maur), kellel on õigus armastada, vihata, olla leebe ja seista isikliku solvamise eest. Samal ajal on ta varustatud teatud õiguste ja kohustustega. Tema hinges põrkusid kahe eluvaldkonna normid – ja ta suri.

Desdemona mõrvastseen pole kaugeltki tragöödia kulminatsioon, kuna seda esitatakse mõnikord halvas teatris. Tragöödia toimub enesetapupaigas. Saanud teada, et Desdemona on süütu, on Othello endiselt hingelt tugev, et elada, ja nõuab ümbritsevatelt, et tal ei tohiks takistada vaba lahkumist. Kõik aga variseb kokku, kui Othello kuuleb, et vabariik võtab talt au, et ta on vang ja võimust ilma jäänud. Kaua elada on võimatu. Ta ei suutnud taluda riigi häbi. Othello ei sure mitte oma naise mõrvarina (lõppude lõpuks "lähtus aust"), vaid mehena, kes oma isikliku au kaitstes kaotas kodaniku au. Kahes eetilise elu sfääris olemine on Othello saatuse traagika allikas ja jõud.

Renessansi lõpus näitas Shakespeare olemasolevat lõhet isikliku "loomuliku" ja sotsiaalse elu vahel. Ja samas näitas ta, et kellelegi pole antud ühe ja sama inimese nende kahe eluvaldkonna vahelist sisemist sidet katkestada – surm on vältimatu. Aga kuidas siis elada? Inimene osutub tegelaseks, kes otsib autorit.

KOKKUVÕTE

Renessansiajastu filosoofiliste otsingute käsitlemise lõpetuseks tuleb märkida, et hinnangud selle pärandile on ebaselged. Hoolimata renessansikultuuri kui terviku ainulaadsuse üldisest tunnustamisest, ei peetud seda perioodi filosoofia arengus pikka aega originaalseks ja seetõttu väärib see eraldi väljatoomist filosoofilise mõtlemise iseseisva etapina. Selle aja filosoofilise mõtlemise kahesus ja ebajärjekindlus ei tohiks aga pisendada selle tähtsust filosoofia edasisele arengule, seada kahtluse alla renessansiajastu mõtlejate teeneid keskaegse skolastika ületamisel ja uue ajastu filosoofia aluste loomisel.

Inglise filosoof ja moralist A. Shaftesbury (1671 - 1713) märkis kord: iga konflikt kahe eluvaldkonna vahel viitab kas sellele, et ühiskond on ebatäiuslik või et inimene on ebatäiuslik iseendas.

Taaselustumine juurdus indiviidi ja sotsiaalse riigi, empiirilise ja ideaalse, emotsionaalse ja ratsionaalse dualismis. 17. sajand püüab nende vastanduse ja analüüsi põhjal otsustada, mis on inimeses määrav.

Renessanss on üks viljakamaid etappe Euroopa ajaloo arengus. Taaselustamine on valikupunkt ajaloolises protsessis, mil otsitakse uusi intellektuaalse ja tsivilisatsioonilise arengu teid. Mõtlejad naasevad ühelt poolt klassikalise antiikpärandi juurde suuremas mahus, kui seda tehti keskaegses kultuuris, teisalt avavad nad uue inimese ja looduse maailma.

Niisiis, renessanss või renessanss on ajastu inimkonna elus, mida iseloomustab kunsti ja teaduse kolossaalne tõus. Renessansi kunst, mis tekkis humanismi baasil - sotsiaalse mõtte voolul, mis kuulutas inimest elu kõrgeimaks väärtuseks. Kunstis oli peateemaks kaunis, harmooniliselt arenenud inimene, kellel on piiramatu vaimne ja loominguline potentsiaal. Renessansi kunst pani aluse moodsa ajastu Euroopa kultuurile, muutis radikaalselt kõiki peamisi kunstiliike. Arhitektuuris pandi paika muistse korrasüsteemi loominguliselt revideeritud põhimõtted, moodustusid uut tüüpi ühiskondlikud hooned. Maalimist rikastasid lineaarne ja õhuline perspektiiv, teadmised inimkeha anatoomiast ja proportsioonidest. Maapealne sisu tungis kunstiteoste traditsioonilistesse religioossetesse teemadesse. Suurenenud huvi vastu antiikmütoloogia, ajalugu, igapäevastseenid, maastik, portree. Koos monumentaalsete seinamaalingutega, mis kaunistavad arhitektuursed struktuurid, oli pilt, oli maal õlivärvid. Kunstis võttis esikoha kunstniku loominguline individuaalsus, reeglina universaalselt andekas inimene.

Renessansi kunstis olid maailma ja inimese teadusliku ja kunstilise mõistmise teed tihedalt põimunud. Selle tunnetuslik tähendus oli lahutamatult seotud üleva poeetilise iluga, loomulikkuse poole püüdledes ei laskunud see väiklasesse igapäevaellu. Kunstist on saanud universaalne vaimne vajadus.

Kahtlemata on renessanss üks ilusamaid ajastuid inimkonna ajaloos.

KIRJANDUS

1. Gurevitš P.S. Inimese filosoofia 1. osa – M: RAN, 2005

2. Losev A.F. "Renessansi esteetika". - M, 2006

3. Motroshilova N.V. Filosoofiliste ideede sünd ja areng. M., 2004

4. Pico della Mirandola. Kõne inimese väärikusest // Mees. M., 2003

5. Filosoofia. A. G. Spirkin. Kirjastus "Gardariki", 2006

6. Filosoofia. Õpetus. I. M. Nevleva. Vene ärikirjanduse kirjastus, 2006

7. Bruno J. Dialoogid. M., 1949

8. Pico della Mirandola J. Kõne inimväärikusest. // Renessansi esteetika. M., 1981

9. Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. I. M. 1987

10. Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. III. M. 1987

11. Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. I. M. 1987

Gurevitš P.S. Inimese filosoofia 1. osa – M: RAN, 2005, lk 11

Losev A.F. "Renessansi esteetika". - M, 2006, lk 16

Motroshilova N.V. Filosoofiliste ideede sünd ja areng. M., 2004, lk 29

Gurevitš P.S. Inimese filosoofia 1. osa – M: RAN, 2005, lk 26

Losev A.F. "Renessansi esteetika". - M, 2006, lk 25

Motroshilova N.V. Filosoofiliste ideede sünd ja areng. M., 2004, lk 41

Sünergeetika (kreeka sõnast sinergos - koos tegutsemine) on XX sajandi 70ndatel tekkinud iseorganiseerumisteooria (I. Prigogine, G. Hagen). Ta uurib avatud mittetasakaaluliste süsteemide üleminekuprotsesse vähem korrastatud organisatsioonivormidelt, kaosest korrale. Teoloogias kasutatakse mõistet "sünergia", mille all mõistetakse inimese koostööd Jumalaga pääste loomisel.

Gurevitš P.S. Inimese filosoofia 1. osa – M: RAN, 2005, lk 29

Bruno J. Dialoogid. M., 1949.S. 291.

Pico della Mirandola J. Kõne inimväärikuse teemal. // Renessansi esteetika. M., 1981.S. 249.

Pico della Mirandola J. Kõne inimväärikuse teemal. // Renessansi esteetika. M., 1981.S. 250.

Losev A.F. "Renessansi esteetika". - M, 2006, lk 54

Montaigne M. Eksperimendid. Broneeri üks. M.-L., 1954. S. 194, 203, 205, 201, 205.

Motroshilova N.V. Filosoofiliste ideede sünd ja areng. M., 2004, lk 64

Motroshilova N.V. Filosoofiliste ideede sünd ja areng. M., 2004, lk 68

Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. I. P. 195.

Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. III. S. 291.

Filosoofia. A. G. Spirkin. Kirjastus "Gardariki", 2006, lk 36

Filosoofia. Õpetus. I. M. Nevleva. Kirjastus "Vene ärikirjandus", 2006, lk 57

Montaigne M. Eksperimendid. Raamat. I, lk 204.

Filosoofia. A. G. Spirkin. Kirjastus "Gardariki", 2006, lk 68

Temast sai üks Giordano Bruno universumi lõpmatuse õpetuste allikatest. Nikolai Kuzansky filosoofilised ja teoloogilised vaated võivad olla ilmekas näide kogu renessansiajastu filosoofia kardinaalsest omadusest - soovist ühitada erinevaid teaduslikke ja religioosseid suundi ühe doktriini peavoolus. Teadus märgib, et Kuzantzi maailmavaate kujunemist mõjutasid iidsed õpetused ...

Suhted ennekõike majanduse vallas, just sel perioodil arenes teadus, muutusid kiriku ja riigi suhted, kujunes välja humanismi ideoloogia. 2 Renessansiajastu filosoofia põhijooned 2.1 Humanism – inimese ülendamine Kui keskaegses ühiskonnas olid inimestevahelised korporatiiv- ja klassisidemed väga tugevad ning keskaegset inimest peeti seda väärtuslikumaks...

Valmistas ette eksperimentaal-matemaatika teaduse ja mehhaanilise materialismi kujunemist XYII - XYIII sajandil. 3. Lääne-Euroopa filosoofia peamised arengusuunad renessansiajal Renessansiajastu filosoofia põhisuunad hõlmavad järgmisi suundi: humanistlik, loodusfilosoofiline ja sotsiaalpoliitiline. humanistlik suund. Renessansi humanism - ...

Muuseum-kaitseala "Monrepos Park" kollektsioonis on seitse raamatut suurim luuletaja ja inglise renessansi näitekirjanik - William Shakespeare (1564-1616). Raamatud ilmusid erinevatel aastatel (1886–1927) ja erinevates keeltes: vene, inglise ja saksa keeles.

Shakespeare on Inglismaale sama oluline kui Puškin Venemaale. Mis seletab Shakespeare'i kui luuletaja ja näitekirjaniku fenomeni? Esiteks see, et juba siis, renessansiajal, puudutas ta üldinimlikke väärtusi. Shakespeare “ puhus sõna otseses mõttes õhku” tolleaegse dramaturgia, tal õnnestus laval näidata inimese sisemaailma, muutes lihtsad farsi ja õpetlikud lood. surematud teosed. 20 aastat oma loomingulisest elust lõi ta midagi, mis on aktuaalne peaaegu viis sajandit. Tema dramaturgi talenti pole keegi ületanud. Tema sonettidest, tragöödiatest ja komöödiatest on saanud surematu klassika. Tänu Shakespeare’ile tekkisid kirjanduses uued ideed, uus ellusuhtumine. Ta tõi teatrilavale elavaid inimesi, mitte aga rangelt piiritletud ideede kandjaid, nagu oli omane tolleaegsele dramaturgiale. Samal ajal kasutas Shakespeare laialdaselt rahvakõne pöördeid, mis seejärel sisenesid orgaaniliselt kirjakeelde.

Meie muuseumi kogus on teiste hulgas üks huvitav väljaanne parimad komöödiad Shakespeare – jaaniöö unenägu. Kandis selle üle saksa keel August Schlegel, illustreerinud Julius Höppner. Raamat ilmus Münchenis.

Justkui meie ajast kirjutas geniaalne Shakespeare "Suveöö unenäo" rohkem kui nelisada aastat tagasi. Uues elureaalsuses olelusvõitluses olevad inimesed on unustanud peamise. Ja mis kõige tähtsam – mitte tülides ja tülides, vaid armastuses ja halastuses, mitte inimeste eraldamises, vaid nende ühendamises ja üksteisemõistmises. Mütoloogias leidub sageli mõistet "kuldne aeg", nagu öeldakse aja kohta, mil inimesed elasid loodusega kooskõlas. Ja meid ümbritsev loodus on palju keerulisem ja ebatavalisem, kui me arvata oskame. See ei esinda mitte ainult Maa elavat keha, vaid ka selle hinge. Ja nii nagu inimtekkeline sekkumine võib hävitada biosfääri, samamoodi võivad inimtülid, arusaamatus ja agressiivsus omasuguste suhtes hävitada selle hinge ja viia kõikvõimalike looduskatastroofideni.

… segatud
Õnnistatud sügis, vihane talv,
Kevad ja suvi; üllatunud maailm
Nende viljade järgi ei tunne ta neid enam ära.
Kuid sellised katastroofid ilmnesid
Kõik meie tülide ja lahkarvamuste tõttu:
Me tekitame neid, me loome neid.

Nii ütleb üks komöödia kangelannadest, haldjate ja päkapikkude kuninganna Titania (loodusjõudude fantastiline kehastus), kelle armastus oma abikaasa Oberoni vastu ei ela läbi kaugeltki parimatest päevadest. Oma panuse sellesse universaalsesse ebakõla annavad noored kangelased, kes samuti ei suuda oma tunnetega toime tulla, ja hertsog Theseus, kes aimab amatsoonide kuningannat Hippolytat. Üldse eksivad Shakespeare’i näidendis noored ja mitte väga noored tegelased lõpmatult palju vigu, inimeste ja võlurite suhetes valitseb pöörane segadus, mille tekitab rahutu metsavaim Pak. (Muide, sellist segadust esineb sageli teistes Shakespeare'i komöödiates, pidage meeles vähemalt kaheteistkümnes öö ja vigade komöödia). Kuid Shakespeare'i geenius harutab lõpuks kõik lahti kõige tõhusamate vahendite abil - armastuse abil. Selgub, et kõik on väga lihtne: harmoonia ja korra taastamiseks universaalsel skaalal on vaja, et inimeste hinges valitseks harmoonia.

Tema eluajal avaldati Shakespeare'i teoseid ainult eraldi vormis. Sõprade esimene täielik teoste kogu koostati ja avaldati alles 1623. aastal. Niinimetatud Shakespeare’i kaanonisse kuulus 37 näidendit, neist vaid 18 nägi näitekirjaniku elu jooksul valgust.

Shakespeare’i looming tähistas inglise keele loomise protsessi lõppu, tõmbas joone alla Euroopa renessanss. Humanistlik printsiip, austus inimese isiksuse ja selle suure ajastu ideaalide vastu, kus Inimene sai peamiseks, tema isiksuse tugevus, võime armastada ja andestada – kõik see teeb ta meile, inimestega, kes elavad maailmas elavate inimestega, väga lähedaseks. täiesti erinev ajastu. Erinevatel aegadel alustati erinevaid "Shakespeare'i-vastaseid" kampaaniaid, kus vaieldi tema autorsuse üle, kuid see rõhutab vaid tema loomingu tähtsust.

Tänaseni on tema näidendid kogu maailma teatrite repertuaari lahutamatu osa ja aluseks. Ja meie nüüdisajal, kinoajastul, on peaaegu kõik Shakespeare’i näidendid filmitud.

Materjali koostas Prosina Tatjana Leonidovna,
museaalide kuraator GBUK LO "GIAPMZ "Park Mon Repos"

Keegi ei tea Shakespeare'i kohta tõde, on ainult legendid,
arvamused, mõned dokumendid ja tema suurepärased teosed.

Keegi pole Shakespeare’i näitekirjanikuna ületanud. 16. sajandil loodud Hamleti roll – kõik näitlejad unistavad sellest, nagu sportlased unistavad olümpiamängude kuldmedalist. Shakespeare'i näidendeid lavastatakse endiselt, filmistuudiod teevad tema teoste põhjal filme ja olenemata sellest, kas tegelased on riietatud ajaloolistesse kostüümidesse või kaasaegsetesse riietesse (nagu näiteks Hollywoodi filmis Shakespeare), kõlavad kõik dialoogid ja mõtted väga asjakohaselt. . Mis seletab Shakespeare'i kui luuletaja ja näitekirjaniku fenomeni? Ennekõike sellega, et juba siis, renessansiajal, puudutas ta üldinimlikke väärtusi. Ta sõna otseses mõttes "puhas õhku" tolleaegse dramaturgia, kui näitas laval inimese sisemaailma, muutes ülesehitavad ja farsilikud süžeed surematuteks teosteks. William Shakespeare oli humanist. Renessansi ideaalid, kus Mees oli peamine, tema armastusvõime ja isiksuse tugevus, kandis ta lavale. Tema eluloo kohta on erinevat teavet. Erinevatel aegadel alustati "Shakespeare'i-vastaseid" kampaaniaid, kus vaieldi tema autorsuse üle. Kuid see ainult rõhutab tema töö tähtsust.

Biograafiast
William Shakespeare sündis Stratfordis, jõe kaldal asuvas väikelinnas, 23. aprillil 1564. aastal. Tema ema Marie Arden oli pärit aadlisuguvõsast, isa oli jõukas kodanik ja mängis omal ajal tõsiseltvõetavat rolli kohalikus poliitikas – oli linnapea ja vallavanem. Tema isa omas Stratfordis mitut maja, ta kauples teravilja, villa ja lihaga, nii et väikesel Williamil oli võimalus õppida kohalikus "gümnaasiumis".
Koolis õpetati retoorika ja grammatika põhitõdesid, kuid põhiaineks oli ladina keel: õpilased lugesid originaalis antiikaja suuri mõtlejaid ja luuletajaid - Seneca, Ovidius, Vergilius, Horatius, Cicero. Tutvus oma aja parimate vaimude töödega kajastus edaspidi tema loomingus. Samas, elades väikeses provintsilinnas, kus kõik tundsid üksteist ja suhtlesid klassist sõltumata, oli Shakespeare tavakodaniku eluga hästi kursis. Temast sai folklooritundja ja paljud tulevaste kangelaste jooned kirjutati kohalikelt maha. Nutikad teenijad, esmased aadlikud, kannatavad inimesed, kes olid konventsioonide raames kitsas – kõik need kangelased ilmusid hiljem tema komöödiates ja tragöödiates.

Sõnn paistis horoskoobi järgi Williamile silma töökus, seda enam, et ta pidi tööle asuma väga varakult - alates 16. eluaastast, kuna isa sattus äris segadusse ega suutnud tervet perekonda ülal pidada. Biograafiline teave selle aja kohta on erinev. Ühe allika väitel töötas William külaõpetajana. Teise legendi järgi oli ta lihunikupoes õpipoiss ja legendi järgi oli ta sel ajal juba humanist – enne loomade tapmist "pidas ta nende üle piduliku kõne". Kaheksateistkümneaastaselt abiellus William Anna Hathawayga, kes oli tol ajal 26-aastane. Kolm aastat pärast abiellumist kolis ta Londonisse. Legendi järgi põgenes Shakespeare teda jälitanud kohaliku mõisniku eest, sest William tappis aadliku valdustes hirve (rikka mehe hirve tapmist peeti vapruseks).
Londonis sai Shakespeare teatrisse tööle. Ta hoolitses külastajate hobuste eest ja oli alguses "näidendimees" ("playpatcher") ehk tänapäeva mõistes ümberkirjutaja – ta töötas vanu näidendeid uuteks lavastusteks ümber. Tõenäoliselt proovis ta end näitlejana, kuid kuulsaks ei saanud. Peagi sai Shakpierist teatri dramaturg. Tema eluaegset tööd hindasid tema kaasaegsed – 1599. aastal, kui loodi Globe Theatre, sai Shakespeare üheks aktsionäriks. Ilmselt oli tema elu materiaalses mõttes edukas.

Loovusest
Shakespeare on Inglismaale sama oluline kui Puškin Venemaale. Tragöödiates ja eriti komöödiates kasutas Shakespeare laialdaselt rahvakõne pöördeid, mis hiljem sisenesid orgaaniliselt kirjakeelde. Kuid tema töö väärtus ei seisnenud ainult selles. 20-aastase loomingulise elu jooksul lõi ta midagi, mis jääb aktuaalseks viieks sajandiks. Tema sonetid, tragöödiad ja komöödiad on saanud klassikaks. Tänu Shakespeare’ile tekkisid kirjanduses uued ideed, uus ellusuhtumine. Laval olevas teatris said kangelasteks tõelised inimesed, mitte aga rangelt piiritletud ideede kandjad, nagu tolleaegsele dramaturgiale omane. William võttis aluseks tavalised teemad ja tõi neisse tolleaegsed arenenud ideed - renessanss.
Tuntud ja armastatud komöödia "Kirja taltsutamine" on üks näide. Komöödia põhines Domostroy farsi süžeel, kui üldiselt ebaviisakas ja kitsarinnaline mees - Fernando taltsutab "jonnakat" ja pahurat Katarinat. Katarina peab lõpus monoloogi, milles ta ülistab patriarhaati ja mille sisuks on see, kui imeline on olla abielus alistuv naine. Shakespeare oma komöödias "Vära taltsutamine" väljus farsist, näidates tolleaegseid humanistlikke ideaale. Katarina pole enam tõre tädi, vaid tolleaegsete tavade ja isa käitumise all kannatav tüdruk, kellel on kapitali suurendamiseks vaja lihtsalt oma tütardega võimalikult kiiresti abielluda. Kaunis õde Bianca on meeste seas edukas ja tahab väga abielluda ning Katarina võitleb oma iseloomu tõttu - sünnist saati tugev ja aktiivne (renessansi ideaal), oma õnne eest. Ta ei taha abielluda niisama, vaid selleks, et isale meeldida – ta tahab armastada ja olla armastatud.

Samas on pilt isast koomiline - ta ise kannatab kohaliku meessoost elanikkonna seas kurikuulsa tütre kohatu käitumise all ning seetõttu magab ja näeb, millal julge on - ja alati väga rikas! - mees, et kiiresti vabaneda vanima tütre iseloomu ilmingutest. Selles komöödias suutis Shakespeare lisaks huvitavale süžeele ja naljakatele dialoogidele näidata mitmeid ideid, mis on tänapäevani tänapäevani ja mõnes riigis võib neid isegi edasijõudnuteks nimetada. Üldiselt ei ole näidendi sisuks meeste leidlikkuse ja isegi mitte meeste ja naiste võrdsuse ülistamine. Shakespeare näitas siin üksteist harmooniliselt täiendava mehe ja naise "võrdväärsust" ning "alluva" naise Katharina viimane monoloog on just sellest. Tema sõnul kõlab lugupidav suhtumine abikaasasse:

"... Sinu eest hoolitsemisel
Ta töötab maal ja merel,
Ei maga öösel tormis, talub külma,
Kui olete kodus soojas peesitades,
Ohtude teadmatus ja raskused.
Kõik, mida ta sinult tahab, on armastus
Sõbralik pilk, kuulekus -
Tema töö eest on vähe palka."

Katarina ei ajanud lihtsalt lärmi, vaid tõestas oma väärtust inimesena, kes vajab väärilist partnerit. Petruchio osutus selleks - julgeks ja leidlikuks, kes tundis tüdruku vastu siirast huvi (kuigi raha mängis esmatähtsat rolli). Teine idee, mis on üsna looritatud, kuid peegeldab vene vanasõna "Kõik, mis sädeleb, pole kuld", oli võlur Bianca käitumine, kes paljastas ka oma iseloomu: "Nii et sa käitud veelgi lollimalt, kui paned raha. minu alandlikkus." Teisest küljest, miks mitte näha selles lauses, et Bianca lihtsalt õppis midagi oma õe käest näidendi käigus?

Esimene loomeperiood on eriti särav ja rõõmsameelne. Shakespeare lõi nende aastate jooksul hiilgava komöödiaseeria: lisaks filmile "Välja taltsutamine" on laialt tuntud näidendid "Kaheteistkümnes öö", "Suveöö unenägu", "Nagu teile meeldib", "Palju kära ei millestki". Sonetid. Need on laialt tuntud, aga huvitav on see, et erinevalt oma eelkäijatest laulab poeet sonettides sõprusest.Shakespeare’i sõnul on see rikkam kui armastuskirg.Sonettides leidsid väljenduse luuletaja erinevad mõtted ja tunded.Ta räägib sõprusest, armastusest ja umbes Isegi ajalooliste kroonikate tsükkel - verised draamad ("Henry IV", "Henry V"), mis sel ajal kirjutatud, ei ole nii sünge: kõik lõpeb peategelase võidukäiguga, on ka koomiline tegelane - Sir Falstaff. Võib-olla on Shakespeare siin - tahtes või mitte - püüdis näidata elu sellisena, nagu see on - rõõmu ja traagikaga. Hiljem ei olnud ta enam nii rõõmsameelne.
Tragöödia "Hamlet" avab poeedi ja näitekirjaniku loomingu teise etapi. Siin pole enam hoolimatut lõbu ja võitjate kangelased muutuvad üha enam ohvriteks, kuid nad võitlevad ja elavad endiselt. Peaaegu kõik näitlejad unistavad Hamleti mängimisest, sest laval rullub lahti Hamleti sisemaailm, tema visklemine, kannatus, valikupiin. Samal ajal püüab Hamlet oma tegudest aru saada, ta mõtleb pingsalt elule ega näe väljapääsu isegi surmas.

Kui see poleks hirm millegi ees pärast surma,
Tundmatust riigist, kust mitte ühtegi
Siiani pole rändur tagasi tulnud.
See raputab ja ajab tahte segadusse,
Mis paneb meid kannatusi kiiremini taluma,
Selle asemel, et põgeneda teiste, tundmatute probleemide eest,
Jah, kahtlus teeb meid argpüksiks...

Pärast kohtumist oma isa kummitusega pöördub Hamleti elu pea peale. Ja kui varem oli ta õrn unistaja ja valgustatud inimene, siis nüüd on maailm tagurpidi pööranud ja esitanud oma teise poole: "Kui tüütu, tuim ja tarbetu, mulle tundub, kõik, mis on maailmas! jälkus!". Lubades oma isale kätte maksta, teeb Hamlet raske valiku ja otsustab hävitada oma isa tapja - Claudiuse. Kuid vihkamisel ja mõrval on tõsised tagajärjed: Hamlet tapab süütu Poloniuse, põhjustades hullumeelsuse ja oma armastatud naise Ophelia surma. Ohvriks saab ka tema ema, Claudiuse kuninganna ja praegune abikaasa, kuigi nii Hamleti kui Claudiuse eesmärgid on samad – esimene tahab kuninganna eemaldada "tihedast lihaklombist", nagu ta Claudiust kutsub, ja Claudius tahab trooni ja oma naist endale jätta. Kuid kuninganna joob Hamletile mõeldud mürki ja sureb. Tragöödias toob üks mõrv välja terve rea surmajuhtumeid. Teel näitab Shakespeare "Hamletis" teisigi ühiskonnaelu tahke, mida Hamlet (autori järel) peab ebaõiglaseks. Jutt käib stseenist, kus 20 000 sõdurit - tavainimesi - saadetakse aadlike poolt surnuks maatüki nimel Poolas, mille rendi eest on kahju anda "viis dukaati". Ja kuigi Hamlet teeb oma järelduse - enda otsustamatuse kohta, on inimelu hindamatuse teema juba kindlaks tehtud. "Hamleti" tõlgendusi on kirjutatud tuhandeid köiteid – iga uurija leiab sellest midagi oma. Iga näitleja ja lavastaja lavastab tragöödia selleks, et näidata ka enda oma, esile tuua mõnd oma aktsenti ja kõik need osutuvad tõeks. Ja see rõhutab veel kord Shakespeare'i kui näitekirjaniku suursugusust. Surres päästis Hamlet siiski ühe elu – oma sõbra Horatio, leides talle õiged sõnad: "Hingake sisse karmi maailma, et rääkida minu lugu." Samal teisel loomeperioodil kirjutati teisigi tuntud tragöödiaid - Othello, Kuningas Lear, Macbeth. Kolmanda loometsükli teosed pole nii tuntud: "Cymbeline", "Talvejutt", "Torm".

Need on kirjutatud allegoorilise fantaasia žanris, kuna teatrit, mille jaoks Shakespeare kirjutas, tellib juba üllas publik, kes soovis nalja ja meelelahutust. Kuid ka siin leiavad oma väljenduse humanistlikud ideaalid – see on andeka poeedi ja näitekirjaniku usk inimkonna helgesse tulevikku, rahuliku rahu lubadus.

William Shakespeare

Suure inglise kirjaniku William Shakespeare'i looming on ülemaailmse tähtsusega. Shakespeare'i geenius on kallis kogu inimkonnale. Humanistist poeedi ideede ja kujundite maailm on tõeliselt tohutu. Shakespeare'i universaalne tähendus seisneb tema loomingu realistlikkuses ja rahvuslikkuses.

William Shakespeare sündis 23. aprillil 1564 Stratford-on-Avonis kinda peres. Tulevane näitekirjanik õppis gümnaasiumis, kus õpetati ladina ja kreeka keelt, samuti kirjandust ja ajalugu. Elu provintsilinnas andis võimaluse tihedaks kontaktiks inimestega, kellelt Shakespeare õppis inglise folkloori ja rahvakeele rikkust. Mõnda aega oli Shakespeare nooremõpetaja. Aastal 1582 abiellus ta Anna Hathawayga; tal oli kolm last. 1587. aastal lahkus Shakespeare Londonisse ja asus peagi lavale mängima, kuigi näitlejana tal erilist edu ei saavutatud. Alates 1593. aastast töötas ta Burbage'i teatris näitleja, lavastaja ja dramaturgina ning aastast 1599 sai temast Globe'i teatri aktsionär. Shakespeare’i näidendid olid väga populaarsed, kuigi tema nime teadsid tollal vähesed, sest publik pööras tähelepanu eelkõige näitlejatele.

Londonis kohtus Shakespeare noorte aristokraatide rühmaga. Üks neist, Southamptoni krahv, pühendas ta oma luuletused Veenus ja Adonis (Venus ja Adonis, 1593) ning Lucrece (Lucrece, 1594). Lisaks nendele luuletustele kirjutas ta sonetikogu ja kolmkümmend seitse näidendit.

Aastal 1612 lahkus Shakespeare teatrist, lõpetas näidendite kirjutamise ja naasis Stratford-on-Avonisse. Shakespeare suri 23. aprillil 1616 ja maeti oma kodulinna.

Teabe puudumine Shakespeare'i elu kohta tekitas nn Shakespeare'i küsimuse. Alates 18. sajandist. mõned uurijad hakkasid väljendama mõtet, et Shakespeare'i näidendeid ei kirjutanud Shakespeare, vaid keegi teine, kes tahtis oma autorsust varjata ja avaldas oma teoseid Shakespeare'i nime all. Herbert Lawrence väitis 1772. aastal, et näitekirjanik oli filosoof Francis Bacon; Delia Bacon väitis 1857. aastal, et näidendid on kirjutanud Walter Raleighi ringi liikmed, kuhu kuulus ka Bacon; Carl Bleibtrey 1907. aastal, Dumblon 1918. aastal, F. Shipulinsky 1924. aastal püüdsid tõestada, et lord Rutland oli näidendite autor. Mõned teadlased on omistanud autorluse Earl of Oxfordile, Earl of Pembroke'ile ja Earl of Derbyle. Meie riigis toetas seda teooriat V. M. Friche. I.A.Aksenov uskus, et paljud näidendid pole Shakespeare'i kirjutatud, vaid ainult tema toimetatud.

Teooriad, mis eitavad Shakespeare'i autorsust, on vastuvõetamatud. Need tekkisid umbusaldamise põhjal nende traditsioonide vastu, mis olid Shakespeare'i eluloo allikaks, ja soovimatusest näha ülikooli mitte lõpetanud demokraatliku päritoluga inimeses geniaalset talenti. Shakespeare'i elust teadaolev kinnitab täielikult tema autorsust. Filosoofiline meel, poeetiline maailmavaade, teadmiste laius, sügav arusaam moraalsetest ja psühholoogilistest probleemidest - Shakespeare'il oli see kõik tänu suurenenud lugemisele, inimestega suhtlemisele, aktiivne osalemine oma aja tegemistes tähelepanelik ellusuhtumine.

Shakespeare'i karjäär jaguneb kolmeks perioodiks. Esimesel perioodil (1591-1601) loodi luuletused "Venus ja Adonis" ja "Lucretia", sonette ja peaaegu kõik ajaloolised kroonikad, välja arvatud "Henry VIII" (1613); kolm tragöödiat: "Titus Andronicus", "Romeo ja Julia" ja "Julius Caesar". Sellele perioodile iseloomulikum žanr oli rõõmsameelne helge komöödia (“Kirja taltsutamine”, “Suveöö unenägu”, “Veneetsia kaupmees”, “Windsori rõõmsad naised”, “Palju kära ei millestki” , "Nagu teile meeldib", "Kaheteistkümnes öö").

Teist perioodi (1601-1608) iseloomustas huvi traagiliste konfliktide ja traagiliste kangelaste vastu. Shakespeare loob tragöödiaid: Hamlet, Othello, kuningas Lear, Macbeth, Antony ja Cleopatra, Coriolanus, Ateena Timon. Sel perioodil kirjutatud komöödiad kannavad juba traagilist peegeldust; komöödiates "Troilus ja Cressida" ning "Measure for Measure" tugevdatakse satiirilist elementi.

Kolmandasse perioodi (1608-1612) kuuluvad tragikomöödiad "Perikles", "Cymbeline", "Talvejutt", "Torm", milles esinevad fantaasia ja allegorism.

Shakespeare'i sonetid (1592–1598, ilmus 1699) olid inglise renessansi luule tipphetk ja verstapost maailma luule ajaloos. XVI sajandi lõpuks. sonetist sai inglise luule juhtiv žanr. Shakespeare’i sonetid on oma filosoofilise sügavuse, lüürilise jõu, dramaatilise tunnetuse ja musikaalsuse poolest tolleaegse sonetikunsti arengus silmapaistval kohal. Shakespeare'i 154 sonetti saavad omamoodi kokku lüüriline kangelane, mis laulab tema pühendunud sõprusest imelise noormehega ning tema tulihingelisest ja valusast armastusest swarzy daami vastu (The Dark Lady of the Sonets). Shakespeare'i sonetid on lüüriline ülestunnistus; kangelane räägib oma südameelust, oma vastuolulistest tunnetest; see on kirglik monoloog, mis mõistab vihaselt hukka ühiskonnas valitsenud silmakirjalikkuse ja julmuse ning vastandub neile püsivate vaimsete väärtustega - sõprus, armastus, kunst. Sonetid avavad oma aja probleemidele elavalt reageeriva lüürilise kangelase keeruka ja mitmetahulise vaimse maailma. Luuletaja ülendab inimese vaimset ilu ja kujutab samas elu traagikat tolleaegsetes tingimustes.

Kunstiline täiuslikkus sügavate filosoofiliste ideede väljendamisel on lahutamatu soneti sisutihedast, kokkuvõtlikust vormist. Shakespeare'i sonett kasutab järgmist riimiskeemi: abab cdcd efef gg. Kolmes katräänis antakse dramaatiline teemaarendus, sageli kontrastide ja antiteeside abil ning metafoorse kujundi vormis; viimane distich on aforism, mis sõnastab teema filosoofilise mõtte.

130. soneti mustjas daami kujutist eristab tõetruu lüürilise portree oskus. Shakespeare keeldub maneerilistest, eufemistlikest võrdlustest, püüdes kujutada naise tegelikku palet:

Ta silmad ei näe välja nagu tähed, Tema huuli ei saa nimetada korallideks, Tema avatud nahk ei ole lumivalge, Ja niit keerleb nagu must traat. Damaskuse roosiga, helepunase või valgega, nende põskede varju ei saa võrrelda. Ja keha lõhnab nii, nagu keha lõhnab, Mitte nagu õrn violetne kroonleht. (Tõlkinud S. Marshak)

Sonettide hulgas, milles väljenduvad olulisemad sotsiaalsed ideed, torkab silma 66. sonett. See on alatusel, alatustel ja pettusel põhineva ühiskonna vihane hukkamõist. Lapidaarsetes fraasides nimetatakse kõiki ebaõiglase ühiskonna haavandeid. Lüüriline kangelane on nii mures tema ees avanenud kohutava pildi pärast võidukast kurjusest, et ta hakkab hüüdma surma. Sonett lõppeb aga kerge meeleolu pilguga. Kangelane mäletab oma armastatut, kelle nimel ta peab elama:

Kõik on alatu, mida ma ümberringi näen, Aga kahju on sinust lahkuda, kallis sõber!

Oma süüdistava monoloogi, mis on otsene nördimuspuhang, lausub lüüriline kangelane ühe hingetõmbega. Seda annab edasi liidu "ja" kordamine kümnes poeetilises reas. Sõnade "tir" d kasutamine kõigi nendega "(olles kõigest kurnatud ...) soneti alguses ja lõpus rõhutab otsest seost lüürilise kangelase kogemuste ja tolleaegsete sotsiaalsete probleemide vahel. Kangelane neelab oma vaimsesse maailma kõike, mis inimest avalikus maailmas erutab.Lüürilise kangelase draamakogemused väljenduvad energiliste fraaside pealesunnimises, millest igaüks on antitees, mis taastoodab tõelist sotsiaalset vastuolu. enam ei näe midagi luksuslikus riietuses ja vale lauset täiuslikkuse kohta ja neitsilikkust, mida on ebaviisakalt kuritarvitatud, ja kohatut au, häbi ja jõudu vangistuses nõrkuses hambutu ...

Lüürilise kangelase intensiivsed tunded vastavad sagedasele ja rangele assonantside ja alliteratsioonide vaheldumisele:

Ja rumalus - arsti moodi - kontrollimisoskus... Ja vangistuses hea kapten haige...

Keele ja stiili abil on elevil kangelase emotsioonide kogu tugevus suurepäraselt edasi antud. Sonet 146 on pühendatud inimese suurusele, kes tänu oma vaimsele otsingule ja väsimatule loomingulisele põlemisele suudab saavutada surematuse.

Valitse põgusas elus surma üle, ja surm sureb ja sina jääd igaveseks.

Lüürilise kangelase vaimse maailma mitmekülgsed seosed erinevate külgedega avalikku elu tolle aja kohta rõhutavad metafoorsed kujundid, mis põhinevad poliitilistel, majanduslikel, õiguslikel ja sõjalistel kontseptsioonidel. Armastus avaldub tõelise tundena, seega võrreldakse armastajate suhet tolleaegsete sotsiaalpoliitiliste suhetega. 26. sonetis esinevad mõisted vasalli sõltuvus (vassalage) ja saadikukohustused (saadik); 46. ​​sonetis – juriidilised terminid: "kostja lükkab nõude tagasi" (kostja eitab seda väidet); 107. sonetis majandusega seotud kujund: “armastus on nagu rent” (minu tõelise armastuse rent); 2. sonetis - militaarterminid: "Kui nelikümmend talve piiravad su kulmu ja kaevavad sügavaid kaevikuid ilu" s väljal .. .).

Shakespeare'i sonetid on muusikalised. Kogu tema luuletuste kujundlik ülesehitus on muusikalähedane.

Ka poeetiline kujund Shakespeare’is on pildipildile lähedane. Soneti verbaalses kunstis toetub luuletaja renessansikunstnike avastatud perspektiiviseadusele. 24. sonett algab sõnadega: Minu silmast on saanud graveerija ja sinu pilt on tõepäraselt mu rinnale jäänud. Sellest ajast alates olen olnud elav raam ja parim asi kunstis on perspektiiv.

Perspektiivitaju oli viis väljendada olemise dünaamikat, reaalse elu mitmedimensioonilisust, inimese individuaalsuse ainulaadsust*.

* Vaata: Samarin P.M. Shakespeare'i realism. - M., 1964, Ch. "Shakespeare'i sonettide esteetiline problematika". Sonettide lüüriline tragöödia areneb Shakespeare'i tragöödiates. Sonet 127 eeldab traagiline teema"Othello":

Musta ei peetud ilusaks, Kui ilu maailmas hinnati. Aga ilmselt on see muutunud. valge valgus- Ilus häbi teostus.

Miniatuuris 66. sonett sisaldab tragöödiale "Hamlet" omast filosoofilist sisu ja lüürilist tooni.

Shakespeare'i sonette tõlkisid vene keelde I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tšaikovski, E. Uhtomski, N. Kholodkovski, O. Rumer. Parimateks tunnistati 1949. aastal ilmunud S.Ya.Marshaki tõlked, kes suutis edasi anda Shakespeare’i sonettide filosoofilist sügavust ja musikaalsust.

Shakespeare’i humanistlik maailmavaade avaldub erilise jõuga ühiskonna-poliitiliste konfliktide ja traagiliste vastuolude kunstilises analüüsis inimese ja ühiskonna elus, mis on antud tema ajalookroonikates. Ajalookroonika žanri olemus seisneb reaalsete isikute ja rahvusliku ajaloo sündmuste dramaatilises kujutamises. Erinevalt tragöödiatest, kus Shakespeare kaldus disaini huvides kõrvale täpsest kujutamisest. ajaloolised faktid, kroonikat iseloomustab ajaloosündmuste truu reprodutseerimine, mis aga hõlmab kunstilist oletust ja materjali kunstilist taasloomist*.

* Vaata: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Uuringud. - M., 1977; Komarova V.P. Isiksus ja riik Shakespeare'i ajaloolistes draamades. - L., 1977.

Shakespeare'i ajaloolistes kroonikates on kümme näidendit:

"Henry VI. Esimene osa "(Kuningas Henry VI esimene osa, 1590-1592);

"Henry VI. Teine osa "(Kuningas Henry VI teine ​​osa, 1590-1592);

"Henry VI. Kolmas osa "(Kuningas Henry VI kolmas osa, 1590-1592);

"Richard III" (Kuningas Richard III tragöödia, 1592-1593);

"Richard II" (Kuningas Richard II tragöödia, 1595-1597);

"Kuningas John" (The Life and Death of King John, 1595-1597);

"Henry IV. Esimene osa "(Kuningas Henry IV esimene osa, 1597-1598);

"Henry IV. Teine osa "(Kuningas Henry IV teine ​​osa, 1597-1598);

"Henry V" (Kuningas Henry V elu, 1598–1599);

"Henry VIII" (Kuningas Henry VIII elulugu, 1612-1613).

Ajalookroonikas annab Shakespeare oma arusaama ja tõlgenduse ajaloolistest sündmustest ja ajalooliste isikute tegudest. Mineviku materjalil lahendab ta probleeme, mis kaasaegseid muretsesid. Ajalugu tema kroonikates teenib teadmisi tipptasemelühiskond. Kroonikaid, aga ka tragöödiaid iseloomustab eetiline paatos, hea ja kurja probleemi filosoofiline sõnastus, humanistlik huvi indiviidi ja tema saatuse vastu. Kroonikad on paljuski lähedased mitte ainult Shakespeare’i tragöödiatele, vaid ka Shakespeare’i komöödiatele; nad annavad koomiliselt kujutatud "Falstaffi tausta".

Ajalookroonika žanri esilekerkimine on tingitud inglise tegelikkuse enda vastuoludest. V. G. Belinsky põhjendas ajalookroonika arengut Inglismaal nii: „Ajaloodraama on võimalik ainult siis, kui riigi olelusvõitluse heterogeensed elemendid. Ega asjata pole draama ainuüksi inglaste seas kõrgeima arengutaseme saavutanud; Pole juhus, et Shakespeare ilmus Inglismaal ja mitte üheski teises osariigis: mitte kusagil ei olnud riigielu elemendid nii vastuolus, sellises omavahelises võitluses nagu Inglismaal.

* Belinsky V. G. Poly. kogumine tsit.: 13 köites - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

Shakespeare’i pöördumine ajalookroonika žanri poole oli tingitud ka avalikkuse suurenenud huvist rahvusliku ajaloo vastu võitlemise perioodil rahvusriigi tugevdamise nimel. Ajalookroonika süžeede allikaks oli juba mainitud R. Holinshedi teos "Inglismaa, Šotimaa ja Iirimaa kroonikad".

Henry VI triloogias on joonistatud lai lõuend: kujutatakse Scarlet and White Roses sõda, mil Inglise parunid hävitasid üksteist julmalt Lancasterite ja Yorkide omavahelises võitluses. Shakespeare näitas õigesti feodaalide veriseid tülisid, mõistis hukka mõlemad sõdivad pooled. Näitekirjanik pooldab tugevat kuninglikku võimu, mis võiks lõpetada feodaalsõjad. Seetõttu mõistab ta hukka kuningas Henry VI, kes on nõrk mees, kes ei suuda riiki valitseda, ei suuda rahustada sõdivaid paruneid. Henry VI ei pane toime mingeid julmusi, kuid ta on süüdi riigipea kohustusest kõrvale hiilimises ja unistas kroonist loobumises, et saada karjaseks. Henry VI sureb just seetõttu, et ta ei suutnud talle antud võimu targalt kasutada.

Shakespeare'i ajaloolised kroonikad näitavad inimeste tugevust. Parunid on sunnitud arvestama masside meeleoluga. "Henry VI" teine ​​osa kujutab John Cadi mässu 1450. aastal. Shakespeare paljastas rahva protesti mustri, mis tekkis seoses talupoegade ja linnakäsitööliste raske olukorraga feodaalsete kodustülide tõttu. Shakespeare nägi aga, kuidas feodaalid kasutasid rahva mässu oma isekatel eesmärkidel.

Triloogia "Henry VI" kirjeldab selliseid tingimusi ühiskonna elus, mis viivad türanni esilekerkimiseni. Aristokraatide verine rivaalitsemine oli Gloucesteri Richardi, tulevase Richard III võimuletuleku eeldus. Triloogia finaalis muutub aina mõjukamaks Richard Gloucesteri tume isiksus.

Lavastuses "Richard III" saab see tegelane keskseks. Lavastus ise on oma ülesehituselt lähedane traagikale. "Henry VI-le" omane tähelepanu ajaloosündmuste kulgemisele asendub "Richard III-s" tähelepanuga kangelase iseloomule ja tema konfliktile teistega. Richard III ei esine mitte lihtsalt võimu anastava tegelasena, vaid ka veenva tegelasena psühholoogiliselt iseloom. Shakespeare arendab tema kui türanni süüdistava iseloomustuse, mis on talle antud Thomas More'i raamatus "Richard III ajalugu" (1514-1518). Shakespeare mõistab hukka Richard III kui poliitiku, kes kasutab võimu saavutamiseks Machiavelli viise, kasutades troonivõitluses kriminaalseid tegusid. Ta varjab oma julmust ja kuritegelikke plaane silmakirjalike argumentidega hea kohta. Samal ajal, üksi iseendaga, räägib ta otse oma kavalusest, teadlikust kavatsusest mitte arvestada oma südametunnistusega.

Richard III on tark ja julge, tal on suur tahtejõud, vallutades neid, kes kohtlevad teda umbusaldades ja vaenulikult. Tema käitumine on mäng, mis eksitab paljusid. Tal õnnestus Anna võrgutada, teades, et ta oli ta mehe tapnud. Richard III kaabakas välimuses on titaanlik algus. Pole juhus, et V. G. Belinsky kirjutas: „Traagiline nägu peab kindlasti äratama osalust. Richard III ise on kaabakuse koletis, äratab endas osalust hiiglasliku vaimujõuga. Richard III, kes põhjendas oma julmust sõnadega: "Rusikas on meie südametunnistus ja seadus on meie mõõk", kogeb lõpuks südametunnistuse piinasid ja mõistab surma ees hukka vande murdmise, mõrvade ja sellega kaasnenud end üksindusele määrates.

* Belinsky V. G. Poly. kogumine tsit.: 13 köites - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

Lavastuses olev tegevus on peategelase kavalate kurikavalate plaanide elluviimine, see demonstreerib Richard III intriigikunsti, kes ise tegutseb vägivalla- ja mõrvastseenides näitleja ja lavastajana. Ta mängib enesekindlalt ja julgelt, tema teod viivad eduni: ta otsib trooni. Kuid kuningaks saades tunneb türann, et ta ei saa kuritegudega oma võimu tugevdada.

Mõistes hukka türannia, esitab Shakespeare idee monarhiast, mis võib luua riigis rahu ja vaikuse. Türann Richard III vastandub Tudorite dünastia rajajale Richmondi krahvile. See pilt on siin ainult välja toodud, kuid selle ideoloogiline ja kompositsiooniline tähtsus on suur: sellega on seotud idee despotismi vastu võitlemise vajadusest, türannia üle võidu saavutamise seadustest. Richmondi kuvandil välja toodud monarhi teema, riigi heaolu eest hoolitsemine, kasvab järgmises kroonikas - "Kuningas John" - patriootliku monarhi teemaks. Näidend loodi ajal, mil Inglismaa tundis end katoliikliku Hispaania ohustatuna. Seetõttu sai kroonikas keskseks patriotismi ja katoliikluse hukkamõistmise teema. Patriotismi teema avaldub John the Landlessi ja Bastard Fockenbridge'i piltidel.

Shakespeare’i isamaaline positsioon on näidendi "Richard II" tegelaste käitumise hindamisel põhikriteerium. Oma süžeelt on see draama lähedane Christopher Marlowe'i "Edward II-le". Mõlemas teoses on kujutatud rikutud kuninga keeldumist kroonist ja tema surma. Süžeesituatsiooni sarnasust ei seleta aga niivõrd Marlo draama mõju Shakespeare’i draamale, kuivõrd ajalooliste isikute saatuste lähedus. Kaval Richard II tunneb, et aeg on tema vastu pöördunud. Sügavas vaimses kriisis keeldub ta kroonist.

Hertsog Henry Bolingbroke, Richard II antagonist, on tark ja peen poliitik. Bolingbroke’i julgus ja julgus äratasid tema vastu inimestes kaastunnet. Hertsog kasutab oma populaarsust lihtrahva seas oskuslikult ära oma ambitsioonikate plaanide elluviimiseks. Shakespeare suhtub Bolingbroke’i patriotismi suure kaastundega, kuid räägib ilmse vaenulikkusega oma silmakirjalikkusest, ettevaatlikkusest ja ambitsioonikusest. Võimu anastamist esindab ebamoraalne tegu, mis viib kuriteole – Richard P. mõrvamiseni.

Shakespeare'i parimad ajaloolised draamad on kaks osa "Henry IV" ja "Henry V". Bolingbroke, kellest sai kuningas Henry IV, satub feodaalidega konflikti. Tema peamised vastased on Percy perekonnast pärit parunid. Kuninga vastu mässu tõstes tegutsevad feodaalid ebajärjekindlalt, omakasupüüdlikud huvid ei lase neil ühineda. Selle mässuaegse lahknevuse tagajärjel hukkub traagiliselt vapper Henry Percy, hüüdnimega Hotspur (“Kuum Spur”). Ja selles kroonikas näitab Shakespeare feodaalide lüüasaamise vältimatust kokkupõrkes kuningliku võimuga. Sellegipoolest on Hotspuri rüütlit kujutatud positiivselt. Ta äratab kaastunnet oma lojaalsuse pärast sõjaväelise au, julguse ja kartmatuse ideaalile. Shakespeare'i köidavad vapra rüütli moraalsed omadused. Kuid ta ei aktsepteeri Hotsperit kui feodaalide huve väljendavat inimest, kes on seotud minevikku hääbuva jõududega. Hotspur tegutseb Henry IV, prints Harry ja Falstaffi vastasena ning jääb selgelt alla nendele kangelastele, kes esindavad ühiskonna uusi, arenevaid jõude. Lavastus peegeldab objektiivset aja seaduspärasust: feodaalide traagilist surma ja uue jõu – absolutismi – järkjärgulist kehtestamist.

Kuningas Henry IV, sattunud tänu osavale diplomaatilisele tegevusele troonile, kaotab lõpuks oma aktiivsuse ja satub sarnaselt tema eelkäijatega moraalsesse kriisi. Henry IV on mures, et tal ei õnnestunud riiki vennatapusõdadest vabastada. Vahetult enne haige Henry IV surma, eemaldudes oma endistest kahtlustest ja salatsemisest, väljendab ta vestluses oma pojaga otsekoheselt muret Inglismaa saatuse pärast, andes prints Harryle nõu avalikes asjades. Henry IV ei suutnud võitlust feodaalide vastu lõpuni viia, sest ta ise käitus alati feodaalina ja tuli võimule feodaalina, olles trooni anastanud.

"Henry IV" mõlema osa süžees on kõige olulisem roll prints Harry, tulevase kuninga Henry V kujundil. Vastavalt renessansiajal eksisteerinud legendile kujutas Shakespeare prints Harryt lahustuva mehena. lubades Falstraffi seltsis lõbusaid ja naljakaid seiklusi. Kuid vaatamata oma labasusele on prints Harry moraalselt puhas mees. Kuigi tegelikkuses oli prints Harry julm seikleja, kujutas Shakespeare teda imelise noormehena. Printsi idealiseerimise põhjustab Shakespeare’i usk rahvust ühendava absoluutse monarhia progressiivsesse olemusesse.

Prints Harry iseloom on mitmetahuline. Ta tegutseb lahingus otsustavalt ja julgelt, rahvaga suheldes elav ja otsekohene, riigiasjades tark ja ettenägelik. Prints Harry veedab oma elu meelelahutuses, koos Falstaffi, Bardolphi ja Püstoliga lõbutseb ta kõrtsis Boar's Head. Kuid isegi karussingu stseenides jääb Harry aateliseks meheks. Ta köidab lahke suhtumisega tavalistesse inimestesse, oskusega leida nendega ühine keel. Juhtides lahustuva mehe elu, mõtleb prints samal ajal väga tõsiselt, kuidas ta võimule saab ja riiki valitseb. Demokraatlik suhtlemine ühiskonna madalamate klassidega on prints Harry jaoks laialdane tutvumine nendega, kellest saavad tema alamad.

Ajalookroonikates "Henry IV" ja "Henry V" on kujutatud kirjud plebeilikud ühiskonnakihid – talupojad, teenijad, sõdurid, kaupmehed, nn "Falstaffi tausta". Realism ajalooline draama määrab ühiskonna mitmetahuline ja mitmetahuline kuvand. Suure tähtsuse omandab küsimuse tõstatamine rahva positsioonist, monarhi suhetest rahvaga. "Falstaffi taust" on realistlik pilt ühiskonna madalamate kihtide elust, mitte ainult ajast, mil kroonikate tegevus toimub, vaid ka Shakespeare'i kaasaegsest Inglismaast.

“Falstaffi tausta” tegelaste seas torkab silma eelkõige sir John Falstaffi särav koomiline kujund. See paks rüütel ajab naerma oma lõputute veidruste ja teravmeelse kõnega. Falstaffis on palju pahesid. Ta on libertiin, joodik, valetaja ja röövel. Sellest ka satiirilised puudutused sellel pildil. Kuid peamine asi Falstaffis on lõbus, kunstiline mäng, lõputu leidlikkus. See pilt annab edasi inimloomuse võlu, mida ei piira sotsiaalsed kokkulepped. Falstaff on heatujuline ja avameelne, rõõmsameelne ja rõõmsameelne, ettevõtlik ja tark. Koomiliste tegelaskujude ümbritsetuna näiv kelmikas ja vallatu Falstaff kehastab renessansi rõõmsat vaimu, astudes vastu nii keskaja religioossele moraalile kui ka kodanlike ringkondade puritaanlikule silmakirjalikkusele. Falstaff naerab religioosse fanatismi üle. Vaesunud aadlik ja rüütel elab maanteeröövlitest. Olles teadlik raha võimust, ei kummarda ta samal ajal nende ees. Erinevalt kodanlusest jääb Falstaff ilma kogumisjanust või pisivarumisest ja kokkuhoidlikkusest. Ta vajab raha, et elu nautida.

Falstaff on Hotspuri vastu rüütli au tagasilükkamisega. Feodaalide rüütli au taandati kohustuslikuks osalemiseks vastastikustes sõdades. Rüütel Falstaff suhtub rüütli ausse negatiivselt just seetõttu, et näeb sõja mõttetut julmust. Falstaff on koomiline pilt tolleaegsest sõdalasest. Ta on väga mures oma elu pärast, mis on talle kallim kui miski maailmas, seetõttu ei teeni ta eriti kõvasti, varjates oma teenistushimu puudumist kavaluse ja valedega.

Falstaff võlub oma piiritu eluarmastuse, ohjeldamatu fantaasia, vallatu puhkmeele, enesekindluse, läbinägeliku ja teravmeelse feodaalmoraali kriitikaga. Falstaffi küünilised hinnangud on vorm, milles paljastatakse ja rõhutatakse suhete ebaatraktiivset olemust feodaalühiskonnas.

Shakespeare'i üks olulisemaid kujundeid, Falstaff esindab Shakespeare'i draama koomilist maailma, Hamlet aga tragöödia maailma. Falstaffi kujutis on koomiline vastavus ajalooliste kroonikate põhisisu traagilisele plaanile. Need probleemid, mis avanevad põhiloos traagilises aspektis, "Falstaffi taustal" on antud koomilises võtmes. Falstaffi kõne esitatakse proosas, vastupidiselt traagiliste tegelaste poeetilisele kõnele. Tema kõne on otsekohene, selles avaldub väga loomulikult rahvuskeele naerukultuur. Sageli põhinevad Falstaffi teravmeelsused sõnade homonüümsel kõlal mängimisel, paroodial. Falstaffi koomiline kuvand põhineb ka allajoonitud lahknevusel paksu, eaka talgulise välimuse ja noore mehe rõõmsameelsete, julgete tegude ja väljaütlemiste vahel.

Prints Harry sõbruneb vaimuka hedonisti Falstaffiga. Kui printsist saab kuningas Henry V, eemaldab ta Falstaffi enda juurest. Nendes tegelassuhetes on vastukaja Henry V ja Falstaffi prototüübiks peetava sir John Oldcastle'i tegelikust suhtest.

Falstaffi ja prints Harry suhe on täis sügavat tähendust. Tänu sõprusele Falstaffiga ühineb prints Harry renessansiaegse kriitika- ja rõõmsameelsuse vaimuga, tutvub lihtrahva elu ja tavadega. Suhetes prints Harryga on Falstaff usaldav; ta peab printsi oma tõeliseks sõbraks. Selles renessansiajastu isiksuse sõbralikus kiindumuses, vaimses suuremeelsuses avaldub Falstaffi üleolek "ideaalsest monarhist". Kuid Falstaff jääb uute asjaolude kaine hindamisel prints Harryle alla. Prints Harry vaheaeg Falstaffiga on vältimatu. Võimule tulnud “ideaalne monarh” Henry V hülgab endised renessansiaegsed vabamehed. Absolutistliku režiimi tugevdamiseks pole vaja ei huumorit ega suuremeelsust.

Loovuse esimesel perioodil lõi Shakespeare koos ajalookroonikatega rõõmsaid, optimistlikke komöödiaid, milles inimene tegutseb oma õnne loojana, ületades mõnikord keerulisi dramaatilisi olukordi. Komöödiate hulka kuuluvad järgmised näidendid: "Vigade komöödia" (1591), "Väga taltsutamine" (1594), "Verona kaks härrasmeest" (1594-1595), "Armastuse viljatud jõupingutused" (Love "s Labour" s Lost, 1594). -1595), "Suveöö unenägu" (A jaaniöö "s Dream, 1594-1595), "Veneetsia kaupmees" (The Merchant of Veneetsia, 1595), "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives Windsor, 1597), "Much Ado about Nothing" (Much Ado about Nothing, 1598-1599), "As You Like It" (As You Like It, 1599-1600), "Twelfth Night, or Anything" (Twelfth Night või What You Will, 1600).

Rõõmsas farsilavastuses "Välja taltsutamine" astuvad üles Catarina ja Petruchio säravad tegelased, kes paistavad silma Padova kalkuleerivate linlaste seas. Katarinat peetakse kangekaelseks tüdrukuks, samas kui tema õde Bianca on tuntud oma tasasuse poolest. Katarina kangekaelsus ja ebaviisakus on vaid viis kaitsta oma väärikust, vastu panna pisiarvutustele, isa despotismile ja maja piiravatele kosilastele. Katharinat ärritab kosilaste madaliku Bianchi näotus. Oma tavapärase ebaviisakusega kohtub ta ka Petruchioga. Nende vahel algab pikk duell, mille tulemusena tunnevad nad mõlemad, et nad ei jää teineteisele energia, kindluse, eluarmastuse ja vaimukuse poolest alla, et on teineteisele meele ja tahtmise poolest väärilised.

Mõte elu ja armastuse võidukäigust tuleb välja ka komöödias Suveöö unenägu. Selle komöödia poeetiline maailm on veidras segus maisest, tõelisest, vapustavast, fantastilisest. Selles komöödias Shakespeare vastandab humanist traditsioonilise moraali konventsionaalset olemust inimlike tunnete ja kirgede loomulikkusele. Armastuse teemat käsitletakse siin lüüriliselt ja humoorikalt. Armastus noored kangelased- puhas, kerge tunne. See võidab hoolimata kõigist inimtegelaste ja inimkäitumise kapriisidest ja veidrustest.

Shakespeare’i komöödias on sügavalt dramaatilisi konflikte ja isegi traagilisi motiive. Sellega seoses on tüüpiline komöödia "Veneetsia kaupmees". Veneetsia rõõmsa karnevali õhkkonna taustal toimub terav kokkupõrge rõõmu, usalduse ja õilsuse maailma ning omakasu, ahnuse ja julmuse maailma vahel. Selles komöödias arendas Shakespeare Giovanni Fiorentino novelli motiive, andes neile dramaatilist sügavust. Lavastus vastandab teravalt neid, kes hindavad enim ennastsalgavat sõprust - Portia, Antonio, Bassanio ja need, kes allutavad kõik inimsuhted varalistele huvidele. Antonio laenab raha pandimaakler Shylockilt, et aidata oma sõpra Bassaniot, kes on Portiasse armunud. Antonio, kes ei tagastanud laenatud raha õigel ajal, astub kohtu ette. Julm Shylock nõuab seaduseelnõu kohaselt Antoniolt võla tasumata jätmise eest naela tema liha. Advokaadiks maskeerunud Portia räägib Antonio kaitseks. Hea võidab kurja. Noored võidavad liigkasuvõtjat.

Shylocki kuvandit ei esitata komöödias mitte ainult kurjuse kehastusena. Shylocki iseloom on keeruline. Shylocki mitmekülgsust märkis Puškin: "Shylock on ihne, kiire taibuga, kättemaksuhimuline, lapsi armastav, vaimukas"*. Sellel pildil on traagiline algus. Shylockit näidatakse kui julma ja kättemaksuhimulist liigkasuvõtjat, kuid samal ajal kui meest, kes kannatab oma alandatud positsiooni tõttu ühiskonnas. Väga inimväärikust tundev Shylock ütleb, et inimesed on loomult võrdsed, hoolimata rahvuste erinevusest. Shylock armastab oma tütart Jessicat ja on šokeeritud, et too põgenes tema kodust. Mõned tema näojooned võivad Shylock tekitada kaastunnet, kuid üldiselt mõistetakse ta hukka kui kiskja, kui inimene, kes ei tunne halastust, kui "selline, kellel pole muusikat hinges". Shylocki kurjale maailmale vastandub komöödias helge ja rõõmus suuremeelsuse ja õilsuse maailm. Heinrich Heine kirjutas Shakespeare'i raamatus "Tüdrukud ja naised" (1838): "Portia on ereda rõõmu harmooniliselt selge kehastus, vastandina süngele ebaõnnele, mida Shylock kehastab" **.

* Puškini-kriitik. - M, 1950. - S. 412.

** Heine G. Sobr. tsit.: 10 köites - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

Rõõmsas majapidamiskomöödias Windsori rõõmsad naised antakse terve galerii koomiksipilte: naeruvääristatakse tema õepoja Slenderi kohtuniku Shallow rumalust, naljatab pastor Hugh Evans. Sellesse komöödiasse läks terve rühm koomilisi tegelasi ajaloolisest kroonikast "Henry IV" - Falstaff, Bardolph, Shallow, Püstol, Mrs. Quickly.

Falstaffi kuvand läbib olulisi muutusi filmis "The Merry Wives of Windsor". Ta kaotas oma vabamõtlemise, huumori, leidlikkuse. Nüüd mängib Falstaff õnnetu bürokraatia rolli, kellele Windsori naised õppetunni andsid. Keskklassi keskkonda sattudes saab temast armetu ja tuim elanik, ta muutub ettenägelikuks ja kokkuhoidlikuks.

Komöödia "Windsori rõõmsad naised" on läbi imbunud lõbusast karnevalihõngust. Kuid erinevalt teistest komöödiatest toimub selles tegevus kodanlikus keskkonnas, mis annab Shakespeare’ile võimaluse tolleaegset tegelikku elu ja kombeid suuremal määral edasi anda, eriti stseenides, mis kujutavad Pagesi ja Fordide igapäevast olemist, võõrastemaja elu, Caiuse duell Evansiga, Page'i eksam.

Komöödia Much Ado About Nothing kapriisne intriig ja tegevuskeskkond on võetud Bandello ja Ariosto teostest. Shakespeare tõi tuntud süžeesse, mida kasutas ka Spencer, traagilise ja koomilise originaalse kombinatsiooni.

Thomas Lodge’i pastoraalromaanil Rosalind ehk Euphuesi kuldne pärand põhinev komöödia Nagu sulle meeldib, on sisuliselt pastoraalse stiili paroodia. Elu looduse rüpes, Ardennide metsas on omamoodi utoopia, unistuse väljendus lihtsast ja loomulikust elust. Komöödia üldvärvi ei määra mitte pastoraalne element, vaid Robin Hoodist rääkivate ballaadide folklooritraditsioonid. Ardennide metsas ei ela mitte ainult karjased Sylvius ja Phoebe, vaid ka pagulased: troonilt kukutatud hertsog Rosalind, keda jälitab julm onu, röövib tema vend Orlando. Ardennide metsa elanike inimmaailm vastandub julma ja ahne moodsa ühiskonnaga. Satiirilist kriitikat aristokraatliku ühiskonna pahede suhtes annavad oma rahvaliku huumoriga vaimuka naljamehe Touchstone ja melanhoolse Jacquesi väljaütlemised. Jester Touchstone hindab talunaise Audrey elu üle väga lihtsalt ja õigesti.

Näidendi humoorikas element on ühendatud Orlando ja Rosalindi õrnade tunnete lüürilise teemaga. Shakespeare'i esimese loomeperioodi komöödia omapärane tulemus oli komöödia Kaheteistkümnes öö ehk ükskõik mis. Kirjutatud ühe Bandello novelli süžeele, sai see oma nime, kuna seda esitati kaheteistkümnendal õhtul pärast jõule, mil jõulupühade melu lõppes. Kaheteistkümnes öö oli viimane Shakespeare’i lustlikest karnevalikomöödiatest.

Kaheteistkümnendal ööl tungib Shakespeare inimese südame sügavustesse, räägib üllatustest inimese käitumises, ettenägematutest vaimsetest liikumistest, tunnete selektiivsusest. Koomilise intriigi aluseks on juhuslik kokkusattumus, mis muutis järsult inimese saatust. Komöödia kinnitab ideed, et hoolimata kõigist saatuse kapriisidest peab inimene võitlema oma õnne eest.

Etenduse sündmuskohaks on eksootiline Illüüria maa. Selle valitseja hertsog Orsino elab armastuse ja muusika lummavas maailmas. Tema jaoks on kõrgeim väärtus armastus. Orsino on armunud Oliviasse, kes ei vasta oma tunnetele. Ta elab erakuna, mõeldes leinatele oma surnud vennale. Laevahuku üle elanud Viola satub hertsogi valdusse. Meheks maskeerituna astub ta Cesario nime all hertsogi teenistusse. Viola Cesario armub Orsinosse, kuid täidab ennastsalgavalt hertsogi palve minna Olivia juurde ja rääkida talle oma armastusest.

Olivia majja sissepääsu taotlenud Cesario visadus ja temale suunatud sõnaosavus köidavad eraku. Olivia armub Cesariosse, tunnistab oma kirge tema vastu ja räägib armastusest:

Armastus on alati ilus ja ihaldusväärne, eriti kui see on ootamatu. (Tõlkinud E. Lipetskaja)

Saatuse tahtel osutub laevaõnnetuse käigus kadunuks jäänud Viola vend Sebastian Illüürias väga sarnaseks oma õega. Sebastianiga kohtunud Olivia peab teda Cesarioga ekslikult. Kui saladus paljastatakse, tekivad õnnelikud pulmad.

Komöödia kujundite süsteemis on oluline koht naljamees Festa. Feste eripära on see, et tema huumor on kurb. Ta räägib elu ja õnne mööduvusest, surma vältimatusest. Jester Feste koos lõbusa kaaslase ja naljamehe Toby Belchiga mõnitab Olivia ülemteenrit, üleolevat puritaan Malvoliot. Malvoliol puudub huumorimeel. Feste teravmeelsused ärritavad teda. Sünge Malvolio on lõbu ja rõõmu vaenlane. Kõik, mida ta ütleb, on pidev arendus ja tsenderdus. Vastuseks Malvolio puritaanlikule karmusele ütleb Toby Belch talle Inglismaal tiivuliseks saanud sõnad: "Kas sa arvad, et kui sa oled selline pühak, siis pole maailmas enam pirukaid ega purjus õlut?"

Esimesel loominguperioodil lõi Shakespeare kolm tragöödiat: Titus Andronicus (Titus Andronicus, 1594), Romeo ja Julia (Romeo ja Julia, 1595), Julius Caesar (Julius Caesar, 1599).

"Titus Andronicus" on kirjutatud "verise tragöödia" žanris, Seneca tragöödiate traditsiooni järgi. Selle näidendi süžeeepisoodid on üksteisele järgnevad mõrvad. Titus Andronicuse 20 poega surevad, tema tütar ja tema ise, paljud teised tegelased surevad. Komandör Titus Andronicus on ustav oma patriootlikule kohustusele Rooma ees. Ometi ei päästa patrioodi kõrge moraal Roomat enam lagunemisest. Salakavalad ja julmad Saturninus, Tamora ja maur Aron astuvad võitlusse Titus Andronicusega. Dramaatiliselt terav kokkupõrge ilmneb aga veriste julmuste ahelana, puudutamata sügavalt traagilise konflikti olemust.

Shakespeare’i traagiline kunst kogu oma täiuslikkuses ilmus esmakordselt tragöödias Romeo ja Julia. Allikana kasutas Shakespeare Arthur Brooke'i poeemi "Romeo ja Julia" (1562), mis ulatub oma süžees tagasi Itaalia autorite loominguni. Alates Brooke'i luuletusest lõi Shakespeare teose, mis on ideelt ja kunstiliselt originaalne. Ta laulab selles noorusliku tunde siirust ja puhtust, laulab armastusest, vabana keskaegse feodaalmoraali köidikutest. VG Belinsky ütleb selle näidendi idee kohta nii: "Shakespeare'i draama "Romeo ja Julia" paatos on armastuse idee ja seetõttu voolavad armastajate huulilt tuliste lainetena entusiastlikud pateetilised kõned, mis sädelevad ere tähtede valgus ... See on armastuse paatos, sest Romeo ja Julia lüürilistes monoloogides võib näha mitte ainult teineteise imetlemist, vaid ka armastuse kui jumaliku tunde pühalikku, uhket, ekstaatilist äratundmist.

* Belinsky V. G. Poly. kogumine tsit.: 13 köites - T. 7. - S. 313.

"Romeos ja Julias" on käegakatsutav seos Shakespeare'i komöödiatega. Komöödialähedus kajastub armastuse teema peaosas, õe koomilises tegelaskujus, Mercutio vaimukuses, farsis teenijatega, balli karnevali õhkkonnas Capuleti majas, kogu näidendi särav, optimistlik koloriit. Arenduses siiski põhiteema- noorte kangelaste armastus - Shakespeare viitab traagilisele. Traagiline algus ilmneb näidendis sotsiaalsete jõudude konfliktina, mitte aga sisemise, vaimse võitluse draamana.

Romeo ja Julia traagilise surma põhjuseks on Montague'i ja Capuleti perede perevaen ning feodaalmoraal. Peredevaheline tüli võtab teiste noorte – Tybalti ja Mercutio – elu. Viimane mõistab enne oma surma selle tüli hukka: "Katk teie mõlemal majal." Ei hertsog ega linnarahvas suutnud vaenu peatada. Ja alles pärast Romeo ja Julia surma saabub sõdivate Montague'ide ja Capulettide leppimine.

Armastajate kõrge ja särav tunne tähistab ühiskonnas uute jõudude ärkamist uue ajastu koidikul. Kuid vana ja uue moraali kokkupõrge viib kangelased paratamatult traagilise lõpuni. Tragöödia lõpeb kaunite inimlike tunnete elujõu moraalse kinnitusega. "Romeo ja Julia" tragöödia on lüüriline, seda on läbi imbunud nooruse poeesia, hinge õilsuse ülendamine ja armastuse kõikevõitja vägi. Näidendi lõpusõnad on lüürilise traagikaga õhutatud:

Kuid maailmas pole kurvemat lugu kui Romeo ja Julia lugu. (Tõlkinud T. Shchepkina-Kupernik)

Tragöödia tegelastes avaldub renessansiaegse inimese vaimne ilu. Noor Romeo on vaba inimene. Ta on juba oma patriarhaalsest perekonnast eemaldunud ega ole seotud feodaalmoraaliga. Romeo tunneb rõõmu sõpradega suhtlemisest: tema oma parim sõber- üllas ja julge Mercutio. Armastus Julia vastu valgustas Romeo elu, muutis temast julge ja tugeva inimese. Tunnete kiires tõusus, noore kire loomulikus puhangus saab alguse inimisiksuse õitseng. Oma armastuses, täis võidurõõmu ja hädade aimamist, tegutseb Romeo aktiivse ja energilise natuurina. Millise julgusega talub ta leina, mille põhjustas teade Julia surmast! Kui palju sihikindlust ja vaprust arusaamises, et elu ilma Juliata on tema jaoks võimatu!

Julia jaoks on armastusest saanud vägitegu. Ta võitleb kangelaslikult oma isa Domostroy moraali vastu ja trotsib verevaenu seadusi. Julia julgus ja tarkus avaldus selles, et ta tõusis kahe perekonna vahelisest igivanast tülist kõrgemale. Olles armunud Romeosse, lükkab Julia tagasi sotsiaalsete traditsioonide julmad kokkulepped. Austus ja armastus inimese vastu on tema jaoks tähtsamad kui kõik traditsiooniga pühitsetud reeglid. Juliet ütleb:

Lõppude lõpuks on ainult teie nimi mu vaenlane ja teie - see olete teie, mitte Montagues.

Armastuses avaldub kangelanna kaunis hing. Julia köidab siiruse ja õrnuse, tulihingelisuse ja pühendumusega. Armunud Romeosse kogu oma elu. Pärast armastatu surma ei saa tema jaoks enam elu olla ja ta valib julgelt surma.

Munk Lorenzo on tragöödia piltide süsteemis olulisel kohal. Vend Lorenzo on religioossest fanatismist kaugel. See on humanistlik teadlane, ta tunneb kaasa ühiskonnas tekkivatele uutele suundumustele ja vabadust armastavatele püüdlustele. Niisiis, ta aitab, kui suudab, Romeot ja Juliat, kes on sunnitud oma abielu varjama. Tark Lorenzo mõistab noorte kangelaste tunnete sügavust, kuid näeb, et nende armastus võib viia traagilise lõpuni.

Puškin hindas seda tragöödiat kõrgelt. Ta nimetas Romeo ja Julia pilte "Shakespeare'i armu võluvateks loominguteks" ja Mercutiot - "rafineeritud, südamlikuks, üllaseks", "kõigi tragöödia kõige imelisemaks näoks". Üldiselt rääkis Puškin sellest tragöödiast järgmiselt: "See peegeldas poeedi jaoks kaasaegset Itaaliat oma kliima, kirgede, pühade, õndsuse, sonettidega, oma luksusliku keelega, täis sära ja kontseptsiooni."

Tragöödia "Julius Caesar" lõpetab ajalooliste kroonikate tsükli ja valmistab ette Shakespeare'i suurte tragöödiate ilmumist. Näitekirjanik kasutas materjali " Võrdlevad elulood"Plutarchos ja lõi originaalse ajaloolise tragöödia, milles andis sügava arusaama riigivõimu probleemidest, poliitiku olemusest, poliitiku filosoofiliste vaadete ja tema praktilise tegevuse vahekorrast, moraali ja poliitika probleemidest, poliitiku olemusest, poliitiku filosoofiliste vaadete ja praktilise tegevuse vahekorrast. isiksus ja inimesed. Viidates "Julius Caesarile" to ajaloolised konfliktid 1. sajand eKr, kui Roomas toimus üleminek vabariiklikult võimult autokraatia režiimile, pidas Shakespeare silmas ka sotsiaalpoliitilisi konflikte tänapäeva Inglismaal, kus feodaalide isoleeritud positsioon asendus absolutistliku võimuga.

Shakespeare tunneb vabariiklastele kaasa, näidates üles nende vapralt teenistust ühiskonnale, kuid samas on ta teadlik, et keisrilased tegutsevad tolleaegsete nõuete kohaselt. Brutuse katsed taastada vabariik on määratud läbikukkumisele, kuna ta tegutseb vastuolus aegade diktaadiga. Ta nõustub Caesari mõrvaga, sest näeb temas vabariigi peamist vastast. Brutus aga ei suuda rahvast veenda vabariikliku valitsuse headuses, kuna rahvas valitses vastavalt aja vaimule tol ajal autokraatiarežiimil. Rahvas on valmis tunnustama Brutust kui valitsejat, kuid ta tahab näha temas uut, paremat Caesarit. Rahva hääl on traagiliselt vastuolus sellega, mille poole Brutus püüdleb; inimesed ütlevad: "las ta saab keisriks", "temas kroonime kõik keisri parimad." Olles veendunud, et vabariik on hukule määratud, sooritab Brutus enesetapu.

Kui kroonikates oli rahvas üks aktiivseid jõude, üks paljudest kangelastest, siis "Julius Caesaris" saab Shakespeare'i draamades esimest korda peategelaseks rahvas. Nii vabariiklased kui keisrilased on sunnitud temaga arvestama. Eriti ilmekas on rahvapilt foorumis vabariiklaste ja keisrilaste poliitilise tüli stseenis äsja tapetud Caesari surnukeha üle. Selle vaidluse lahendavad inimesed, kes astuvad keiser Mark Antony poolele. Tragöödia "Julius Caesar" annab tunnistust Shakespeare'i sügavast tungimisest sotsiaalajaloolistesse vastuoludesse, ühiskonna traagilistesse konfliktidesse.

Shakespeare’i maailmapildi loovuse teisel perioodil toimuvad olulised muutused. Need määras näitekirjaniku suhtumine uutesse nähtustesse Inglise ühiskonna sotsiaalpoliitilises elus. Absolutistlik võim paljastas üha ilmsemalt oma korruptsiooni, kaotas oma progressiivse tähtsuse. Parlamendi ja kuninganna Elizabethi vahel tekkisid vastuolud. James I Stuarti võimuletulekuga (1603) kehtestati riigis reaktsiooniline feodaalrežiim. Vastuolud parlamendi ja kuningliku võimu vahel süvenesid veelgi. rahvast olid hädas. Feodaal-absolutistliku süsteemi kriis ning lahknevus Stuartide poliitika ja kodanluse huvide vahel põhjustas kodanliku vastuseisu kasvu absolutismile. Riigis on tekkimas eeldused kodanlikuks revolutsiooniks.

Nendel tingimustel kaldub Shakespeare ideaalse monarhi usku. Tema loomingu kriitiline paatos süveneb. Shakespeare vastandub nii feodaalsele reaktsioonile kui kodanlikule egoismile.

Paljude esimese loomeperioodi teoste rõõmsameelne, päikeseline, karnevallik iseloom asendub raskete mõtisklustega ühiskonnaelu hädadest, maailma korrastatusest. Shakespeare'i loomingu uut perioodi iseloomustab suurte sotsiaalsete, poliitiliste, filosoofilised probleemid, süvaanalüüs ajastu traagilistest konfliktidest ja üleminekuaja isiksuse traagikast. See oli suurte tragöödiate loomise periood, kus Shakespeare andis edasi patriarhaalse-rüütlimaailma kokkuvarisemise ajastul tekkinud traagiliste kokkupõrgete ja katastroofide ajaloolist olemust ning küüniliste röövloomade ajaloo areenile jõudmist. uued kapitalistlikud suhted.

Shakespeare'i loomingu teine ​​periood algab tragöödiaga "Hamlet" (Hamlet, Taani prints, 1600-1601). Tragöödia allikad olid Saxo Grammari "Taanlaste ajalugu", Belforeti "Traagilised lood", Thomas Kydi "Hispaania tragöödia" ja Thomas Kydi näidend Hamletist, mis pole meieni jõudnud.

Erinevatel ajastutel tajuti Shakespeare'i "Hamletit" erinevalt. Goethe seisukoht on teada, ta väljendas seda romaanis "Wilhelm Meisteri õpetuse aastad" (1795-1796). Goethe pidas tragöödiat puhtalt psühholoogiliseks. Hamleti tegelaskujus rõhutas ta tahte nõrkust, mis ei vastanud talle usaldatud suurele teole.

VG Belinsky artiklis “Hamlet, Shakespeare’i draama. Mochalov kui Hamlet (1838) väljendab teistsugust vaadet. Hamlet võidab VG Belinsky sõnul oma tahte nõrkust ja seetõttu pole tragöödia põhiidee mitte tahte nõrkus, vaid "kahtluse tõttu lagunemise idee", vastuolu elu unistuste vahel. ja elu ise, ideaali ja reaalsuse vahel. Belinsky peab Hamleti sisemaailma valmimisel. Tahte nõrkust peetakse seega üheks vaimne areng Hamlet, loomult tugev mees. Kasutades Hamleti kujundit mõtlevate inimeste traagilise olukorra iseloomustamiseks Venemaal 19. sajandi 30. aastatel, kritiseeris Belinsky refleksiooni, mis hävitas aktiivse isiksuse terviklikkuse.

I. S. Turgenev XIX sajandi 60ndatel. viitab Hamleti kuvandile, et anda "Hamletismile" sotsiaalpsühholoogiline ja poliitiline hinnang. lisainimesed". Artiklis "Hamlet ja Don Quijote" (1860) esitleb Turgenev Hamletit kui egoisti, skeptikut, kes kahtleb kõiges, ei usu millessegi ega ole seetõttu ka tegutsemisvõimeline. Erinevalt Hamletist on Don Quijote Turgenevi tõlgenduses entusiast, idee sulane, kes usub tõesse ja võitleb selle eest. I.S.Turgenev kirjutab, et mõte ja tahe on traagilises lõhes; Hamlet on mõtlev, kuid nõrga tahtega mees, Don Quijote on tahtejõuline entusiast, kuid poolhull; kui Hamlet on massidele kasutu, siis Don Quijote inspireerib rahvast tegutsema. Samas tunnistab Turgenev, et Hamlet on Don Quijotele lähedane oma leppimatuses kurjusele, et inimesed tajuvad Hamletist pärit mõtteseemneid ja levitavad neid üle maailma.

Nõukogude kirjanduskriitikas anti tragöödia "Hamlet" sügav tõlgendus A. A. Aniksti, A. A. Smirnovi, R. M. Samarini, I. E. Vertsmani, L. E. Pinsky, Yu. .* * Vaata: Anikst A.A. Shakespeare’i teos. - M., 1963; see on sama. Shakespeare: Dramatisti käsitöö. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - L .; M., 1963; Samarin P.M. Shakespeare'i realism. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Shakespeare'i Hamlet. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Dramaturgia alused. - M., 1971; Švedov Yu.F. Shakespeare'i tragöödia areng. -M., 1975.

Wittenbergi ülikooli üliõpilane Hamlet Taani kuninga Claudiuse õukonnas Elsinore'is tunneb end üksikuna. Taani tundub talle vanglana. Juba tragöödia alguses osutatakse konfliktile humanistliku mõtleja Hamleti ja Claudiuse amoraalse maailma vahel, vabadust armastava isiksuse ja absolutistliku võimu vahel. Hamlet tajub maailma traagiliselt. Prints mõistab Elsinore'is toimuvat sügavalt. Konflikte Claudiuse õukonnas peab ta rahuseisundiks. Hamleti intellekt, tema targad aforistlikud hinnangud paljastavad suhete olemuse tolleaegses ühiskonnas. Hamletis kui mõtleva inimese tragöödias ebaõiglases ühiskonnas poetiseeritakse kangelase intellekt. Hamleti mõistus vastandub despootliku Claudiuse ebamõistlikkusele ja obskurantismile.

Hamleti moraaliideaaliks on humanism, mille positsioonidelt mõistetakse hukka sotsiaalne kurjus. Kummituse sõnad Claudiuse kuriteo kohta andsid tõuke Hamleti võitlusele sotsiaalse kurjuse vastu. Prints on otsustanud Claudiusele oma isa mõrva eest kätte maksta. Claudius näeb Hamletit oma peamise antagonistina, seetõttu käsib ta oma õukondlastel Poloniusel, Rosencrantzil ja Guildensternil teda luurata. Läbinägelik Hamlet harutas lahti kõik kuninga nipid, kes püüdis tema plaanidest teada saada ja teda hävitada. Nõukogude kirjanduskriitik L.E.Pinsky nimetab Hamletit elu tundmise tragöödiaks: „... Loomult aktiivne kangelane ei soorita oodatud tegu, sest tunneb oma maailma suurepäraselt. See on teadvuse, teadlikkuse tragöödia ... "*

*Pinsky L.E. Shakespeare: Dramaturgia alused. - S. 129.

Hamleti traagilisi ilmavaateid, tema filosoofilisi mõtisklusi ei põhjusta mitte niivõrd Elsinores toimunu (Hamleti isa mõrv ja tema ema kuninganna Gertrudi abiellumine Claudiusega), vaid maailmas valitseva üldise ebaõigluse teadvustamine. Hamlet näeb kurjuse merd ja mõtiskleb oma kuulsas monoloogis "Olla või mitte olla" sellest, kuidas inimene peaks ühiskonnas mädanikuga silmitsi seistes käituma. Monolavastus "Olla või mitte olla" paljastab Hamleti tragöödia olemuse – nii seoses välismaailmaga kui ka tema sisemaailmaga. Hamleti ees kerkib küsimus: kuidas käituda kurjuse kuristikku nähes – kas leppida või võidelda?

Olla või mitte olla on küsimus; Mis on õilsam - vaimus alluda raevuka saatuse troppidele ja nooltele või relvad hädade mere vastu haarates neid vastasseisuga tappa? (Tõlkinud M. Lozinsky)

Hamlet ei saa kurjusele alluda; ta on valmis võitlema maailmas valitseva julmuse ja ebaõigluse vastu, kuid on teadlik, et hukkub selles võitluses. Hamletil on enesetapu idee kui viis lõpetada "piinad ja tuhanded loomulikud piinad", kuid enesetapp ei ole valik, sest kurjus jääb maailma ja inimese südametunnistusele ("See on raskus, mis unenägusid nähakse surmaunenäos..." ). Edasi räägib Hamlet sotsiaalsest kurjusest, tekitades ausas ja inimlikus inimeses nördimust:

Kes kannaks sajandi piitsa ja mõnitamist, tugevate rõhumist, uhkete pilkamist, põlastusväärse armastuse valu, kohtunike aeglust, võimude kõrkust ja solvanguid, alandlike teenete tõttu ...

Mõtisklused inimkonna pikaajaliste katastroofide üle kurjuse merel panevad Hamlet kahtlema nende võitlusmeetodite tõhususes, mis tol ajal olid võimalikud. Ja kahtlused viivad selleni, et sihikindlus pikalt tegutseda ei realiseeru tegevuses endas.

Hamlet on tahtejõuline, energiline, aktiivne natuur. Kogu oma hingejõuga on ta suunatud tõe otsimisele, võitlusele õigluse eest. Hamleti valusad mõtted ja kõhklused on õigema tee otsimine võitluses kurjaga. Ta kõhkleb oma kättemaksukohustuse täitmisel ka seetõttu, et ta peab end lõpuks veenma ja veenma teisi Claudiuse süüs. Selleks korraldab ta “hiirelõksu” stseeni: ta palub hulkuvatel näitlejatel mängida näidendit, mis võiks Claudiuse paljastada. Etenduse ajal reedab Claudius end oma segadusega. Hamlet on oma süüs veendunud, kuid viivitab jätkuvalt kättemaksuga. See põhjustab temas rahulolematuse tunnet iseendaga, vaimset ebakõla.

Hamlet pöördub verevalamise poole vaid erandjuhtudel, kui ta ei saa reageerida ilmselgele kurjusele ja alatusele. Niisiis tapab ta Poloniuse, saadab Rosencrantzi ja Guildensterni tema järele luurama ning tapab seejärel Claudiuse enda. Ta räägib karmilt ja julmalt oma armastava Opheliaga, kes osutus tööriistaks tema vaenlaste käes. Kuid see tema kurjus ei ole taotluslik, see on tema teadvuse pingest, segadusest hinges, mis on lõhki rebitud vastandlikest tunnetest.

Hamleti, poeedi ja filosoofi üllas iseloom tundub nõrk nende inimeste vaatevinklist, kes ei peatu oma eesmärkide saavutamiseks mitte millegi juures. Tegelikult Hamlet tugev mees. Tema traagika seisneb selles, et ta ei tea, kuidas muuta maailma ebaõiglast seisukorda, et ta on teadlik oma võitlusvahendite ebaefektiivsusest, et aus, mõtlev inimene suudab oma väidet tõestada ainult kohtumisel. tema surma maksumus.

Hamleti melanhoolia tekib arusaamadest, et "aeg on liigestest välja läinud" ja on korratuses ja hädas. Tragöödia kompositsioonis on suurel kohal printsi lüürilised ja filosoofilised monoloogid, milles väljendub sügav tunnetus ajastu vaimust.

Hamleti mõtiskluste üldfilosoofilisus muudab selle tragöödia lähedaseks ka teistele epohhidele. Hamlet mõistab, et ta ei saa jagu maailmas valitsevast kurjusest; teab, et pärast Claudiuse surma kurjus ei kao, sest see sisaldub tolleaegse ühiskonnaelu struktuuris. Viidates ümbritsevatele, ütleb Hamlet: "Mulle ei meeldi ükski inimene." Ja samas on humanisti Hamleti jaoks ideaal kaunis inimlik isiksus: “Milline meisterlik looming - mees! Kui üllas mõistuse poolest! Kui piiritu oma võimetes, vormides ja liigutustes! Kui täpne ja imeline tegevuses! Kui nagu ingel ta sügavalt on! Kui jumala moodi ta on! Universumi ilu! Kõigi elavate kroon! Hamlet näeb selle ideaali kehastust oma isas ja sõbras Horatios.

Tragöödia süžee arengu määrab suuresti printsi teeseldud hullus. Mida tähendavad Hamleti väidetavalt hullumeelsed tegevused ja väljaütlemised? Et Claudiuse pöörases maailmas tegutseda, on Hamlet sunnitud enesesse panema hullumeelsuse maski. Selles rollis pole tal vaja olla silmakirjalik ja valetada, ta räägib kibedat tõde. Hullumeelsuse mask vastab printsi vaimsele ebakõlale, tema tegude impulsiivsusele, meeletule julgusele võitluses tõe eest Claudiuse türannia all.

Süžees mängib suurt rolli traagiline õnnetus. Tragöödia lõpus antakse õnnetuste kobar - duellis osalevad kangelased vahetavad rapiire, mürgitatud joogiga klaas kukub valele inimesele jne. Traagiline tulemus läheneb vääramatu paratamatusega. Kuid see tuleb ootamatul kujul ja ettenägematul ajal. Ühiskondliku struktuuri ebamõistlikkus ajab segi nii mõistlikud kui ka mõtlematud plaanid ning põhjustab "juhuslike karistuste, ootamatute mõrvade" traagilise paratamatuse.

Hamlet on oma kohuse täitmisel aeglane, kuid on valmis tegutsema iga hetk ning viimases stseenis on tema jaoks "valmidus kõik". Hamlet on kangelaslik isiksus. Ta on valmis võitlema kurjuse vastu ja jaatama tõde isegi oma surma hinnaga. Pole juhus, et pärast kõiki surnud Hamleti traagilisi sündmusi maetakse nad Fortinbrase käsul sõjaväeliste auavaldustega. Hamlet avaldab enne surma soovi, et inimesed teaksid tema elust ja võitlusest. Ta palub Horatiol paljastada maailmale traagiliste sündmuste põhjused, rääkida Taani printsi lugu.

Hamlet on realistlik tragöödia, mis peegeldas selle aja keerukust, mil renessansi humanism jõudis kriisiaega. Tragöödia ise väljendab ideed elu objektiivse kujutamise vajadusest. Vestluses näitlejatega väljendab Hamlet vaateid kunstile, mis on täielikult kooskõlas Shakespeare'i esteetiliste seisukohtadega. Esiteks lükatakse tagasi nende toretsev mõju, kes on valmis "Heroodese taasloomiseks"; tehakse ettepanek sobitada "tegevus kõnega, kõne teoga" ja "mitte ületada looduse lihtsust"; sõnastatakse kunsti olemus; "hoida justkui peeglit looduse ees, näidata oma näojoonte voorusi, ülbust - oma välimust ning igale ajastule ja pärandile - selle sarnasust ja jäljendit."

XVI sajandi lõpu peamine ajalooline kokkupõrge. - konflikt rüütelliku kangelaslikkuse maailma ja absolutistliku võimu kuritegelikkuse vahel - kehastub vastavalt kahe venna, Hamleti isa ja Claudiuse kujundites. Hamlet imetleb oma isa-kangelast ja vihkab silmakirjalikku, reetlikku Claudiust ja kõike, mis tema selja taga seisab, s.t. alatute intriigide ja üldise korruptsiooni maailm.

Tragöödia "Othello" (Othello, Veneetsia maur, 1604) loodi Geraldi Cinthio novelli "Veneetsia maur" põhjal. Armastuse ning Othello ja Desdemona traagilise surma lugu näitab Shakespeare laial sotsiaalsel taustal. Tragöödias ilmuvad Veneetsia valitsuse esindajad - doož, senaatorid Brabantio, Gratiano, Lodovico; kujutatud on militaarkeskkonda - Iago, Cassio, Montano. Selle taustal omandab Othello ja Desdemona saatus sügava sotsiaalpsühholoogilise tähenduse.

Moor Othello on silmapaistev isiksus. Tänu oma vaprusele saavutas ta ühiskonnas kõrge positsiooni, temast sai Veneetsia komandör, kindral. Selle sõdalase elu oli täis ohte, ta pidi palju nägema ja palju taluma. Kõigist katsumustest tõusis Othello julge ja julge mehena, säilitades tunnete puhtuse ja tulisuse. See kehastab renessansi ideaali ilusast inimesest. Aadlis Moor on tark ja aktiivne, julge ja aus. Selle eest armus temasse Veneetsia senaatori Desdemona tütar:

Ma armusin temasse oma kartmatusega, tema armus minusse oma kaastundega. (Tõlkinud B. Pasternak)

Othello ja Desdemona armastus oli kangelaslik väljakutse traditsioonilistele konventsioonidele. See armastus põhines sügaval vastastikusel mõistmisel ja usaldusel.

Desdemona tegelaskuju on seotud Othello tegelaskujuga. Desdemonat iseloomustab ka kartmatus ja kergeusklikkus. Oma armastatu huvides põgeneb ta kodust ja lahkub Veneetsiast, kui Othello määratakse Küprose kuberneriks. Othello nimetab teda oma "ilusaks sõdalaseks". Desdemona kütkestavas välimuses on julgus ühendatud õrnusega. Aga kui Desdemona jääb lõpuni harmooniliseks ja terviklikuks inimeseks, siis lasi Othello oma hinge "kaose" ja see põhjustas katastroofi. Desdemona säilitab usalduse Othello vastu; kuid tema enesekindlus on kõigutatud aluse ja reetliku Iago intriigide mõjul.

Kuna Desdemona ei tea, kuidas seletada põhjust, miks Othello on tema jaoks muutunud, mõistab ta, et see põhjus pole armukadedus. Ta ütleb:

Othello on tark ja ei näe välja nagu kadedad labased inimesed...

Ja kui teenija Emilia küsib Desdemonalt, kas Othello on armukade, vastab ta enesekindlalt:

Muidugi mitte. Troopiline päike Kõik need puudused põlesid temas.

Desdemona, nagu keegi teine, mõistab Othello hinge. Tõepoolest, armukadedus ei tõuse Othellos mitte kahtluse, kättemaksuhimu või auahnuse, vaid petetud usalduse, solvatud väärikuse tunde ilminguna. Traagilise irooniaga peab Othello petetud usalduse tunde põhjustajaks mitte Iago, kes pettis kergeuskliku mauri, vaid talle puhas ja truu Desdemona. Othello ütleb enda kohta:

Ta ei olnud kergesti armukade, kuid tunnete tormis langes ta raevu ...

A.S. Puškin iseloomustas Othellot nii: "Othello pole loomult armukade, vastupidi: ta usaldab."

Othello armastab Desdemonat väga, isegi kui ta otsustab ta tappa. Ta arvab, et taastab õigluse, täidab oma kohust. Uskudes Iago laimu, usub ta, et ei saa lubada, et Desdemona teisi petaks. Ta on täis teadvust kõrgest kohustusest inimeste ees: Desdemona mõrv tähendab tema jaoks valede kui üldise ohu kõrvaldamist. Othello tragöödia on petetud usalduse tragöödia, kirest pimestatud olemise tragöödia. Armastus tema määrava Othello suhtumise vastu inimestesse, maailma. Kui nende liit oli harmooniline, tajus Othello maailma kaunina; kui ta uskus Desdemona ebaaususse, ilmus kõik tema ette süngel kaootilisel kujul.

Aus Othello langeb Iago kurjade intriigide ohvriks, mõistmata, et ta petab teda. Shakespeare ei viita otseselt Iago Othello vihkamise põhjustele, kuigi Iago räägib oma soovist karjääri teha, armukadedusest Othello vastu, ihast tundest Desdemona vastu. Iago tegelaskujus on peamine machiavellik soov saavutada iga hinna eest eeliseid teiste inimeste ees. Iago on muidugi tark ja aktiivne, kuid tema võimed, tema "valursus" on täielikult allutatud tema isekatele plaanidele. Iago "valorus" on individualistlik ja ebamoraalne. Oma põhihuvi sõnastab ta järgmiselt: "Tooge rahakott kõvasti kokku." Skeemimees Iago on küüniline ja silmakirjalik. Tema vihkamist Othello vastu seletatakse põhimõttelise erinevusega nende olemuse, vaadete ja ellusuhtumise vahel. Othello õilsus on Iago kodanliku egotsentrismi eitus. Seetõttu ei suuda ta leppida Othello eetiliste põhimõtete kinnitamisega elus. Iago kasutab baasi, et tõrjuda otsekohene Othello tema õilsalt eluteelt, sukelduda ta individualistlike kirgede kaosesse.

Realist Shakespeare näitas, millist teed võib feodaalköidikutest vabastatuna minna. Inimene võib muutuda säravaks ja moraalselt ilusaks, nagu Othello kangelaskuju, või alatuks, ebamoraalseks, nagu küünik Iago. Moraalne alaväärsus muudab indiviidi vabaduse selle vastandiks, s.t. orjalikku sõltuvusse tumedatest kirgedest ja omakasupüüdlikest huvidest. Iago tegutseb Othello ja Desdemona vastu laimu ja pettusega. Ta kasutab ära Othello kergeusklikkust, mängib kangelase tulihingelise temperamendi ja ühiskonna tavade mitteteadmise peale. Õilsa Othello kiire üleminek kangelaslikkusest tumeda kirega pimestamiseks viitab sellele, et vabameelne renessansiisiksus oli haavatav, sest tase sotsiaalsed suhted tolleaegne ei võimaldanud inimese humanistlikku ideaali tegelikkuses täielikult realiseerida. Shakespeare näitas seda vapra isiksuse tragöödiat, kes sattus kodanliku ühiskonna tõelistesse alussuhetesse ega suutnud end kaitsta tumedate kirgede eest.

"Äratundmise" episood paljastab inimväärikus kangelane, tema moraalne suurus. Vaimse rõõmuga saab Othello teada, et Desdemona armastas teda ja oli talle truu, kuid samal ajal on ta šokeeritud, et juhtus halvim: ta tappis süütu ja andis talle Desdemona. Othello enesetapp viimases stseenis on tema enda karistus inimese usust lahkumise eest. Traagiline lõpp kinnitab seega aadli moraalset võitu kurjuse tumedate jõudude üle.

Konflikti indiviidi ja ühiskonna vahel näitab uues aspektis tragöödia "Kuningas Lear" (King Lear, 1605-1606). See on inimväärikuse tragöödia ebaõiglases ühiskonnas.

NA Dobrolyubov määratles Leari tegelaskuju olemuse ja evolutsiooni väga täpselt: "Learil on tõesti tugev olemus ja üldine orjuslikkus tema suhtes arendab seda ainult ühekülgselt - mitte suurte armastustegude ja ühise hüve nimel, vaid ainult enda, isiklike kapriiside rahuldamiseks. See on täiesti arusaadav inimese puhul, kes on harjunud pidama end kogu rõõmu ja kurbuse allikaks, kogu elu alguseks ja lõpuks oma kuningriigis. Siin, tegevuste välise ulatuse ja kõigi soovide täitmise kergusega, pole miski tema vaimset jõudu väljendav. Kuid nüüd ületab tema enesejumaldamine terve mõistuse kõik piirid: ta kannab otse tema isiksusele üle kogu selle sära, kogu selle austuse, mida ta oma väärikuse pärast nautis; ta otsustab võimult visata, olles kindel, et isegi pärast seda ei lakka inimesed tema ees värisemast. See meeletu veendumus sunnib teda andma oma kuningriigi tütardele ja selle kaudu oma barbaarselt mõttetust positsioonist üle minema lihtsaks tavaliseks inimeseks ja kogema kõiki inimeluga seotud muresid. „Teda vaadates tunneme kõigepealt vihkamist selle lahustuva despooti vastu; kuid draama arengut jälgides lepime me temaga kui inimesega üha enam ja lõpetame nördimuse ja põletava pahatahtlikkusega mitte enam tema, vaid tema ja tema jaoks. Kogu maailm- sellele metsikule, ebainimlikule olukorrale, mis võib isegi Leari-suguseid inimesi sellisele rüblikule ajada.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. tsit.: 9 köites - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ibid. - S. 53.

"Kuningas Lear" on sotsiaalne tragöödia. See näitab ühiskonna erinevate sotsiaalsete rühmade piiritlemist. Vana rüütli au esindajad on Lear, Gloucester, Kent, Albany; kodanliku kiskluse maailma esindavad Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Nende maailmade vahel käib terav võitlus. Ühiskond on sügavas kriisis. Gloucester iseloomustab sotsiaalsete aluste lõhkumist järgmiselt: „Armastus jahtub, sõprus nõrgeneb, vennataputülid on kõikjal. Linnades on rahutused, külades, reetmise paleedes on lahkhelid ning perekondlik side vanemate ja laste vahel laguneb ... Meie parim aeg möödas. Kibedus, reetmine, hukatuslik rahutus saadab meid hauani ”(Tõlkinud B. Pasternak).

Just sellel laial sotsiaalsel taustal rullub lahti kuningas Leari traagiline lugu. Lavastuse alguses on Lear võimuga kuningas, kes juhib inimeste saatust. Shakespeare selles tragöödias (kus ta tungib sügavamalt tolleaegsetesse sotsiaalsetesse suhetesse kui teistes oma näidendites) näitas, et Leari võim ei seisne mitte tema kuningriigis, vaid selles, et ta omab rikkusi ja maid. Niipea kui Lear jagas oma kuningriigi oma tütarde Gonerili ja Regani vahel, jättes endale ainult kuningavõimu, kaotas ta oma võimu. Ilma oma varata sattus kuningas kerjusesse. Omanditunne ühiskonnas on hävitanud patriarhaalsed sugulus-inimsuhted. Goneril ja Regan vandusid oma isa vastu armastust, kui too oli võimul, ja pöörasid talle selja, kui ta oma vara kaotas.

Olles läbi elanud traagilisi katsumusi, läbi tormi omaenda hinges, saab Learist mees. Ta tundis ära vaeste raske loo, ühines inimeste eluga ja mõistis, mis tema ümber toimub. Kuningas Lear saab tarkust. Uue maailmavaate tekkimisel mängis suurt rolli kohtumine stepis tormi ajal kodutu õnnetu vaese Tomiga. (See oli Edgar Gloucester, kes peitis end oma venna Edmondi tagakiusamise eest.) Leari šokeeritud meeles paistab ühiskond uues valguses ja ta allutab selle halastamatule kriitikale. Leari hullumeelsusest saab epifaania. Lear tunneb vaestele kaasa ja heidab rikastele ette:

Kodutu, alasti armetu, kus sa praegu oled? Kuidas tõrjute selle ägeda ilma löögid - Räbalates, katmata peaga Ja kõhna kõhuga? Kui vähe ma sellele varem mõtlesin! Siin on sulle õpetus, üleolev rikas mees! Astuge vaeste asemele, tunnetage, mida nad tunnevad, ja andke neile osa oma ülejäägist Taeva kõrgeima õigluse märgiks. (Tõlkinud B. Pasternak)

Lear räägib nördinult ühiskonnast, kus domineerib omavoli. Võim ilmub talle sümboolse kujutisena koerast, kes jälitab kerjust, kes tema eest põgeneb. Lear nimetab kohtunikku vargaks, poliitik, kes teeskleb, et saab aru sellest, millest teised aru ei saa, on lurjus.

Üllas Kent ja naljamees jäävad Learile lõpuni truuks. Naljakujul on selles tragöödias väga oluline roll. Tema teravmeelsused, paradoksaalsed naljad paljastavad julgelt inimestevaheliste suhete olemuse. Tragikoomiline naljamees räägib kibedat tõde; tema vaimukad väljaütlemised väljendavad inimeste seisukohta toimuva suhtes.

Kahe poja isa Earl of Gloucesteri saatusega seotud süžee loob Leari saatuse, annab sellele üldistava tähenduse. Gloucester kogeb ka tänamatuse traagikat. Talle on vastu tema vallaspoeg Edmond.

Humanistlik ideaal kehastub Cordelia kujundis. See ei aktsepteeri nii vana rüütlimaailma kui ka uut Machiavelli maailma. Tema tegelaskujus on erilise jõuga rõhutatud inimväärikuse tunnet. Erinevalt oma silmakirjalikest õdedest on ta siiras ja aus, ei karda isa despootlikku tuju ja ütleb talle, mida arvab. Vaatamata vaoshoitusele tunnete avaldamisel armastab Cordelia oma isa tõeliselt ja võtab tema ebasoosingu julgelt vastu. Seejärel, kui Lear, olles läbi elanud raskeid katsumusi, saavutas inimväärikuse ja õiglustunde, oli Cordelia tema kõrval. Need kaks ilusat inimest on julmas ühiskonnas suremas.

Tragöödia lõpus võidab hea kurjuse üle. Aadlik Edgar saab kuningaks. Valitsejana pöördub ta tarkuse poole, mille Lear oma traagilises saatuses leidis.

Tragöödia "Macbeth" (Macbeth, 1606), mis loodi R. Holinshedi Inglismaa, Šotimaa ja Iirimaa kroonikate ainetel, on pühendatud riigi ja üksikisiku traagilise olukorra probleemile türanliku režiimi all.

Macbeth on türann ja mõrvar. Kuid ta ei muutunud kohe selleks. Pilt avaldub arengus, dünaamikas, kogu selle sisemaailma keerukuses ja ebajärjekindluses. Võitlus kahetsuse ja ambitsioonikate impulsside vahel Macbethi hinges, tema veriste tegude mõttetuse mõistmine lõpuks – kõik see eristab teda tavalisest kaabakast ja teeb temast traagilise tegelase.

Esimeses vaatuses esineb Macbeth kangelasena majesteetlikus stseenis võidust Šotimaa vaenlaste üle. See on tugev, julge ja julge sõdalane. Macbeth on loomult lahke ja tal pole inimlikkust. Ta saavutas kuulsuse oma vägitegude kaudu. Usaldus oma tugevuste ja loomuse võimaluste vastu tekitab temas soovi saada veelgi majesteetlikumaks, saavutada veelgi suurem hiilgus. Toonane sotsiaalne struktuur seadis aga piirid indiviidi arengule, moonutas inimese piiritud võimed. Niisiis, Macbethi vaprus muutub ambitsiooniks ja ambitsioonid sunnivad teda sooritama kuritegu – Duncani mõrva, et saavutada kõrgeim võim. Auahnuse moonutamist iseloomustavad väga õigesti nõidade sõnad tragöödia esimesest stseenist: "Ilus on alatu ja alatu on ilus." Macbethi tegudes hägustub piir hea ja kurja vahel üha enam.

Vastikute nõidade kujutised, mis ennustavad Macbethi edasist saatust, sümboliseerivad ebainimlikkust, mis oli tema kavatsustes ja tegudes. Nõiad ei esinda ühtegi saatuslikku jõudu, mis juhib kangelase käitumist. Need väljendavad just seda, mis Macbethi mõtetes juba tekkis. Macbethi tehtud kuritegelikud otsused on määratud tema enda tahtega, mitte saatusliku jõuga. Kuriteod tõukuvad üha enam indiviidi uuestisünni poole. Lahkest ja vaprast mehest saab Macbethist mõrvar ja türann. Üks kuritegu viib teiseni. Macbeth ei saa enam keelduda tapmast, püüdes trooni hoida:

Olen juba nii uppunud verisesse sohu, Et mul on kergem edasi astuda, Kui läbi raba tagasi minna. Ajus on mu kohutav plaan veel sündimata, Ja käsi püüab seda täita. (Tõlkinud Yu. Korneev)

Kui Macbethi despootlikkus muutub kõigile ilmseks, on ta täiesti üksi. Kõik tõmbusid türanni eest tagasi.

Kuritegude kaudu tahab Macbeth saatust muuta, aja jooksul sekkuda. Ta kardab juba millestki ilma jääda ja püüab lakkamatute veriste tegudega väidetavate vastaste tegudest ette jõuda. Türann läheb kuritegude abil oma “homsesse” ning “homme” lükkab teda üha enam vältimatu lõpu poole. Türanni julmused kutsuvad esile vastuseisu. Kogu ühiskond tõuseb despootide vastu. Macbethile tundub, et ka loodusjõud on talle vastu läinud – Birnam Forest marsib Dunsinanile. Need on Macduffi ja Malcolmi sõdalased, kes peidavad end roheliste okste taha, liiguvad vastupandamatus laviinis Macbethi vastu ja purustavad ta. Üks tragöödia tegelasi, šoti aadlik Ross, räägib võimuiha olemusest:

Oh võimuarmastust, sa õgid seda, mida elad!

Inimkonna vastu sõna võtnud Macbeth määrab end täielikule isolatsioonile, üksindusele ja surmale. Leedi Macbeth on fanaatiliselt pühendunud oma abikaasale, keda ta peab suureks meheks. Ta on sama ambitsioonikas kui tema. Ta tahab, et Macbeth oleks Šotimaa kuningas. Leedi Macbeth on otsustanud saavutada võimu ja toetab oma meest, aitab tal ületada moraalseid kahtlusi, kui ta kavatseb Duncani tappa. Leedi Macbeth arvab, et piisab käte vere pesemisest – ja kuritegu unustatakse. Tema inimloomus aga ebaõnnestub ja ta läheb hulluks. Hullus, somnambulistlikus olekus püüab ta kätelt verd maha pesta, kuid ei suuda. Oma abikaasa surmapäeval sooritab leedi Macbeth enesetapu.

Võrreldes teiste Shakespeare’i tragöödiatega on Macbethi traagiline õhkkond väga tihe. Seda pumbatakse üles seoses kuritegevuse kaudu võimule saamise teema arendamisega. Tegevus muutub kokkusurutumaks, kontsentreeritumaks ja hoogsamaks; see toimub tavaliselt öösel ja tormi taustal; suure koha hõivab üleloomulik element (nõiad, nägemused), täites kurjakuulutavate eelaimuste ja ennete rolli. Kuid lõpuks pimedus hajub, inimkond võidab kurjuse.

Shakespeare’i tragöödiaid iseloomustab sügav sissevaade oma aja traagiliste vastuolude olemusse. Shakespeare’i dramaturgias peegelduvad renessansiajastu sotsiaalpoliitilised konfliktid üllatavalt tõetruult. Põhjalikud muutused elus, mis on seotud hiiglasliku murranguga ajaloos, kui feodalism asendus uue kodanliku süsteemiga - see on Shakespeare'i traagika aluseks. Shakespeare’i historitsism seisneb vana ja uue vahelise reaalse võitluse põhitendentside mõistmises, tolleaegsete ühiskondlike suhete traagilise tähenduse paljastamises. Kogu oma naiivse-poeetilise maailmavaatega suutis Shakespeare näidata inimeste tähtsust ühiskonnaelus.

Shakespeare’i poeetiline historitsism tõi traagilisse teemasse uue sisu, struktureeris traagilise ümber esteetilise probleemina, andes sellele uusi ja kordumatuid omadusi. Shakespeare'i traagika erineb keskaegsetest ettekujutustest traagilisusest, Chauceri vaatest traagilisusele, mida väljendab " Canterbury lood("Munka proloog" ja "Munka lugu"). Keskaegse idee järgi võis tragöödia juhtuda kõrgel positsioonil olevate inimestega, kes elavad õnnes ja unustavad ettehoolduse jõu. Sellised inimesed alluvad varanduse kapriisidele, olenemata nende iseloomust, eelistest ja puudustest. Nende väga kõrge positsioon tekitas uhkuse, nii et katastroof oli alati lähedal. Keskaegsete ideede järgi tõi õnn inimesele ebaõnne täiesti ootamatult ja põhjuseta. Inimene on abitu ettehoolduse tarkuse ees ja keegi ei pääse saatuse löökide eest. Keskaegne traagikakäsitus ei tulenenud mitte inimese iseloomust ja tema kokkupõrkest saatusega, vaid usust üleloomulike jõudude kõikvõimsusesse, mistõttu keskaegse kirjanduse traagilistes teostes domineeris eepiline, narratiivne algus. dramaatiline.

Shakespeare'i traagika on vaba fatalismi ideest, saatusest. Ja kuigi tema kangelased viitavad nii jumalale kui ka varandusele, näitab Shakespeare, et inimesed tegutsevad oma soovidest ja tahtest lähtuvalt, kuid sellel, kuidas nad puutuvad kokku eluoludega, s.t. teiste inimeste tahte ja soovidega, väljendades isiklikke, avalikke ja riiklikke huve. Ühiskonda ja inimkonda esindavate inimeste endi kokkupõrkest voogavad nii võidud kui ka kaotused. Traagiline on omane inimestele endile, nende võitlusele ega sõltu fatalistlikust ettemääratusest. traagiline saatus kangelane, on tema surma vältimatus tema iseloomu ja eluolude tagajärg. Palju juhtub juhuslikult, kuid lõpuks allub kõik vajadusele – Ajale.

Shakespeare’i tragöödiate üleloomulik – kummitused ja nõiad – on pigem austusavaldus rahvaluule motiivid see on pigem poeetiline konventsioon ja omapärane võte tegelaste kujutamisel ja traagilise atmosfääri forsseerimisel, mitte dramaturgi enda ebausu ilming. Nii Hamlet kui ka Macbeth tegutsevad vastavalt oma püüdlustele ja tahtmisele, mitte üleloomulike jõudude käsul. Shakespeare ja tema kangelased ei mõista alati traagiliste sündmuste tähendust, kuid alati on selge, et need toimuvad vastavalt põhjuslikkuse seadustele, vastavalt karmid seadused aega.

Vajalikkus ei ilmne Shakespeare'is mitte ainult aja ajaloolise liikumisena, vaid ka inimelu loomulike moraalsete aluste kindluse ja vaieldamatusena. Avalikus elus on vajalik universaalne inimlikkus. Inimlikul õiglusel põhinev moraal on ideaal, mille poole inimesed peaksid püüdlema ja mille rikkumine toob kaasa traagilised tagajärjed.

Shakespeare’i traagika on dialektiline. Ühiskond võib rikkuda loomulikke moraalseid suhteid ja viia kangelased surma (Romeo ja Julia) ning kangelane võib mitmete oma negatiivsete omaduste tõttu kurja toime panna ja ühiskonnale kahju tekitada (Macbeth) ning samal ajal kangelane ja Julia. ühiskond võib olla üksteise suhtes süüdi (kuningas Lear). Kõik oleneb tolleaegsete sotsiaalsete vastuolude ja iga indiviidi psühholoogiliste konfliktide tegelikust keerukusest. Hea ja kurja võitlus ei käi ainult avalikul areenil, vaid ka inimhinges.

Shakespeare’i tragöödiate konflikt on äärmiselt pingeline, terav ja lepitamatu ning rullub lahti kahe vastandliku jõu kokkupõrkena. Esiplaanil - kahe tugeva kangelase võitlus, kehastades erinevaid tegelasi, erinevaid elupõhimõtteid ja vaateid, erinevaid kirgi. Hamlet ja Claudius, Othello ja Iago, Lear ja Goneril, Caesar ja Brutus – need on vastandlikud tegelased, kes on tülli astunud. Kuid Shakespeare'i üllas kangelane ei võitle mitte ainult mõne üksiku antagonisti vastu, vaid astub võitlusse kogu kurjuse maailmaga. See võitlus paljastab kangelase parimad vaimsed võimalused, kuid põhjustab ka kurjust. Võitlus käib samaaegselt kangelase enda hinges. Kangelane otsib valusalt tõde, tõde, õigust; tõeliselt traagilised on kangelase vaimsed kannatused tema ees avanenud kurjuse kuristiku nägemisel; aga ta ise eksib tõde otsides kuskil, puutub vahel kokku kurjusega, varjates end hea varju alla ja kiirendab sellega traagilist lõppu.

Tegevused traagilised kangelased Shakespeare, silmapaistvad inimesed, mõjutavad kogu ühiskonda. Tegelased on nii tähendusrikkad, et igaüks neist on terve maailm. Ja nende kangelaste surm vapustab kõiki. Shakespeare loob suuri ja keerulisi tegelasi aktiivsetest ja tugevad inimesed, mõistuse ja suurte kirgede, vapruse ja kõrge väärikuse inimesed. Shakespeare’i tragöödiad kinnitavad inimese isiksuse väärtust, inimese iseloomu ainulaadsust ja individuaalsust, tema sisemaailma rikkust. Inimhinge elu, läbielamised ja kannatused, inimese sisemine traagika pakuvad Shakespeare’ile huvi eelkõige. Ja see mõjutas ka tema uuendusi traagilise vallas. Pilt tegelaste sisemaailmast paljastab nende inimlikkuse nii sügavalt, et tekitab neis imetlust ja sügavat kaastunnet.

Mitmed Shakespeare’i kangelased – Macbeth, Brutus, Anthony (“Antony ja Cleopatra”) – on oma tragöödias süüdi. Kuid arusaam süüst ei sobi kokku paljude õilsate kangelastega. See, et noored Romeo ja Julia surevad, on siiraste ja terviklike inimlike tunnete suhtes vaenuliku ühiskonna süü. Hamletil, Othellol, kuningas Learil oli vigu ja eksimusi, mis ei muutnud nende õilsate tegelaste moraalset alust, kuid kurjuse ja ebaõigluse maailmas viisid traagiliste tagajärgedeni. Ainult selles mõttes saab rääkida nende "traagilisest süüst". Koos nende kangelastega kannatavad ja surevad täiesti puhtad loodused, nagu Ophelia, Cordelia, Desdemona.

Tekitatud katastroofis hukkuvad nii tegelikud kurjuse tegijad kui ka need, kes kannavad “traagilist süüd”, ja need, kes on täiesti süütud. Shakespeare'i tragöödia on kaugel sellest "poeetilisest õiglusest", mis seisneb lihtsas reeglis: pahe karistatakse, voorus võidab. Kurjus karistab lõpuks ennast, kuid hea talub traagilisi kannatusi, mõõtmatult suuremaid, kui kangelase viga väärib.

Shakespeare’i traagiline kangelane on aktiivne ja moraalse valikuvõimeline. Ta tunneb oma tegude eest vastutust. Kui olud, ühiskond läheb vastuollu moraaliideaalidega ja rikub neid, siis tegelaste moraalne valik on võitluses olude vastu; leppimatus kurjusega, isegi kui see viib nende endi hävinguni. See ilmneb kõige selgemalt Hamletis.

"Äratundmise", eksimuse ja süü teadvustamise, surmaeelse taipamise episood on Shakespeare'i tragöödiates küllastunud tegelaste kõige intensiivsematest läbielamistest ja olulisematest moraalsetest ideedest. Seda episoodi iseloomustab sügav ideoloogiline ja psühholoogiline sisu. "Äratundmise" episood on tragöödias oluline tõe ja headuse moraaliprintsiipide võidukäiguna kangelase läbielatud sisemise võitluse ja kannatuste tulemusena. See episood valgustab kogu kangelase elu uue valgusega, kinnitab inimvaimu suurust ja elu moraalsete aluste tähtsust.

Ka Shakespeare’i näidendite kurikaelte tegelased erinevad oma individuaalsuse poolest. Neil on tahe, mõistus, mis teenivad aktiivselt salakavalaid ja ambitsioonikaid plaane. Need kurikaelad on ajastu tõelise fenomeni – machiavellismi – kehastus. Vaba meel ilmub neis äärmiselt individualistlikul kujul, tõhusa isekate eesmärkide poole püüdlejana. Shakespeare'i kurikaelad ei ole sugugi tavapärased abstraktse kurjuse tegelased, nad on kodanliku süsteemi konkreetne ja tüüpiline kurjus. Kadedus, pahatahtlikkus ja vihkamine on kurikaelte peategelased. Kuid Shakespeare ei püüdnud neid paganatena esitleda. Ka kurjad on inimesed, kuid erinevatel põhjustel on nad kaotanud oma inimlikkuse. Mõnikord ärkab neis see, et rõhutada nende moraaliprintsiipideta olemasolu kasutust (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare väljendas humanistlikku usku inimese lahkusesse ja õilsusse, tema alistamatusse vaimu ja loomeenergiasse. Ta kinnitas inimväärikust ja inimlike saavutuste suurust. Kõigist katastroofidest ja hädadest väljub inimloomus võitmatuna. Shakespeare'i tõeline humanism on tema optimism. See optimism ei olnud õiglane, sest Shakespeare oli teadlik kurjuse jõust ja sellega kaasnevatest õnnetustest. Shakespeare’i tragöödiate optimism peitub võidus meeleheite üle ja võimsas usus inimese võitu sotsiaalse kurjuse üle.

Elu kujutamise ja tegelaste kujutamise mitmekülgsus avaldub alati traagilise ja koomilise koosluses ja läbitungimises. See oli Shakespeare’i uuendus, uue viisi avastamine inimese ja ühiskonna kujutamisel.

Shakespeare oli ka tragöödiate süžee ja kompositsioonilise ülesehituse uuendaja. Tema tragöödiates ilmub teine ​​süžee. Kõrvallood jätavad mulje elu mitmekülgsusest ja tegelikkuse laiast katvusest. Tegelaste paralleelsuse vastuvõtt ja süžeeliinid, mida kasutatakse võrdlusteks, kontrastideks, on Shakespeare’i tragöödiates täiendatud looduspiltidega. Segadus tegelaste hinges, kirgede traagiline võitlus, mis jõuab kõrgeima pingeni, kaasneb sageli looduses tormiga ("Kuningas Lear", "Macbeth").

Struktuuri keerukus, sündmuste vaba kulg Shakespeare’i tragöödiates aimab paljuski 19. ja 20. sajandi romaani poeetikat. Küllastus tegevusest, tegelaste draama, sündmuste salapära, ajaloo panoraampilt, vabadus ajas ja ruumis, särav kontrast - kõik need Shakespeare'i tragöödiate tunnused on leitud edasine areng romaani žanris.

Shakespeare’i loomingu viimasel, kolmandal perioodil jäi ta truuks humanismi ideaalidele, kuigi tal ei olnud enam illusioone uue kapitalistliku korra humanismist. Olles leidnud elus kehastust, võtsid humanismi ideaalid Shakespeare'i loomingulises fantaasias unenäo tulevikust, ilusast uuest maailmast. See unistus kehastus selle tegelikkuses teostamise võimaluse puudumisel fantastiliste elementide, pastoraalsete stseenide ja allegooriate kujul, mis on iseloomulikud Shakespeare'i viimase perioodi loomingule. Talvejutu ja Tormi kunstiline meetod on sügavalt loogiline, esteetiliselt vajalik ja on edasine samm Shakespeare’i loomingu arengus.

Perikles, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest esindavad uut esteetilist kvaliteeti. Neis on ühendatud tragikomöödia, pastoraalse draama ja allegooria žanrijooned. Kolmanda perioodi draamades pöördub Shakespeare fantaasia ja reaalsuse segamise, folkloorimotiivide, muinasjuttude ja utoopiliste olukordade, looduse taustal avanevate maaliliste stseenide poole. Shakespeare’i hilistes tragikomöödiates domineerib lüürilis-heroiline printsiip, erakordsete sündmuste romantika. Neid näidendeid iseloomustavad ühiskonna ja looduse vastandamise temaatika, julmad õukonnakombed ja idülliline maaelu. Kuid ühiskonnast lahkuminek on siin selle ühiskonna moraalse ja eetilise kriitika vorm, mitte üleskutse selle eest põgeneda. Pole juhus, et kangelased naasevad ühiskonda, et jätkata võitlust kurjuse vastu.

Tragikomöödia "Talvejutt" (1610-1611) on kirjutatud rahvaluule vaimus. See teos mõistab hukka kuningate despotismi ja poetiseerib külaelanike lahkust. Kogu näidend on üles ehitatud kuningliku õukonna türannia teravale kontrastile. ja talupoegade karjaste inimlikkus. Sitsiilia kuningas Leontes, kes naudib piiramatut võimu, otsustas oma naise Hermionega jõhkralt hakkama saada, kes oli oma Böömi kuninga Polyxenuse peale armukade. Hermione leiab Böömimaal peavarju vana karjase juures, kellest saab tema isa. Loss armus kuningas Polyxenes prints Florizeli poega. Klassivahesid arvestamata soovib Florizel Lossiga abielluda. Kui Polixenes keeldub selle abieluga nõustumast, lahkuvad Florizel ja Loss Böömimaalt. Inimeste võrdsuse ideaal kinnitatakse kaotuse sõnad selle kohta, mis on onni ja selle kohal Ork sama päike paistab taevas.

Hea võidab selles näidendis kurjast. Leontes mõistab lõpuks oma süüd ja saab Hermionega taas õnne.

Näidendi filosoofilises sisus on suur tähtsus koori kuvandil – Aeg. Neljanda vaatuse proloogis, kommenteerides näidendi kangelaste saatust, väljendab Aeg arenguideed, ideed lakkamatutest muutustest ühiskonnaelus. Aeg seab arengute perspektiivi, seab Hermione kurva loo kindlale kohale ajaloo üldises voolus. Igaveste arenguseaduste seisukohalt on traagilised sündmused vaid eraldiseisvad hetked, mis ületatakse, jäävad minevikku, saavad legendiks. Ajaloolise aja skaalal võidab paratamatult hea. Talveloos väljendas Shakespeare oma usku inimkonna imelisse tulevikku.

Shakespeare'i unistused õiglasest ühiskonnast väljenduvad tragikomöödia "Torm" (The Tempest, 1611) fantastilises süžees. Pärast laevahukku saarele randunud Gonzalo unistab siin korraldada kõik teisiti kui Napoli kuningriigis. Ta tahab kaotada ametnikud ja kohtunikud, hävitada vaesuse ja rikkuse, kaotada pärimisõigused ja maapiirded. Seega püüab Gonzalo välja juurida ebaõiglases ühiskonnas valitseva kurjuse. Kuid Gonzalo väljendab ka naiivseid soove: kaotada kaubandus, teadus ja tööjõud ning elada ainult sellest, mida loodus ise annab. Gonzalo monoloogis on tuntav Thomas More’i "Utoopia" ideede mõju.

Gonzalo utoopilised unistused vastanduvad tõelisele ühiskonnale, kus pannakse toime julmusi. Kaksteist aastat tagasi haaras Antonio Milanos võimu enda kätte, saates riigist välja õigusjärgse hertsogi, tema venna Prospero. Prospero ja tema tütar Miranda satuvad saarelt, kus elavad fantastilised olendid. Siiski on ka siin kurjust. Kole metsik Caliban, nõiast sündinud koletis, otsustas talle palju head teinud Prospero usaldust ära kasutades Mirandat teotada. Võlur Prospero vallutab tumedate instinktide jõudu kehastava Calibani, kes teeb hea õhuvaimu Arieli abil häid tegusid.

Lavastus paljastab hea ja kurja konflikti. Humanistist teadlase Prospero kuvand on hea meele kehastus ja selle kasulik mõju inimestele. Wise Prospero muudab inimesi, muutes nad mõistlikuks ja ilusaks.

Prospero on saarel kõikvõimas, mägede, ojade, järvede, metsade vaimud on talle allutatud, kuid ta tahab naasta kodumaale, Itaaliasse ja taas sukelduda ühiskonna kirglikku ellu, võidelda kurjuse vastu. Shakespeare väljendas teoses The Tempest armastust inimkonna vastu, imetlust inimese ilu vastu, usku uue kauni maailma tulekusse. Humanistist poeet paneb lootuse tulevaste põlvkondade pähe, kes loovad õnneliku elu.

Artiklis “Valguskiir pimeduses kuningriigis” defineeris N. A. Dobrolyubov Shakespeare’i globaalset tähtsust järgmiselt: “Paljusid tema näidendeid võib nimetada avastusteks inimsüdame vallas; tema kirjanduslik tegevus nihutas inimeste üldteadvuse mitmele tasandile, kuhu enne teda polnud keegi roninud ja millele osutasid vaid eemalt mõned filosoofid. Ja seepärast on Shakespeare nii universaalne: ta määrab inimkonna arengu mitu uut etappi.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. tsit.: 9 köites - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

Shakespeare’i loodud tegelased on mitmetahulised, neis on ühendatud traagilise ja koomilise alged, nagu elus eneses juhtub.

Renessansi realismis ja Shakespeare'i loomingus on oma konventsionaalsed vormid. Tinglikult näiteks tegevuskoht. Shakespeare'i näidendite tegevus võib toimuda Taanis, Šotimaal, Sitsiilias, Böömimaal, kuid dramaturg pidas alati silmas Inglismaad, kujutas oma kodumaa konflikte, tegelasi ja kombeid. Shakespeare’i draamad on polüfoonilised. Neis on ühendatud erinevad poeetilised elemendid, erinevad süžeemotiivid ning need avalduvad erinevates aspektides ja variatsioonides. Shakespeare’i realism avaldub sageli muinasjutuliselt romantilises vormis, fantastilistes, allegoorilistes kujundites, hüperboolses ja metafoorses stiilis, pateetilises ja muusikalises meeleolus, efektses lavavormis. Shakespeare'i jaoks on kõige olulisem probleem probleem inimese iseloom. Enamiku Shakespeare'i draamade süžee keskmes on inimene, kes avaldub olevikus toimuvas võitluses. Shakespeare ei anna oma tegelastele mingit tausta. Isik Shakespeare’i teostes on dramaturgi jaoks seotud kaasaegse ühiskonna eluga. A.S. Puškin rääkis Shakespeare’i tegelaste mitmekülgsusest: „Shakespeare’i loodud näod ei ole nagu Moliere’i omad sellise ja sellise kire, sellise ja sellise pahe tüübid, vaid elusolendid, täis palju kirgi, palju pahesid; olud arenevad vaataja ees välja nende eriilmelised ja mitmetahulised karakterid.

* Puškini-kriitik. - S. 412.

Shakespeare andis edasi inglise tegelikkuse rahvuslikku maitset, inglise keele iseloomu rahvakultuur. Keegi enne teda ei suutnud kujutada ajaloo kulgu ennast, näidata ühiskonna erinevaid kihte ühtses dünaamilises süsteemis.

Shakespeare jäädvustas oma teostes ajastu pöördepunkti, dramaatilist võitlust vana ja uue vahel. Tema teosed peegeldasid ajaloo liikumist selle traagilistes vastuoludes. Shakespeare’i tragöödia põhineb ajaloo ja legendi süžeematerjalil, mis peegeldab maailma kangelaslikku seisu. Kuid selle legendaarse ja ajaloolise materjali põhjal tõstatas Shakespeare teravad kaasaegsed probleemid. Rahva roll ühiskonnaelus, kangelasliku isiksuse ja rahva vahekord avatakse hämmastava filosoofilise sügavusega tragöödias Coriolanus (Coriolanus, 1608). Vapper komandör Coriolanus on suurepärane, kui ta esindab oma kodumaa Rooma huve, inimeste huve, võites Coriolis võidu. Rahvas imetleb oma kangelast, hindab tema julgust ja otsekohesust. Coriolanus armastab samuti inimesi, kuid teab nende elust vähe. Coriolanuse patriarhaalne teadvus ei ole veel võimeline arenevat haarama sotsiaalsed vastuoludühiskonnas; seepärast ei mõtle ta rahva hädadele, keeldub neile leiba andmast. Rahvas pöördub oma kangelasest ära. Ühiskonnast välja heidetud, üksinda sattunud Coriolanuses ärkab meeletu uhkus, vihkamine plebside vastu; see viib ta riigireetmiseni isamaa vastu. Ta astub vastu Roomale oma rahva vastu ja mõistab end sellega surma.

Shakespeare'i rahvus seisneb selles, et ta elas oma aja huvidest lähtuvalt, oli truu humanismi ideaalidele, kehastas oma teostes eetilist põhimõtet, ammutas kujundeid rahvakunsti aardest, kujutas kangelasi laial rahvalikul taustal. Shakespeare'i teostes - draama, laulusõnade ja uusaja romaani arengu alged.

Ka Shakespeare’i draama rahvaliku iseloomu määrab keel. Shakespeare kasutas Londoni elanike kõnekeele rikkust, andis sõnadele uusi varjundeid, uue tähenduse *. Shakespeare’i näidendite kangelaste elav rahvalik kõne on täis sõnamängu. Keele kujundlikkus Shakespeare'i näidendites saavutatakse täpsete, piltlike võrdluste ja metafooride sagedase kasutamisega. Sageli muutub tegelaste kõne, peamiselt esimese perioodi näidendites, pateetiliseks, mis saavutatakse eufemismide kasutamisega. Seejärel oli Shakespeare eufuistliku stiili vastu.

* Vaata: Morozov M. Artikleid Shakespeare'ist. - M, 1964.

Shakespeare’i näidendites vaheldub värsskõne (tühivärss) proosaga. Traagilised kangelased räägivad peamiselt värssides ja koomilised tegelased, naljamehed - proosas. Kuid mõnikord leidub proosat ka traagiliste kangelaste kõnes. Luuletusi eristavad mitmesugused rütmilised vormid (jambiline viis jalg, kuue jala ja nelja jala jalam, sidekriips).

Tegelaste kõne on individualiseeritud. Hamleti monoloogid on olemuselt filosoofilised ja lüürilised; Othello lüürilist kõnet iseloomustab eksootiline kujundlikkus; Osrici kõne ("Hamlet") on pretensioonikas. Shakespeare’i keel on idiomaatiline ja aforistlik. Paljud Shakespeare'i väljendid on muutunud lööklauseks.

Nõukogude kirjanduskriitika peab Shakespeare’i loomingut realistlikuks. Suur roll oli Shakespeare’i teoste realistliku olemuse paljastamisel nõukogude teater. Õppimiseks on palju ära tehtud loominguline pärand Shakespeare ja nõukogude tõlkijad.

Mitmete nõukogude Shakespeare’i teadlaste töödes tõstatuvad Shakespeare’i maailmavaatelised probleemid, tema loomingu periodiseerimine, näidendite teatrilugu, realismi ja rahvuse probleemid. Nõukogude Shakespeareoloogias pöörati ühiskonna tähelepanu "Shakespeare'i ja vene kirjanduse" probleemile.

V kunstimaailm Varajase Shakespeare’i tragöödiad näitasid ka renessansilikku maailma- ja inimesevaadet: seniste traagiliste kokkupõrgete aluseks on lihtsalt Shakespeare’i kangelaste arusaamatus, et inimene on ilus peaaegu kõigis oma ilmingutes. Siin on tragöödia "Romeo ja Julia" (1595) – siin saab vanemate vaenu ohvriks noorte Romeo Montecchi ja Julia Capulet kaunis armastus, mis on pärit kahest omavahel sõdivast perekonnast. See vaen siis vaibub, seejärel lahvatab: Capuletide teenijad mõtlevad vaid sellele, kuidas Montague'ide teenijaid seaduslikult tülli ajada, teenijate vaheline võitlus areneb võitluseks vennapoegade ja seejärel auväärsete isade vahel. perekonnad haaravad ise mõõgad ja lähevad kaklusse, olles nende naiste poolt vaoshoitud.

Ja see on loomulik, et armastus noored pärijad Kahte sõdivat klanni ei suuda pereisad vaenu ja õudusega tajuda. Kuid kõige tipuks ei saa Romeo ega Julia oma perede elust eemale jääda. Ja nii tapab Romeo tülis Julia venna Tybalti ja Julia ema Signora Capulet nõuab Romeo hukkamist. Jah, ja Julia hinges võitlevad armastuse ja kohusetunne pere vastu. Julia abiellus salaja Romeoga. Kuid nüüd saab ta teada, et tema Romeost sai tema venna mõrvar:

JULIET Kas ma pean oma mehe hukka mõistma? Oh, mu vaene, kes sind armustab, Kui mina, su kolmetunnine naine, ei säästnud? Aga miks, kaabakas, sa mu venna tapsid? Aga mu vend oleks mu mehe kaval moel tapnud! Mu mees on elus; Tybalt oleks ta tapnud; Tybalt tapetakse - muidu saab temast mõrvar ...

Selline süžeearendus on tüüpiline mitmele Kreeka tragöödiale, hiljem klassitsismi traditsioonides kirjutatud tragöödiatele (XXVII-XVIII sajand), näiteks P. Corneille'i kuulsale tragöödiale "Sid". Kuid klassikaline tragöödia kinnitas selgelt kohuse prioriteetsust tundest ja peategelane Näiteks Kornelevi "Sid" tapab kättemaksuna isale löödud laksu eest oma armastatud Jimena isa, kes omakorda isakohust täites nõuab oma väljavalitu hukkamist, kuigi mõistab samal ajal, et tema väljavalitu ei saaks teisiti.

Shakespeare taastab oma tragöödias kohuse mõistet, samas rehabiliteerib inimtunnet. Romeo ja Julia lõpuks surevad – ja selles ei lange publiku silmis süü mitte armastajatel endil, kes ei julgenud armastust perekonna au ohvriks tuua, vaid kahe pere isadele, kes ohverdasid armastuse perekonnale. ambitsioonid ja tahtmatult oma laste elu. JA " positiivne kangelane"Tragöödia, Verona hertsog, viitab finaalis sõdivate perekondade isadele:

Ja kus on vaenlased – Montague’id, Capuletid? Taevane nuhtlus karistab sind vihkamise eest, Armastuse jõul õnnest ilma jättes.

Finaalis lepivad kahe pere isad ära – ja Montague lubab püstitada Juliale kuldse kuju ning vastuseks kuuleb ta Capuleti sõnu:

Ma püstitan lähedale Romeo ausamba: Lõppude lõpuks on lahkhelid meid mõlemad hävitanud.

Shakespeare'i humanism enne 1600. aastat on renessansi humanism, humanism, mis põhineb vaba ja aktiivse inimese piiritu ilu kinnitamisel, kes on heitnud maha keskaegse enesesalgamise ahelad. Isegi traagilised kokkupõrked varajase Shakespeare’i kroonikate ja tragöödiate kunstimaailmas on kas juhuslikud sündmused maailmas, mida kontrollib mõistlik ettenägelikkus, või on keskaegsete eelarvamuste tagajärg, mis inimest ikka veel kütkestab (“Romeo ja Julia”), kuid kindlasti mitte. inimloomuse enda rikutuse tagajärg.

Shakespeare'i humanism pärast 1600. aastat - see on traagiline humanism, täis pettumust inimloomuses, mille on äratanud renessansi ideaalide ümberhindamine. Edaspidi eelistab Shakespeare üha enam tragöödiažanri ja traagilised kokkupõrked põhinevad reeglina inimlikul kõlvatusel. Nüüd teeb inimene ise oma elu väljakannatamatuks; Shakespeare'i maailm muutub reetlike pettuste ja tapatalgute lõputuks ahelaks; Nüüd on Shakespeare’i näidendite kunstilises maailmas alati maisele elule omane ebatäiuslikkuse motiiv, mingi traagilise korratuse tunne.

Juba tragöödias "Hamlet" (1601) avaldus selgelt Shakespeare'i uue ellusuhtumise traagiline humanism. Tragöödia on kirjutatud ühe 13. sajandi Taani legendi materjalile ja juba enne Shakespeare'i tehti sellest süžeest mitu transkriptsiooni, kuid need transkriptsioonid taandusid reeglina lihtsale skeemile: kättemaksujanu mürgitatu eest. isa ja hullumeelsuse imitatsioon selle eesmärgi saavutamiseks. Kuid Shakespeare kasutas kuulsa legendi süžeed, et luua sügavaima filosoofilise sisuga tragöödia.

Nii naaseb Shakespeare'i Taani prints Hamlet Wittenbergist, kus ta ülikoolis õppis, Taani, olles šokeeritud kahest traagilisest sündmusest: isa surm ja tõsiasi, et tema ema kuninganna Gertrude "isegi ei kulunud ära. kingad, milles ta kirstu taga kõndis", abiellus uuesti. Ülikoolinoor Hamleti silme all variseb maailm kokku:

Oh issand, metsaline, kellel pole mõistust, oleks kauem igav! - abielus onuga, kes ei näe välja rohkem isa kui mina Heraklesena. Kuu aega hiljem! Ka tema ebaausate pisarate sool ei kadunud punetavatele silmalaugudele, Nagu abiellus. Alatu kiirustamine – kuidas visata end verepilastusse! Ei, ja see ei saa olla hea.

Shakespeare'i kummituse loits on juba renessansiajastu humanistliku eetika jooni jäljendanud. Isegi iidne traditsioon lubas kättemaksu orbiidile tõmmata iga inimese – isegi kättemaksja ema. Sellega seoses võib meenutada Sophoklese tragöödiat "Elektra" ja samanimelist Euripidese tragöödiat. Nende tragöödiate kunstimaailmas pühitses Orestese ja Electra kättemaksu tema emale jumalik tahe Euripides, kes otsustas süžee mittekanoonilise, mittetraditsioonilise tõlgenduse teel minna Sophoklesest palju kaugemale. , julgesin juba kahelda, et see kättemaks on ühemõtteline hüve, ”näidata Orestese kahtlusi ja kõhklusi, kes seda kättemaksu ei taha, tajub seda traagilise vajadusena.

Ja ometi põrkub ka Euripidese maailmas kättemaksu mittesooviva Orestese inimõigus jumaliku tahte survega, mis on vankumatu – kätte maksta!

Mis puudutab Shakespeare'i "Hamletit", siis siin seab kättemaksule piiri mõrvatud mehe vaim ise: "Ära määri ennast, ära intenteeri oma emale." Seda võib muidugi seletada ka sellega, et Shakespeare’i kuninganna Gertrudi süüaste oli väiksem kui vastavalt Sophoklese ja Euripidese (ja varem ka Aischyleanuse) Clytemnestra süü määr. Ainult lõppude lõpuks ei keskendu Shakespeare'i kummitus kuigi palju tähelepanu kuninganna Gertrude'i süü astmele. Juba see, et ta hoiatab Hamletit, et ta ei maksaks oma emale kätte, see tähendab viitab sellise kättemaksu võimalusele, viitab sellele, et Gertrudi tegu (abiellumine oma mehe mõrvariga – kuigi ilma mõrvas otsese osaluseta) kooskõlas Shakespeare'i ajastu moraalinormid, mis on võrreldavad mõrvari ja troonivõtja Claudiuse kuriteoga.

Juba kummituse sõnad, sõnade “oma ema peal” rõhutamine viitab sellele, et asi on ennekõike selles, et Gertrude on kättemaksule määratud Hamleti ema. Ema – ja seega puutumatu. Hamletile on märgitud ainult üks kättemaksuobjekt - see on Claudius.

Hamlet peab nüüd täitma oma isa postuumse tahte – ja ta ise peab häbiks kuriteo eest mitte kätte maksta. Kuid Hamletil on üks omadus, mis tegi temast lõpuks üldnimetuse: ta ei ole võimeline tegutsema ilma arutluseta; enne kui midagi ette võtab, peab ta teadma täit tõde.

Ja nii otsustab Hamlet, kes ei usalda täielikult, et tema isa vaim tõesti ilmus, kontrollida, kas Claudius on tõesti mõrvar: selleks palkab ta isegi näitlejad kuningliku perekonna ette näidendit mängima, mille käigus peaks toimuma mõrv, mis on sarnane Claudiuse mõrvaga, ja mõrvatud kuninganna-naine peab vastavalt süžeele lähenema mõrvarile; samal ajal küsib Hamlet, kes ei usalda end lõpuni, oma sõbralt Horatiolt.

Shakespeare'i humanism Renessansi humanism

Teised esseed sellel teemal:

1. G. Cervantes "Don Quijote" ja W. Shakespeare "Romeo ja Julia". Renessanss kestab enamikus Euroopa riikides 15.–16....
2. See suur progressiivne ajastu oli pikk ja läbis mitu etappi, mida nimetati varajaseks renessansiks, renessansiks ning kõrg- ja hiliseks...
3. Renessanss ulatub enamikus Euroopa riikides 15. ja 16. sajandisse. See oli aeg, mil rahvas hakkas feodaalidele vastu astuma, ...
4. 1605. aastal kirjutas W. Shakespeare kaks tragöödiat – "Macbeth" ja "Kuningas Lear". Kuningas Learis on "hilise" Shakespeare'i traagiline humanism...
5. 16-aastaselt oli Saksamaa Prantsusmaa (mille kõrval ta asus) ja Itaalia (millega Põhja-Saksamaa kauples) mõju all. Enamgi veel,...
6. Eesmärk: tutvustada õpilastele näitekirjaniku elu põhisündmusi ja (kokkuvõtlikult) "renessansi" kontseptsiooni; Arendage oma kirjutamisoskust ja...
7. Suurepärased kunstiteosed - see on nende eripära - avavad kõige laiemad võimalused individuaalseks tajumiseks ja igaühel on õigus näha, leida ...
8. Renessanss ehk renessanss (prantsuse Renaissance, itaalia Rinascimento) on ajastu Euroopa kultuuriloos, mis asendas keskaja kultuuri ja ...
9. Inglise rahvaste ühtsus, vaimne tõus, pinge kultuurielu- sellistel tingimustel ХVІ-ХVІІ Art. ilmus inglise kirjanduses...
10. "Hiliste" hulka kuuluvad Shakespeare'i aastatel 1601–1608 loodud tragöödiad: Hamlet, Othello, Macbeth, Coriolanus, Antony ja Cleopatra, kuningas Lear...
11. Inglise rahvuse ühtsus, vaimne tõus, kultuurielu intensiivsus - sellistes tingimustes XVI-XVII sajandi piiril. ilmus inglise kirjanduses...
12. Inglise näitekirjanik, luuletaja, kes lõi maailmakuulsaid sonette (1593-1600), dramaatilised teosed: "Romeo ja Julia" (1594), "Hamlet" (1601), "Othello" (1604), "Kuningas ...
13. XVII sajandi alguses. maailma kokkupõrge, kus domineerivad "kulla jõud ja hävitavad kired", vana julma feodaalse vägivalla maailmaga...
14. On teada, et Shakespeare võttis Mercutio nime talle usaldusväärsetest allikatest, mis ajendas teda tutvustama ainsas tekkivas näidendis ....
"Igavesteks kujunditeks" nimetatakse kirjandustegelasi, kes kaugemale kunstilise üldistuse sügavusest väljuvad konkreetsetest teostest ja neis peegelduvast ajastust....