kultuuri hedonismi taaselustamine

Mõiste "humanism" pärineb ladinakeelsest sõnast "humanitas" (inimkond), mida kasutati juba 1. sajandil eKr. eKr. kuulus Rooma kõnemees Cicero (106-43 eKr). Tema jaoks on humanitas inimese kasvatamine ja harimine, tema ülendamisele kaasaaitamine.

Kultuurisuunana tekkis humanism 14. sajandil Itaalias ja alates 15. sajandist levis Lääne-Euroopasse. Renessansist ehk renessansist (prantsuse renaitre – uuesti sündima) on kujunenud üks silmatorkavamaid ajastuid arengus. Euroopa kultuur hõlmates peaaegu kolm sajandit XIV sajandi keskpaigast. kuni 17. sajandi esimeste kümnenditeni. See oli suurte muutuste ajastu Euroopa rahvaste ajaloos. Linnatsivilisatsiooni kõrge taseme tingimustes algas kapitalistlike suhete tekkimise protsess ja feodalismi kriis, toimus rahvaste voltimine ja suurte rahvusriikide loomine, tekkis uus poliitilise süsteemi vorm - absoluutne monarhia. , tekkisid uued sotsiaalsed rühmad – kodanlus ja palgatud töölised. muutunud ja vaimne maailm isik. Renessansiajastu meest haaras janu enesejaatuse, suurte saavutuste järele, ta osales aktiivselt avalikku elu, taasavastas loodusmaailma, püüdles selle sügava mõistmise poole, imetles selle ilu. Renessansiajastu kultuuri iseloomustab ilmalik maailmatunnetus ja -mõistmine, maise olemasolu väärtuse, inimese mõistuse ja loominguliste võimete suuruse ning indiviidi väärikuse kinnitamine. Renessansi kultuuri ideoloogiline alus oli humanism.

Humanismi rajajaks peetakse üksmeelselt poeeti ja filosoofi Francesca Petrarchi (1304-1374). Petrarka oli esimene suur humanist, poeet ja kodanik, kes suutis näha renessansieelsete mõttevoolude terviklikkust ja ühendada need poeetiliseks sünteesiks, millest sai tulevaste Euroopa põlvkondade programm. Oma tööga suutis ta sisendada nendesse tulevastesse mitme hõimu põlvkondadesse lääne- ja Ida-Euroopast teadvus – ehkki mitte alati selge – teatud vaimsest ja kultuurilisest ühtsusest, mille kasulik mõju kajastub ka meie uusajal. Maailmakuulsaks on saanud Petrarka pikaajaline armastuslugu Laura vastu, mida luuletaja väljendab kaunis kaansoonide ja sonettide tsüklis, mis ilmus pealkirja all "Lauluraamat". See raamat, nagu ka teised Petrarka poeetilised teosed, jätsid tema kaasaegsetele nii suure mulje, et isegi oma eluajal tunnistati teda üheks suurimaks luuletajaks ja pärjati loorberipärjaga.

Tema töös - algus paljudele viisidele, kuidas Itaalia renessansikultuuri areng kulges. Oma traktaadis "Oma ja paljude teiste teadmatusest" lükkab ta resoluutselt tagasi keskajale omase skolastilise stipendiumi, millega seoses kuulutab trotslikult oma oletatavat teadmatust, kuna peab sellist stipendiumit täiesti kasutuks inimese jaoks. tema aeg. Petrarka pole aga ainult poeet, vaid ka omapärane ja huvitav mõtleja, filosoof. Just tema sõnastas esimesena Euroopas humanismi ideed, hakkas rääkima vajadusest taaselustada iidne vaim, antiikaja ideaalid. Mitte ilmaasjata juba XV sajandi alguses. kirjutas: "Francesca Petrarch oli esimene, kellele arm laskus, ta tundis ära ja mõistis ning tõi päevavalgele armu iidne stiil kadunud ja unustatud". Humanism tõi eetilisesse mõtteviisi inimese ja maise elu väärtuse tunnustamise. Siit arenesid järk-järgult välja ideed õnnest, õiglusest ja inimeste võrdsusest. Tahes või tahtmata, kuid renessansi humanistlik kulg aitas kaasa üksikisiku õiguste kehtestamisele ja eelkõige õiguse tunnustamisele õnnelikule elule. Ei tohiks olla üllatav, et humanism muutus tulevikus orgaaniliselt filantroopiaks, edendades suhetes leebust, kaastunnet, halastust, sõbralikkust ja lõpuks ka tolerantsust teisitimõtlejate suhtes. Paljud filosoofilised voolud on neelanud humanismi jooni. Humanism kui nähtus osutus ajalooliselt muutuvaks vaatesüsteemiks. Pärinedes kunstist, sillutas see teed teadusele, teadus- ja tehnoloogiarevolutsioonile, aitas kaasa majandusbuumile, haridusele, sotsiaalsetele muutustele ja revolutsioonidele.

Renessanss tõrjus mees-orja mõistel põhineva filosoofia ja vastandas teist filosoofiat, mis põhines mõistel mees-isand, mees, kes tunneb ja vallutab maailma (S. D. Artamonov).

Renessansi kunst tekkis üleminekuperioodil feodalismilt kapitalismile. Kapitalistlike suhete edasise tihenemisega Euroopas pidi renessansiaegne kultuur lagunema. Selle hiilgeaeg oli seotud perioodiga, mil feodaalse ühiskonnaelu ja maailmavaate alused olid, eriti linnades, põhjalikult kõikuma löönud ning kodanlik-kapitalistlikud suhted ei olnud kogu oma kaupmeheliku proosalisuse ja kogu oma alatu olemuses veel välja kujunenud. "moraal" ja hingetu silmakirjalikkus.

Renessansi esimesel etapil ei olnud käsitöölise isiklik töö, eriti majapidamistarvete valmistamisel, veel täielikult välja tõrjutud, manufaktuur hävitas; ettevõtlik kaupmees või pankur pole veel muutunud oma kapitali näotuks lisandiks. Isiklik intelligentsus, julgus, leidlikkus pole veel oma tähtsust kaotanud. Seetõttu ei määranud inimisiksuse väärtust mitte niivõrd tema kapitali "hind", vaid ka tegelikud omadused. Iga kodaniku aktiivne osalemine avalikus elus lõi eriti soodsad tingimused tegusa ja energilise isiksuse õitsenguks.

Kirikumoraali kriteeriumid, keskaja inimese ideaal (munk-askeet või sõdalane-rüütel "ilma hirmu ja etteheiteta") asenduvad ereda tugeva isiksuse ideaaliga, kes püüdleb maapealse õnne poole, millest haarab kinni. kirglik soov arendada ja kinnitada oma aktiivse olemuse loomingulisi võimeid.

Renessansi kultuuri kujunemisel oli suur tähtsus pöördumisel antiikaja suurele pärandile, mis ei kadunud täielikult ka keskaegses Euroopas. Antiikkultuuri paatos oli rõõmus ja kirglik soov tunda tõelist maailma kogu selle sensuaalses võlus. Kuid renessansiajastu inimese kuvandit eristas algusest peale suurem individualiseeritus ja psühholoogiline konkreetsus kui iidse klassika kunstis.

XVI sajandil. Itaalias ilmus esmakordselt mõiste humanist ja 19. saj. - humanism (tõlkes ladina keelest "inimkond:"). Uue (suuna) esindajad soovisid nende terminitega näidata oma teaduse ja kirjanduse ilmalikkust, vabastades nad teoloogia domineerimisest.

Loomulike inimtunnete ilu, tõelise inimelu poeesia imbus kogu XV-XVI sajandi renessansi kunstist.

Arhitektuuris avaldus ilmalikes hoonetes elujaatava humanismi ideaalid, iha harmooniliselt selge vormiilu järele. Linnahallid, lodžad, turu purskkaevud, heategevuse majad on eriti levinud ja omandavad rõhutatult monumentaalse ja ilmaliku iseloomu. Ilmekas näide uut tüüpi arhitektuurist on Itaalia arhitekti Filippo Brunelleschi (1377-1446) orbudekodu. Ehitatud Firenzes. Selle kaunite poolringvõlvidega sammaskäik, mis avanes väljaku poole, väljendas sõbralikkust ja külalislahkust.

Koos linna avalikke huve teeniva tsiviilarhitektuuriga on kujunemas täiesti uutmoodi arhitektuur. Jõuka burgeri eluase muutub monumentaalseks, piduliku rõõmsameelsusest läbi imbunud paleeks – palazzo’ks. Palazzod koos raekodade ja templitega määrasid suuresti Itaalia renessansiaegse linna arhitektuurilise ilme.

Eriti oluline oli apellatsioon iidsele korrasüsteemile, mõistlikkus, arhitektuurse struktuuri ülesehitamise loogika ja hoone tektoonilise loogika tuvastamine. Vähem oluline polnud ka korrasüsteemi humanistlik alus, selle mastaabi ja proportsioonide korrelatsioon inimkeha mastaabi ja proportsioonidega.

Leon Battista Alberti (1404-1472), Brunelleschi õpilane ja järgija, arendas iidsete ordude süstemaatilise kasutuse ning näitas Firenze Palazzo Ruccellai ehitamisel, kuidas neid kasutada ja kombineerida.

Renessansile on väga iseloomulik laiaulatuslik pöördumine pidulike ja pidulike arhitektuuristruktuuride poole, mille vastu tekib monumentaalsetes skulptuuri- ja pilditöödes inimese kuvand, kes domineerib maailmas või võitleb selles aktiivselt oma eesmärkide saavutamiseks. Sellest tuleneb enamikule Itaalias 15.–16. sajandil loodud kirikuhoonetele iseloomulik maapealne, ilmalik iseloom.

Selle suurepärane näide on Püha katedraal. Peetrus Roomas. Suure itaalia arhitekti Donato d "Angelo Bramante (1444-1514) projekteeritud keskse kupliga konstruktsiooni kujul, ümarate okstega kreeka risti kujul, võimas sfääriline kuppel ristmiku kohal, pidi katedraal esindama. a täielikult uut tüüpi katoliku kirik, kus ruum domineerib massi üle, luues ebatavalise "õhususe" ja konstruktsiooni kerguse efekti. Pärast Bramante surma võtsid katedraali ehitamisest osa peaaegu kõik kuulsad arhitektid, kes olid 16. sajandi esimesel poolel Roomas. Selle ehitamine oli eriti oluline seoses paavstide sooviga tugevdada katoliikluse ja paavstliku riigi positsiooni. Hoone pidi varjutama paganlike templite varemed ja sellele eelnenud kristlikud ehitised.

1546. aastal läks katedraali ehituse juhtimine Itaalia renessansiajastu suure geeniuse Michelangelo Buonarroti (1475-1564) kätte. Vaatamata paljudele muudatustele, mille tema eelkäijad projekti tegid, saavutas Michelangelo kogu kompositsiooni suurema ühtsuse, kus põhiruum (kolonaadiga ümbritsetud trumliga keskkuppel) saavutas absoluutse ülekaalu konstruktsiooni sekundaarsete rakkude (neli väikest). kuplid). Seega pöördus Michelangelo tagasi keskse plaani juurde, mis näitas humanistlike ideaalide võidukäiku.

Kui Itaalias oli vaheaeg keskaegse arhitektuuriga avatum ja järjekindlam, siis Alpidest põhja pool (Holland, Saksamaa) loodi uut tüüpi renessansiaegse linna arhitektuur peamiselt gooti arhitektuuri ümbertöötamisega suurema harmoonia ja suurema pidulikkuse vaimus. vormid.

Renessansiajal mängis kunst kultuuris erakordset rolli ja määras suurel määral ajastu näo. Omaette töötoad, konkureerivad omavahel, kaunistasid kirikuid ja väljakuid kaunite töödega. Rikkate patriitsiperede esindajad püstitasid nii isiklikust ambitsioonist ja poliitilisest kalkulatsioonist kui ka soovist oma rikkust täiel rinnal nautida uhkeid paleesid, ehitasid kalleid ühiskondlikke hooneid ning korraldasid linnakodanikele uhkeid pidulikke vaatemänge ja rongkäike.

Maalijad, skulptorid, arhitektid, keda ajendas üllas võistluse vaim, püüdsid saavutada oma töödes suurimat täiuslikkust.

Renessansi kunsti iseloomulikuks jooneks oli realistliku maalikunsti enneolematu õitseng. Esmakordselt avab maal selles peituvaid võimalusi elu laialdaseks kajastamiseks, kujutades inimtegevust ja selle keskkonda.

Kirg teaduse vastu aitas kaasa inimese anatoomia valdamisele, realistliku vaatenurga kujunemisele, esimestele kordaminekutele õhukeskkonna ülekandel, nurkade ehitamise meisterlikkusele, st vajalikule teadmiste hulgale, mis võimaldasid maalijatel realistlikult kujutada inimene ja teda ümbritsev reaalsus. Seetõttu oli geniaalne kunstnik Leonardo da Vinci ka suurepärane teadlane. Ja parimate teadlaste ja mõtlejate teosed ei olnud mitte ainult läbi imbunud omamoodi luule ja kujundlikkuse vaimust, nagu prantslane Francis Bacon oma uues organonis, vaid sageli väljendati ka nende teadlaste ühiskonnavaadete sisemist olemust. ilukirjanduse vormis (Thomas More'i utoopia). ).

Itaalia teadlased esitasid ideaali universaalsest inimesest, kellel on põhiteadmised kõigis kultuurivaldkondades. Renessansile omane universaalsuse idee viis ka ideeni universaalsest kultuurist, mis ületab riikide ja rahvaste kitsad piirid. “Kes on kõike õppinud, pole kuskil võõras; isegi ilma varanduse ja sõpradeta on ta iga linna kodanik ja võib julgelt põlata kõiki saatuse äpardusi, ”kirjutas Ghiberti, üks 15. sajandi humaniste.

Renessansi kunst leidis esimest korda realismi ajaloos võimaluse luua pilt, mis ühendas indiviidi individuaalse identiteedi elava avalikustamise inimese kõige tüüpilisemate ja iseloomulikumate omaduste tuvastamisega. Renessansi realistlik portree on lahutamatult seotud selle hiilgeaegadega van Eycki, Leonardo da Vinci, Raphaeli, Düreri, Tiziani nimedega. Renessansiajastu portree on läbi imbunud isiksuse jaatuse paatosest, teadvusest, et tema individuaalsuse mitmekesisus ja helgus on normaalselt areneva ühiskonna vajalik tingimus.

Looduses uudsete probleemide lahendamine arendas ja täiustas maalikunsti oma tehnilisi vahendeid. Freskot (Giotto, Masaccio, Raphael, Michelangelo) arendati laialdaselt monumentaalmaal, eriti Itaalias. Mosaiik on peaaegu täielikult kadunud, saavutades rikkalikud värviefektid, kuid vähem kohandatud mahtude ja kujundite realistlikuks renderdamiseks. Tempera tehnika, eriti vararenessansi kunstis, saavutab oma kõrgeima täiuslikkuse.

Raffaeli Vatikani freskod kuuluvad renessansikunsti suurimate loomingute hulka. Vatikani stroofides (ruumides) esinevate freskotsüklite üldine ideoloogiline programm pidi paavst Julius II plaani kohaselt ülistama katoliku kiriku ja selle pea, Rooma ülempreestri autoriteeti.

Della Senyatura jaama maalimise teema (allkirjatuba - siin pitseeriti paavsti dekreedid) - inimese vaimse tegevuse neli valdkonda. Teoloogiat esindab fresko "Vaidlus", filosoofiat - "Ateena kool", luulet - "Parnassus", õiglust - "Tarkus, mõõdukus ja tugevus".

Stroofide parimaks freskoks ja Raphaeli suurimaks teoseks üldiselt tuleks pidada Ateena koolkonda. Mineviku kuulsad filosoofid - Diogenes, Zenon, Sokrates, Pythagoras, Platon ja Aristoteles - kehastavad loomingulise loomeenergia maailma vaimse vabaduse ja universumi tundmise nimel.

Jaamamaali edasiareng, huvi vormi plastiliselt ekspressiivse modelleerimise vastu, samuti ärganud sisse. 20-30 16. sajand huvi emotsionaalselt teravdatud pintslitõmbe vastu põhjustas õlimaalitehnikate rikastumise. Erilist rolli selle kujunemisel mängisid põhjarenessansi meistrid: Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Boats, Hieronymus Bosch jne.

XVI sajandil. Tehnika õlimaal muutub domineerivaks. Selle tehnika suurimad meistrid olid Veneetsia koolkonna esindajad: Giorgione, Tizian, Veronese, Tintoretto.

Kunsti tarbijate ringi laienemine tõi eelkõige Euroopa põhjamaades kaasa gravüüri õitsengu. Puidugravüür, graveerimine metallile täiustuvad, ofort sünnib ja saavutab oma esimeste kordaminekute. Graveering ja ofort võtsid Rembrandti, Düreri, Holbeini ja Bruegheli loomingus märkimisväärse koha.

Gravüüri õitsengule omas suurt tähtsust trükikunsti avastamine ja laialdane kasutamine. Graveerimist kasutati laialdaselt trükitud raamatu kaunistamiseks ja illustreerimiseks. Mitmed kirjastajad Itaalias, Hollandis, Saksamaal ja Prantsusmaal loovad kunstiväljaandeid, mis on oma kõrgete oskuste poolest ainulaadsed. Prantsuse jurist De Tou kirjutas: "Prantsusmaa on rohkem võlgu Robert Etienne'ile, kes täiustas raamatute kirjastamist, kui suurimatele sõjaväejuhtidele, kes laiendasid tema piire."

Teemavaliku osas pöördub renessansi kujutav kunst põhimõtteliselt jätkuvalt kristlikest müütidest ja legendidest ammutatud traditsioonilistele motiividele, täiendades neid laialdaselt antiikmütoloogia ainetega.

Saksa renessansiajastu suur kunstnik Albrecht Dürer kirjutas muistsete meistrite autoriteedile viidates: „Ärge tapke kurjast üllast kunsti, mis suure töö ja usinusega leiti ja koguti. Kunst on ju suur, raske ja üllas ning me saame selle pöörata Jumala auks. Sest nii nagu nad andsid oma iidolile Apollonile kauneiima inimfiguuri proportsioonid, nii tahame ka meie Issanda Kristuse jaoks kasutada samu mõõtmeid, kõige ilusama kogu maailmas. Lisaks kinnitab Durer oma õigust kehastada Maarja kujutist kõige ilusama naise Veenuse ja Simsoni kehas Heraklese näol.

Sisuliselt tähendas see otsustavat muutust kogu vanakristlike lugude ja motiivide sisus. Inimlike loomulike tunnete ilu, reaalse elu poeesia asendas resoluutselt keskaja kujundite müstilist võõrandumist.

Märkimisväärne osa religioossetel teemadel kirjutatud teostest oli kultusliku eesmärgiga ehk mõeldud kirikutele ja katedraalidele. Kuid oma sisult olid need tööd rõhutatult realistlikud ja sisuliselt pühendatud inimese maise ilu jaatamisele.

Selline on näiteks Raphael Santi (1483-1520) Sixtuse Madonna, mis hukati Piacenza kloostri jaoks. Kaasaegsed nimetasid Madonna erakordset võlu "armuks" (graatsiaks). "Et kirjutada kaunitari," ütleb Raphael ühes oma kirjas, "peate nägema palju ilusaid naisi; aga kuna iludused on haruldased ja õige valik on raske, kasutab kunstnik "mõnda ideed", mis tema peas areneb ja mida ta püüab järgida.

Samas tekivad iseseisvate žanritena ka puhtilmalikud maalitüübid: üksik- ja grupiportreed. Hilisrenessansi ajal hakkavad kujunema maastiku ja vaikelu žanrid.

Skulptuuris, eriti mütoloogilistele, piibellikele, aga ka reaalsetele kaasaegsetele tegelastele pühendatud kujudes, kinnitatakse heroiseeritud ja monumentaalses vormis tolleaegse inimese tüüpilisi jooni ja omadusi, avaldub tema iseloomu kirglik tugevus ja energia.

Ilmekas näide on Michelangelo hiiglaslik marmorist Taaveti kuju (5,3 m). Vastupidiselt piibellikule müüdile ja väljakujunenud traditsioonile kujutas suur skulptor seda võitjat mitte poisi, vaid noormehena ja mitte pärast võitu, vaid enne lahingut. Suurtest kunstnikest koosnev erikomisjon otsustas 1504. aastal paigaldada selle kuju Firenzes Signoria palee ette sümbolina tõsiasjale, et "valitsejad peavad inimesi julgelt kaitsma ja neid õiglaselt valitsema".

Paljutõotavat mitmefiguurilist reljeefi kasutatakse laialdaselt. Selles ühendas kunstnik skulptuuri plastilise selguse ja maalikunstile iseloomuliku perspektiivselt ülesehitatud ruumi sügavuse, püüdis kujutada keerulisi sündmusi, milles osaleb suur hulk inimesi.

Silmatorkav illustratsioon on reljeef "Kentauride lahing" – üks esimesi Michelangelo skulptuurseid teoseid, mis meieni on jõudnud. Hoolimata sellest, et teose tegi seitsmeteistkümneaastane nooruk, seab see välja Michelangelo kunsti peateema – võitluse kui kangelasliku inimese, tema jõu ja ilu apoteoosi.

Kui renessansi algfaasis on kõik kunstiliigid veel tihedalt seotud kunstilise käsitööga, siis kõrgrenessansi alguseks on maalikunstnik ja skulptor käsitöölistest eraldatud. Maali- või skulptuurimeister on kunstnik, särav, andekas loovisik, kes on ülejäänud käsitööliste massist täielikult eraldatud. Edu korral on ta rikas mees, kellel on ühiskonnas silmapaistev koht. Kuid loovuse vabadus oli täis isikliku saatuse, konkurentsi ja rivaalitsemise ohtu. Kunstniku uus positsioon avalikus elus on täis ka ohtu, et "kõrge" ja "käsitöö" kunsti vahel tekib lõhe.

Palju hiljem mõjus see oht tarbekunstile eriti halvasti. Renessansiajal polnud suhe veel täielikult katkenud. Näiteks tuleb vaid meenutada hilisrenessansi skulptori Cellini imelisi ehteid, prantslase Pallici loomingut, kes ühendas oma isikus silmapaistva humanistist teadlase ja majoolikameistri.

Pole juhus, et renessansiajal õitsesid mitte ainult peaaegu kõik varem tuntud liigid tarbekunst, aga edasi arendati ka selle harusid nagu ehted, kunstklaas, fajanssmaal jne.. Renessansi tarbekunstile on iseloomulikud rõõmsameelsus ja värvide kõlalisus, vormide elegantne õilsus, sügav stiiliühtsuse tunnetamine.

Kõike eelnevat saab kokku võtta suure Hegeli sõnadega: „Teaduste elavnemist, kaunite kunstide õitsengut ja Ameerika avastamist ning teed Ida-Indiasse võib võrrelda hommikuse koidikuga, mis peale pikki torme tähistab esimest korda jälle ilusat päeva. See päev oli universaalsuse võidukäigu päev, mis lõpuks saabub pärast keskaja pikka, tagajärgederikast ja kohutavat ööd. Seda päeva iseloomustab teaduse, kunsti areng ja soov avastuste järele ... "

5. VANA VENE KUNST (IX-XVII sajand)

Vanavene kunst on kollektiivse mitmetahulise rahvatraditsiooni geeniuse looming.

N. A. Dmitrieva

Rohkem kui seitsesada aastat hõlmab iidse vene kunstikultuuri perioodi. Selle päritolu ulatub tagasi Kiievi-eelse perioodi idaslaavi hõimude ellu. Kultuurinähtuste ja -vormide mitmekesisuse kaudu on nähtavad ka ühised jooned: religiooni tugev mõju (kristlik-paganlik kaksikusk), traditsionalism ja eraldatus (lokaalsus), aga ka valdav kaanonist kinnipidamine ja anonüümsus (umbisikulisus).

Vana-Venemaa kunst hõlmab Kiievi riigi, võimsa Vladimir-Suzdali vürstiriigi, Novgorodi bojaarivabariigi ja Moskva kunsti, mis juhtis võitlust riigi ühendamise eest pärast mongoli-tatari sissetungi katsumusi.

Vana-Vene riik on meie rahvuslik uhkus, vene rahva ideaalide ilmekas kehastus. Soov vaimse puhtuse järele ja kaastundevõime, meelekindlus ja kangelaslik ulatus, armastus kodumaa vastu, töökus, tolerantsus ja vastuvõtlikkus – need rahvusliku iseloomu parimad omadused toidutasid muistse vene kunsti suurepärast loomingut.

Tõesus ja siirus, iha harmoonia ja ühtsuse järele rahvaelu, põlise looduse, erilise südamlikkuse ja siirusega, sügav tungimine inimesesse ja tema saatusesse moodustavad iidsete vene meistrite algse panuse universaalsete väärtuste varakambrisse.

Mongoli-eelne Venemaa (IX - XII sajandi algus)

Vana-Vene riigi – Kiievi-Vene – kujunemine viidi lõpule 9. sajandiks. Keskaegse Euroopa üks suurimaid riike - Venemaa - oli ajalooliselt poliitiliste, kaubanduslike ja kultuuriliste kontaktide tsoon Skandinaavia ja Bütsantsi, Lääne-Euroopa ja Araabia Ida vahel ning loovalt assimileeris väljastpoolt mõju, tuginedes oma ajastul väljakujunenud kultuurile. paganlusest.

Tundmatu vene autor raamatus "The Lay on Idols" (XII sajand) tõi välja kolm slaavi paganluse arenguetappi. Alguses tõid slaavlased ohverdusi kummitustele ja rannikutele, kurjadele ja headele vaimudele, kes kontrollisid elemente. Teises etapis kummardasid nad universumi kõige iidsemat põllumajandusjumalat Rod ja sünnitusel olevaid naisi, heaolu ja viljakuse jumalusi. Perekonna ja sünnitavate naiste püha on lõikuspüha. Rod andis elu kõigile elusolenditele ja temast sai juurmõistete allikas: inimesed, loodus, sugulased, kodumaa ... Kolmandal etapil tekkis vürstliku sõjajumala Peruni riiklik kultus, keda varem austati kui jumalat. äikesetormid, arenesid ja Rodist sai pere, kodu patroon.

Peruni-eelse aja olulisemate jumaluste hulgas on Svarog (taeva ja taevase tule jumal), tema pojad Svarozhich (maise tule jumal) ja Dazhdbog (päikese ja valguse jumal, kõigi õnnistuste andja) , päikesejumalate (päikese) hulgas on Kolyada, Kupalo, Yarilo , hiljem - Khors. Stribogi austati õhuelementide jumalana ning Veles (Volos) oli kariloomade ja rikkuse patroon. Velesi kultus oli laialt levinud kõigis slaavi maades, tema nimele vandus kogu Venemaa. Rühmakeskkonnas peeti Velesi kunsti – muusika ja laulude patrooniks; mitte ilmaasjata kutsutakse "Igori kampaanias" legendaarset lauljat Boyani Velese lapselapseks.

Templid, trebishche, templid olid kummardamise kohad, kus maagid (preestrid) palvetasid, viisid läbi rituaale ja ohverdasid jumalatele.

Meie esivanemate vaimsed püüdlused ilmnesid kõige selgemalt looduskultuses, sügavalt poeetiliselt ja arenenult. Iidse slaavlase elu allus kalender-põllumajandusringile ja sellega kaasnesid pidulikud pidustused. Slaavlased alustasid uut aastat märtsis, mil legendi järgi asusid säravad jumalad oma õnnistatud kuningriiki looma, loodi maailm ja esimene inimene. Maslenitsa ja kevad-, semiku- ehk merineitsinädala, Ivan Kupala suvepüha, talvise Koljada jt kutsumisega kaasnesid rituaalsed mängud koorilaulude ja tantsudega. Just folklooris ning dekoratiiv- ja tarberahvakunstis säilis kõige enam iidsete slaavlaste kunstikultuur, mis toitis sajandeid nii muusikakultuuri kui ka vene kirjandust. On ju nii muinasjuttude kui ka eepose sünd seotud paganliku minevikuga.

Slaavi hõimude kunstikultuur, aga ka iidne ja sküütide Musta mere piirkond aitas kaasa keskaegse Venemaa originaalkultuuri loomisele. Teisest küljest kujunes see Bütsantsi mudeli kristliku kultuuri loomingulise tajumise protsessis.

Üleminek paganlikust polüteismist (polüteismist) oma ürgse võrdsusega kristliku religiooni monoteismile (monoteismile), mis pühitses tsentraliseeritud võimu ja ülalt pealesurutud sotsiaalset ebavõrdsust, kestis sajandeid. Kristlust Venemaal kinnitati mõnikord jõuga, kuid sagedamini kohandati seda paganliku maailmavaatega.

Kroonika järgi tegi Kiievi vürst Vladimir Svjatoslavitš 980. aastal, olles näinud “paganluse pettekujutlusi”, Venemaa teise, otsustava (pärast ristiusu vastuvõtmist Kiievi vürstide Askoldi ja Diri poolt 860ndatel) Venemaa ristimise. Usu valik oli legendi järgi esteetilist laadi: Vladimiri suursaadikud olid šokeeritud Bütsantsi jumalateenistuse ilust, suursugususest ja suurejoonelisusest.

Kristluse omaksvõtmisega algas ametliku, riikliku kultuuri kujunemine ja selle kompleksne koosmõju rahvakultuuriga.

Õigeusu omaksvõtmine, mis võimaldas jumalateenistusi pidada rahvuskeeltes, aitas kaasa nii kirja levikule kui ka vanavene kirjanduse kujunemisele, seda toitis nii suuline rahvakunst kui ka Kreeka, Egiptuse, Juudamaa ja Süüria tõlkekirjandus. Kirjandusžanridest kroonikad (Kiievi koobaste munk Nestori “Möödunud aastate lugu”), pühakute elud (Nestori “Petšerski püha Theodosiose elu”), õpetused (Vladimir Monomakh) ja "Kõndimine" (abt Daniel Palestiina palverännakust) paistab kirjandusžanridest silma. Kiievi-Vene kirjandusmälestisi on säilinud vähe, kuid need annavad tunnistust kodakondsusest, patriotismist, tõeliste ajalooliste isikute ja sündmuste piltide õilsusest.

Üldiselt iseloomustab varakeskaja, mongolieelse perioodi kunsti selline eripära nagu vormide monumentaalsus. Arhitektuur võtab erilise koha. Bütsantsi ristkupliga templi vormi valdades kasutasid vene meistrid ka puitarhitektuuri traditsiooni - palju kupleid.

Esimene teadaolev Kiievi-Vene kivitempel, mida annaalides mainitakse, on Jumalaema Uinumise tempel ehk Kümnise kirik, tohutu 25-kupliline kuue sambaga ehitis. Selle ümber asusid vürstipalee, maleva ja linnaaadli häärberid. Sissetungi käigus kirik hävis.

Kõige kuulsam monument on Sofia Kiievis. See Jaroslav Targa ajal ehitatud peakatedraal on viielööviline, viie apsiidi ja 13 kupliga kirik. Interjöör on rikkalik ja maaliline. Sofia katedraalid Novgorodis ja Polotskis ehitati Kiievi Püha Sofia eeskujul. Kuigi kiviehitust teostati Venemaal X-XI sajandil. peamiselt Bütsantsi arhitektide poolt, erinesid need hooned Bütsantsi omadest kupliliste, püramiidsete ja uute ehitusmaterjalide poolest.

Kiievi-Vene maalikunsti esindavad ka monumentaalsed vormid - mosaiigid ja freskod. Vene meistrid võtsid bütsantslastelt üle templite maalimise süsteemi, tutvustades rahvuslikke jooni. Pildikaanon on "evangeelium kirjaoskamatutele". Mosaiigid katsid keskkupli, kuplialuse ruumi (keskkuplis Kristus Pantokraator ja altariapsiis Jumalaema Oranta). Ülejäänud tempel on kaunistatud freskodega (stseenid Kristuse, Jumalaema, jutlustajate, märtrite jne elust). Ilmalikud freskod on ainulaadsed. Näiteks kaks grupiportreed Jaroslav Targast koos perega, pättide, muusikute jne figuurid.

XI sajandil. ikonograafia kogeb oma esimest õitsengut. Seda tüüpi molbertimaali töid loodi palju. Säilinud on kuulsa ikoonimaalija Koobaste Alympiuse nimi, tema arvele peetakse Jaroslavli Oranta ehk Suure Panagia ikooni loomist. Ikoone austati nähtamatu maailma nähtava sümbolina. Legendi järgi ilmusid kõige iidsemad ikoonid imekombel (“Päästja pole kätega tehtud”) või maalitud loodusest (evangelist Luuka teos).

Kirik nõudis ikoonimaalimise kaanoni järgimist. Kirjutamise kokkulepped: lamedus, kujundite pikenemine, vastupidine perspektiiv ja ajatus, kuldne taust kui jumaliku valguse sümbol – rõhutasid kujutiste ülevat vaimsust. Teoloogia piltides, värvides, žestides, pealdistes ja tekstides – selline on ikooni eesmärk. Ikonograafilise kaanoni järgimiseks kasutasid meistrid ikoonimaalimise originaale, aga ka selgitavaid (süžee sõnaline kirjeldus) ja näojoonistusi.

Mongolieelse Venemaa kultuuri õitseaeg (XII - XIII sajandi algus)

Pärast Kiievi riigi kokkuvarisemist tekkis rida iseseisvaid vürstiriike – Vladimir-Suzdal, Novgorodi vabariik jne; ühtne ajaloo- ja kultuuriprotsess jagunes mitmeks vooluks, kuid säilis Venemaa esialgne vaimne ühtsus.

Sel ajal sündisid suured "Igori kampaania" ja "Teritaja Daniil palve". Arhitektuuri iseloomustab kivihoonete mahu vähenemine ja konfiguratsiooni lihtsustamine. Novgorod arendas välja oma kirikutüübi. Kiievi peen luksus oli kaubanduslinnale võõras. Väike kuubik, ühe kupliga kirik ühe või. kolm apsiidi ilma nikerdatud kaunistusteta, kuna kohalikku kivi oli raske raiuda (Nereditsa Päästja kirik).

Vladimir-Suzdali vürstiriigis oli kiviehitus eriti aktiivne Andrei Bogoljubski juhtimisel. Taevaminemise katedraal on kuulus - majesteetlik viiekupliline tempel, mida kaunistab nikerdatud kaarvöö - Jumalaema maja. Ja Nerli ühinemiskohas Klyazmasse tõusis kõrgele tehismäele maailmaarhitektuuri monument, eestpalvekirik. Selle jumalaema tsükli uuele pühale pühendatud templi ehitas legendi järgi prints Andrei Bogolyubsky, leinas oma poja Izyaslavi surma pärast. Ühekupliline eestpalvekirik rabab proportsioonide ja poeetilise kujundi harmooniaga, taevasse pürgimisega.

Kiievi riigi allakäiguga jäi minevikku ka kallis mosaiigikunst ehk "särav" maalikunst.

Sel ajal ilmus Venemaal Bütsantsist pärit ikoon “Jumala Jumalaema”, mida kutsuti “Jumalaemaks Vladimir” (TG), just tema jaoks ehitati Vladimirisse Taevaminemise katedraal. Ikooni dramaatiline saatus ning hämmastav ilu ja läbitungimine tegid sellest ühe tuntuima Venemaal.

Selle perioodi Novgorodi koolkonda saab kujutada Bütsantsi-Kiievi traditsiooni ikoonidega. See on "Päästja, mida pole kätega tehtud" (TG). Just seda triumfeeriva Kristuse kujutist kujutati Venemaa sõjalistel plakatitel. Ikoon "Ustyugi kuulutus" (RM) on monumentaalne. Laialt on tuntud ka ikoon “Kuldsete juustega ingel” (RM). Kujutiste tõsidus ja efektsus, kontrastsete värvide kombinatsioon, vormide suurendamine on Novgorodi koolkonna tunnused.

Kõrgeimal tasemel katkestas muistse vene kultuuri arengu mongoli-tatari sissetung.

XIII-XV sajandi teise poole vene kultuur.

Kui aeg 1240. aastast kuni XIV sajandi keskpaigani. mida iseloomustas märgatav allakäik kõigis kultuurivaldkondades seoses lääne feodaalide (saksa, tveri, taani, ungari, leedu ja poola) pealetungiga ja pealetungiga, siis periood alates XIV sajandi 2. poolest. kuni 15. sajandi lõpuni. esindab rahvusliku eneseteadvuse tõusu, soovi ühendada vene maid eesotsas Moskvaga. Bütsantsi lüüasaamine ja Türgi võimu kehtestamine Balkanil tugevdas Moskva Venemaa tähtsust õigeusu keskusena.

Võitlus mongoli-tatarlaste vastu sai eeposte folkloori põhiteemaks ja ajaloolise laulu uueks žanriks (näiteks Avdotja-Rjazanotška kohta, kes juhtis uue Rjazani ehitamist). Kirjanduse juhtivaks žanriks on sõjajutt ("Lugu Vene maa hävitamisest", "Batu lugu Rjazani hävitamisest"), hiljem ilmuvad ajaloolised teosed tatarlaste üle saavutatud võidust ("The Legend Mamajevi lahingust”, annalistlik lugu Kulikovo lahingust, “Zadonštšina”, mis on lähedane "Igori kampaania jutule").

Novgorodi arhitektuuri iseseisev areng viis lihtsa ja struktuurselt selge, klassikalise rikkaliku välisviimistlusega ühekuplilise kiriku tüübi loomiseni (Fjodor Stratilati kirik, Päästja Muutmine Iljinis), millel puudub analoog teiste riikide arhitektuur.

Pihkvas arenes välja peamiselt kaitsearhitektuur. Izborski kindlus on üks Vana-Venemaa suurimaid ehitisi. 15. sajand - Pihkva arhitektuuri kiire arengu aeg, püstitati 22 kirikut.

"Kulikovi-järgsel" perioodil omandas kiviehitus ka Moskva vürstiriigis suure ulatuse. Kirikud ehitati Moskvas, Kolomnas, Zvenigorodis, Mošaiskis, Dmitrovis. Moskva varane arhitektuur lõi kõrgele soklile uut tüüpi ühekuplilise tornitaolise ehitusega templi, mille keerukat ülaosa kroonisid keelelised zakomarad ja kokošnikud. kuppel kõrgel trummel ja treppide süsteem perspektiivportaalidesse (Troitski katedraal Kolmainu-Sergiuse kloostrisse, Spasski katedraal Spaso-Andronnikovi kloostrisse Moskvas).

Venemaa pikk isolatsioon Bütsantsist ja Vene maade lahknevus ajendas selle moodustamist XIII sajandil. Novgorodi ja Rostovi maalikoolkonnad ning 15. saj. - Tver, Pihkva, Moskva ja Vologda. Kõige enam on säilinud Novgorodi mälestusmärgid. Omamoodi “mäss” Bütsantsi traditsiooni vastu oli punase seljaga ikoonid (“Redeli pühad Johannes, George ja Blasius”, Vene muuseum). Tseremoniaalsest kunstist on neil erksad värvid, ornament, graafiline vormikonstruktsioon ("Nikola Lipensky", Novgorodi muuseum).

XV sajandil. õitseb Novgorodi monumentaalne freskomaal. Suur Bütsantsi kreeklane Theophanes avaldas talle suurt mõju. 1378. aastal maalis ta Iljinile Päästja kiriku.

Kuplis - Kristus Pantokraator (Kõikvõimas) ja trumlis - prohvetid, apsidis - osadus (euharistia) ja pühakud. F. Greki maaliline maneeri on valatud jõu ja julgusega: laiad pintslitõmbed, enesekindlalt paigutatud esiletõstmised (jumaliku energia märkidena), punakaspruuni ja kollase ookri domineerimine - kõik väljendusrikkad vahendid on suunatud kirglik vaimne põlemine.

Algsete ikoonide hulgas on Novgorodi "Isamaa", mis tõlgendab kolmainsust mitte kolme ingli kujul. Jumal isa on hallipäine vanamees troonil, jumal poeg on poiss, Püha Vaim on tuvi . Sellist spetsiifilist vormi oli vaja selleks, et võidelda ketserluse vastu, mis lükkas tagasi Püha Kolmainsuse dogma. XV sajandil. ilmub uut tüüpi kahe- või kolmeosaline ikoon, mida tajutakse ajaloolise pildina (“Ime Pühima Theotokose märgi ikoonilt” või “Novgorodlaste lahing suzdallastega”).

Moskva maalikunsti ulatus ja hargnemine XIV-XV sajandil. ei teadnud võrdset. F. Greki Moskvasse kolimise ajaks oli siin välja kujunenud omapärane kunstitraditsioon. Moskva meistrid õpivad Feofanilt, kuid ei jäljenda teda. Kreeka meistri juhatusel maaliti Neitsi Taevaminemise kirik, Arhangelski ja Moskva Kremli Kuulutamise katedraal. Theophani ringi säilinud ikoonidest on parim Kolomna Taevaminemise katedraalist pärit "Doni Jumalaema", mille tagaküljel on "Neitsi taevaminemine" (TG).

Kreeklane Feofan ja Vana-Venemaa suurim kunstnik Andrei Rublev kohtusid Kremli Kuulutamise katedraali ikonostaasi loomisel. Kõrge ikonostaas on vene rahvuslik nähtus, selle kujunemisel mängisid suurt rolli need silmapaistvad ikoonimaalijad.

Jumalaga ühtsuse täius palves - seda ideed koorihelis kehastab ikonostaasi kompositsioon, mis on samuti joodetud ühise rütmi ja värvisüsteemi kunstiliste vahenditega. Ikoonide read (järgud) korreleerusid templi arhitektuuri ja seinte maaliga. Viieastmelist ikonostaasi loetakse "kronoloogiliselt": peal - Vana Testamendi kiriku esiisade rida Aadamast Mooseseks, mille keskel on Uue Testamendi Kolmainsus; allpool - prohvetlik rida ja Jumalaema koos lapsega kesksel ikoonil; jätkata sündmuste pidulikku riitust Kristuse ja Jumalaema elust tema sünnist kuni uinumiseni; seejärel deesise rida ikoone, mis palvetavad Päästja poole (keskel) halastust; allpool oli kohalik auaste – hulk ikoone, mida selles piirkonnas eriti austati, ja templiikoon (kuninglikest ustest paremal).

Kreeklane Theophanes maalis Kuulutamise katedraalis 7 deesise ikooni ja 7 pühade ikooni maalis ilmselt Andrei Rubljov. Selle hiilgava ikoonimaalija kohta on vähe teada. Vladimiri Taevaminemise katedraalis osales ta 61 ikoonist monumentaalse 6 m kõrguse ikonostaasi loomisel, mis kuulub oma parimate ikoonide hulka "Vladimir Jumalaema". Zvenigorodi auaste säilis imekombel: “Peaingel Miikael”, “Apostel Paulus”, “Päästja” - särav pilt Kristusest - tõe õpetajast.

A. Rubljovi kõige täiuslikum looming on "Kolmainsus", mis on kirjutatud vaimuliku õpetaja Sergiuse Radoneži kiituseks Kolmainu-Sergiuse kloostri Kolmainsuse katedraalile. Ikooni sisu ei piirdu teoloogiliste ideedega osaduse sakramendi ja jumaluse kolmainsuse kohta, see kannab ka majesteetlikku ideed katoliiklusest, inimeste vaimsest ühtsusest kui inimkonna tõelise vabaduse tingimusest.

XV-XVI sajandi lõpu vene kultuur.

Pärast kaks ja pool sajandit kestnud peaaegu täielikku isolatsiooni puutus noore Vene riigi kultuur kokku lääne renessansikultuuriga, tugevdades oma positsiooni Euroopa riikide seas.

Koos ajaloolise lauluga ilmub rahvaballaad ("Ivan Julma viha oma poja peale", "Pihkva kaitse"). Areneb ilmalik ajakirjandus ja ajalookirjandus, mis on läbi imbunud autokraatia ja selle liidu kirikuga tugevdamise ideest. Ilmub ka uus tegevusrohke loo žanr, mille kangelane on aktiivne kauplemisrahvas.

Moskva edasitungimisega kaasnes ehituse ulatus. Koos kõige osavamate käsitöölistega üle kogu Venemaa töötasid ka Euroopa parimad arhitektid, luues ühise vene arhitektuuristiili. Kremlis püstitati uued Ivan Kalita aegsete vanade kirikute kohale. Esimesena ehitati taevaminemise katedraal (Itaalia arhitekt Aristoteles Fioravanti) – majesteetlik ristkupliga viiekupliline tempel, millel on ühtne siseruum. Suurvürstide kodukiriku, kuulutamise katedraali ehitasid Pihkva meistrid. Traditsiooniliste pühakukujutiste hulgas on suurte Vene vürstide ja Bütsantsi keisrite tinglikud portreed. Peaingli katedraal (Itaalia arhitekt Aleviz Novy) ühendas 15. sajandi Itaalia paleearhitektuuri traditsioonilised elemendid ja tunnused. (zakomaras kestad, ornamenteeritud portaalid, ümarad Veneetsia aknad). Sellesse katedraali – osariigi nekropoli – maeti suured printsid ja kuningad. Katedraali väljaku ansambli lõpetab Faseted Chamber (Marco Ruffo, Pietro Antonio Solari), millel oli 500-meetrine ruudukujuline saal, mis oli kaetud nelja ristvõlviga, mille keskel on võimas tugisammas.

XVI sajandi alguses. kiviarhitektuuris ilmub uut tüüpi telktempel, mis taaselustab vene puitarhitektuuri traditsiooni. Kuulsad on kaks Ivan Julma nimega seotud kirikut. Kolomenskoje taevaminemise kirik püstitati väikese Ivan IV (tulevane kohutav) - troonipärija - sünni auks; kirik-monument kodumaa auks. Püha Vassili katedraal oli ka üks telktempli variant

(Protection on the Moat) - mälestustempel Kaasani khaaniriigi vallutamise mälestuseks, mille ehitasid arhitektid Barma ja Postnik Kremli müüride alla. Keskmise puusa "samba" ümber on kaheksa väiksemat, mida kroonivad veidrad kuplid - mitmerahvuseline muinasjutuline kiviluuletus. See oli vene rahva arhitektuurigeeniuse tõus. 1551. aasta Stoglavy katedraal keelas telgihoonete ehitamise, kuna see oli vastuolus Bütsantsi kavanditega.

XV sajandi teise poole maalikunstnike seas. Dionysios paistab silma. Ta jätkab "Rublev" suunda ja taandub sellest. Ilmselt õilsa päritoluga võhik Dionysios juhtis suurt artelli, mis täitis vürsti-, kloostri- ja suurlinnade korraldusi. Tuntud on tema ikoonid "Päästja jõus" ja "Ristilöömine" (TG) ning hagiograafilised ikoonid - metropoliitidest Peetrusest ja Aleksiust. Dionysiuse tähelepanuväärseimad mälestusmärgid on Vologda oblastis asuva Ferapontovi kloostri Sündimise katedraali freskod, mida ühendab hele taevasinine toon - värvides juubeldav doksoloogia. Rubljovi sügavuse ja lihtsuse koha hõivab Dionisy pidulik pidulikkus, tasakaalustatud ja dekoratiivne. Pärast Dionysiust vaibub Vana-Venemaa eepiline laul järk-järgult. Stoglavy katedraali määrustega saab kunstist kiriku käes instrument ja temast endast despootliku autokraatia instrument. Kiriku järelevalve tingimustes hääbus tõeline looming, domineeris mall ja käsitöö.

Kunsti abil püüdis riik ülistada ametlikke poliitilisi ideid ajaloolise ja allegoorilise žanri ikonograafias Ivan Julma piduliku naasmise kohta vallutatud Kaasanist - "Õnnistatud on taevase kuninga armee". Idee "Moskva - kolmas Rooma" kehastati Novodevitši kloostri maalidel.

See oli 16. sajandil. kujunes suurvene rahva kultuur ja algab vene rahva kultuurilugu selle sõna õiges tähenduses ning muistse vene kunstikultuuri areng jõuab lõppfaasi.

6. VANA-ROOMA KUNSTIKULTUUR

Sajandeid ja hõimud, rahustades vaidlust, ... Andes kõigile osa universaalsest pidusöögist. Rooma sirutas oma tiivad maa kohale. Kõik tõed, mis päevavalgele tulid, Võitude mürina all, Rooma õiguste varjus, sulasid võimsalt uueks sulamiks. -... Rooma täitis isanda töö lõpuni, See sai teoks, kui barbarite hulga karjete ja karjete all Impeerium langes.

V. Brjusov. "Mõttevalgus"

Rooma kasvas vabaduse tõttu, kuid orjus hävitas selle.

A. Puškin. "Licinia"

Rooma tsivilisatsioonist sai antiikkultuuri kõrgeima õitsengu ajastu ja samal ajal ka selle viimane lehekülg. Rooma riik läks maakogukonnast jõeni. Tiber maailmavõimule. "Igavene linn" laiendas oma võimu Briti saartelt Põhja-Aafrika kallastele, Heraklese sammastest (Gibraltar) kuni Aasia sügavate piirkondadeni.

Rooma kultuur (VIII sajand eKr – V sajand pKr) oli kreeka omast palju keerulisem nähtus. Selle kujunemises osalesid paljud Rooma võimule allunud hõimud ja rahvad – Itaalia, Kreeka piirkondade, hellenistlike riikide (Egiptus, Pergamon jt) elanikkond. Moodustus Kreeka ja Rooma kultuuride süntees – hilisantiikkreeka-rooma kultuur (I-V sajand pKr). Just tema moodustas Bütsantsi, Lääne-Euroopa ja paljude slaavi riikide keskaegse tsivilisatsiooni aluse.

Juba sõna "Rooma" on muutunud ülevuse, hiilguse ja sõjalise võimekuse, rikkuse ja kõrgkultuuri sünonüümiks. "Kõik teed viivad Rooma," oli kuulus ütlus maailma pealinna kohta. Ja teade "Igavese linna" langemisest (476 pKr) oli nagu äikeseplagin, mis tabas kaasaegseid.

Roomas on alati domineerinud idee Rooma rahva erilisest Jumala poolt valitud rahvast ja neile määratud võitude saatus. Patriotism, valmisolek ohverdada oma elu isamaa eest, austus ja armastus kangelasliku mineviku, esivanemate traditsioonide vastu – see oli Rooma ideoloogia aluseks.

Poliitikat, sõda, põllumajandust ja seadusandlust tunnistati ainsteks tegudeks, mis on roomlase, eriti õilsa patriitsi väärilised. Avalik haldus ja õigus, teedeehitus ja sõjakunst saavutasid roomlaste seas täiuslikkuse, kirjandus ja kunst juurdusid edukalt Kreeka tüvele. Skulptori tööd peeti aga käsitööks, millest annab tunnistust eelkõige Rooma skulptuuriportree anonüümsus.

Roomlased tõid iidsesse humanismi analüütilise maailmavaate jooned: karm proosa, täpsus ja mõtlemise historitsism moodustasid aluse kultuurile, mis oli kaugel kreeklaste ülevast poeetilisest müüdiloomest. Praktilisus läbib kõiki Rooma kultuuri valdkondi.

Kui kreeka rahva geenius on kunstigeenius, siis rooma geenius on poliitiline, püüdes pidevalt laiendada oma mõjusfääri ja riiklikke huve. Rooma välisajalugu on pidevate sõdade ajalugu. Sisemine lugu on hektiline ja verine. Võitlus plebeide ja patriitside, erakondade, aristokraatlike perekondade vahel ei raugenud.

Kogu kirjutatud ajalugu, legendid ja religioon, mitmesugused kunstiliigid pidid kinnitama ideed roomlaste sõjalisest jõust, mis oli väidetavalt algusest peale ette määratud, igavene ja kõigutamatu.

Religioonil oli eriline mõju Rooma kunstikultuuri arengule.

“Kreeka, vangi võetud, köitis metsikud vallutajad” – see Rooma poeedi Horatiuse fraas räägib ka roomlaste kreeka jumalate panteoni laenamisest.

Just kreeklastelt võtsid roomlased üle tava püstitada jumalate kujusid ja kummardada neid templites. Kreeka Zeusi samastati Rooma Jupiteriga, tema naist Herat Junoga, Aida Pluutoga, Arest Marsiga, Aphroditet Veenusega, Artemist Dianaga, Athenat Minervaga, Hephaistost Vulcaniga, Hermest Merkuuriga, Poseidonit Neptuuniga, Dionysost Bacchusega, jne d.

Just kreeka skulptuuril või õigemini selle kopeerimisel Rooma meistrite poolt oli Octavianus Augustuse ajast pärit keisrikultuse kujunemisel ja levikul eriline roll. Rooma mütoloogia ja religiooni keskmes on aga "rooma müüt", mis kujunes välja võidukate Puunia sõdade eelõhtul Kartaagoga ja pärast neid. Vaatamata Rooma tohutule sõjalisele üleolekule, riigid, kus on rohkem iidne kultuur Roomlasi peeti "barbariteks". On vaja õigustada "õigustatud" kohta "suurriikide" hulgas. Siit ka kirg kreeka kultuuri vastu, soov siduda roomlaste ja kaldkirja päritolu kreeklaste ja troojalastega. "Esivanemate" kangelastegudest räägiti palju: Trooja alt põgenenud kangelasest Aeneasest, armastusjumalanna Veenuse pojast, tema järglastest Romulust ja Remusest, keda toidab emahunt jne.

Vana traditsioon omistab Rooma rajamise, mis leidis aset aastal 753 eKr. nt legendaarne Romulus, kui Remus hüppas üle uue linna piire tähistanud vao ja tappis tüli käigus oma venna poolt. Romulust sai esimene Rooma kuningas ja uus linn nimetati tema järgi.

Keisriliku keisrikultuse levikuga määras senat keisri juba tema eluajal jumalate hulka, rajades talle templeid. Valitseja isiksus sümboliseeris Rooma võimu. Tema kultus ühines jumalanna Roma kultusega, kes hoolitses igavese linna eest.

Vallutatud Etruria ja Kreeka andsid Roomale saavutusi arhitektuuris, mida Rooma arhitektuur kehastas enneolematu mastaabiga linnaplaneerimisega kooskõlas strateegiliste plaanide ja keiserlike ambitsioonidega. Rooma arhitektuur on suurejooneline, majesteetlik, pompoosne ja spetsiifilise ajaloolise sisuga, samuti kõrge praktilise otstarbekuse, ehitusviiside ja kujunduslahenduste uudsusega. Rooma saavutused hõlmavad betooni leiutamist, kaare laialdast kasutamist ja sfäärilise kupli ehitamist.

Rooma ühiskonna vajadused tõid kaasa uut tüüpi ehitised: amfiteatrid gladiaatorite mängudeks ja loomade peibutamiseks, terminid - suurejoonelised Rooma vannid, triumfikaared ja -sambad, keiserlikud foorumid ja pühamud (Baalbek) jne Paleed, häärberid, villad, teatrid, templid, sillad, hauamonumendid jne said uue arhitektuurse lahenduse Rooma pinnal. Rooma arhitektuuri aluseks olev ratsionalism avaldus ruumilises ulatuses, hiiglaslike arhitektuurikomplekside terviklikkuses ja geomeetriliste kujundite ranges sümmeetrias.

Rooma veetorud-akveduktid on maailmakuulsad, esimene sillutatud tee - Appian - "teede kuninganna", ehitatud üle 100 aasta, aastast 312 eKr. e., ja nime saanud 7. sajandil. üks maailma imedest.

Säilinud on keisrite Tiituse (tema poolt Jeruusalemma vallutamise auks) ja Constantinus Suure mälestuskaared. Omapärane monument oli ka keiser Traianuse 30-meetrine sammas tema templi ees, mida kaunistas 200-meetrine lintreljeef.

Kahtlemata on Vana-Rooma kõige grandioossemad monumendid Colosseum ja Pantheon.

Kõige hiiglaslikum suurejooneline hoone Vana-Rooma- Flaviuse amfiteater (75-82 pKr) - selle kivist kaussi mahutas umbes 50 tuhat pealtvaatajat.

Colosseumi nimi tuleneb selle kõrval seisvast kolossist – Nero kujust, mis hiljem muudeti Heliose kujuks. Võimsa elastse ovaaliga Colosseumi välimus on täis karmi energiat. Seda tunnet ei loo mitte ainult hoone mastaap (kõrgus umbes 50 m, läbimõõt 156 m ja 188 m), vaid ka lihtsate kaarrütmide pühalik jõud. Neli tasandit on kaunistatud kolme järgu elementidega: alt - Toscana (laenatud uetruskide poolt), ülal - joonia poolsammastega, kolmas tasand ja neljas (ülaosas võimas kivivöö) korintose stiilis; amfiteatri kaarekujulist kompositsiooni täiendav kivisõrmus loob vaoshoitud jõu tunde. Isegi varemetes, ilma seda kunagi kaunistanud kujudeta, hingab Colosseum hävimatut jõudu.

Panteon (118-125) konkureerib planeeringu suursugususe ja ruumilahenduse laiuse poolest Colosseumiga - "kõigi jumalate tempel", mille ehitas kreeka arhitekt Apollodorus Damaskusest keiser Hadrianuse ajal ja pühitses. Rooma peamistele jumalatele.

Sees istusid seitsmes nišis Jupiter, Marss, Veenus, Roma ja teised jumalused. Pantheon on monumentaalne siledate seintega rotund, mida kroonib poolkerakujuline kuppel; templi sissepääsu kaunistab kuueteistkümnest sambast koosnev lai portikus: liit (sega) järjekord. Templi välisilme mõningase raskuse ja massiivsuse lunastab enneolematult suur majesteetlik sfääriline ruum, mis on valgusega üle ujutatud ümmargusest üheksameetrisest august, hüüdnimega "Panteoni silm" (ümmarguse templi läbimõõt ja kõrgus). veidi üle 40 meetri). Pantheoni interjöör kutsub esile rahu ja majesteetliku üleva harmoonia tunde. Kuni XIX sajandi lõpuni. selle kuppel jäi maailma suurimaks. Keskajal muudeti Panteon kristlikuks kirikuks ja 1520. aastal maeti sinna suur Rafael. See majesteetlik ehitis, nagu osake universumist, iidne kosmos, oli viimane arhitektuuri meistriteos impeeriumi õitseajal ja Rooma arhitektuuri tipp.

Maailma tähtsust ja väärtust omavate nähtuste hulka kuulub ka Rooma skulptuurportree – Vana-Rooma ajalugu nägudes, ajalooline "dokument" suure impeeriumi enneolematust tõusust ja traagilisest surmast. Rooma portree tekkimist seostatakse vallutatud etruskide matusekultuse, Kreeka hellenistliku skulptuuriga, aga ka Rooma esivanemate kultusega: kombeks on surnult eemaldada vahamask ja säilitada pereliikmete skulptuurseid portreesid. . Sellest ka hämmastav ehtsus, isegi "naturaalsus" ja plastiliste omaduste halastamatu tõepärasus. See kehtib eriti ulatusliku Rooma keisrite galerii kohta.

Varase impeeriumi ajastul õppis Rooma kunst, täites ametlikku käsku keisri isiksust ülendada ja jumalikustada, võimudele meelitama.

Augustuse skulptuuriportreed on säilinud vabariikliku komandöri kujutiseni (Prima Portast), heroiseeritud kreeka klassikute traditsioonide järgi kuju, Augustuse, kes sooritab pidulikku ohvrirituaali üle pea visatud toogas, ning lõpuks. . Augustus Jupiteri kujul (troonil istuva Phidian Olümpose Zeusi mudeli järgi). Ühel poolusel on halastamatud portreed tigedatest türannidest Nero, Caligula, Caracalla, "sõdurikeisrite" galerii ja teisel - Traianuse, Vespasianuse, Hadrianuse, Antoniuse, Piuse skulptuurikujutised, mis püüdlevad mõistliku riikliku tegevuse poole. Rooma parimate inimeste hulka kuulus ka keiser-filosoof Marcus Aurelius, kelle filosoofilistes arutlustes kadus kunagise enesekindla roomlase, maailmavalitseja rahulikkus, tuge otsiv mõte rändab palavikuliselt, meelsamini kaldudes. haledalt irooniline allumine hunnikutes jutustatud pimedale saatusele. Kuid just Marcus Aurelius, sugugi mitte kangelaskeiser, lõi esimese meieni jõudnud ratsamonumendi.

Kahtlemata on kuulus pronksist Kapitooliumi naishunt, mille on arvatavasti valanud etruski meister, Rooma skulptuuriembleem. See asetati Kapitooliumi mäele, et meenutada etruski kuningate kukutamist pärast peaaegu sajandit kestnud sõdu.

Vana-Rooma kunstikultuuri silmapaistev lehekülg on seotud "kuldse ladina keelega". Kõige viljakam "Augusti ajastu" osutus just Rooma luule jaoks. Selle õitseaeg on seotud Vergiliuse, Horatiuse ja Ovidiuse nimedega.

Virgil Maronit nimetatakse "Rooma Homeroseks" eepilise poeemi "Aeneid" loomise eest "Trooja Aenease ja tema kaaslaste rännakutest". Samas on luuletuses veel üks Rooma kangelasvaim. Keskmes "Aeneis" on tema surematuse ideaal, mis põhineb jumalikul ettehooldusel Trooja surm, Aenease ja Kartaago kuninganna Dido traagiline armastus, kangelase teekond läbi allilma, kus Aeneas avastab oma missiooni - Suure rajamise. Rooma rahva rahvuseeposes taastatakse linn ja muud sündmused. , müütiliste esivanemate ülistus, patriotism ja inimlike tunnete läbistav mõistmine.

Kui Vergilius lõi klassikalise Rooma eepose, siis Horatius (Quintus Horace Flaccus), Vergiliuse sõber ja kaasaegne, lõi klassikalise Rooma laulusõnad.

Horatius laulis ka oma esivanemate vaprusest, õhutas oma kaasaegseid olema oma isade väärilised, kuid ta tuletas kergemini meelde moraali iidset ilu, õpetas nautima tagasihoidliku õitsengu "kuldset keskteed", kirjutas armastusest, rõõmsatest pidusöökidest. sõpradega. Horatius pühendas luulele peaaegu parimad luuletused, tema "Odi" hulgast paistab silma kuulus "Monument"; Sellest oodist inspireerituna kirjutas A. S. Puškin luuletuse "Püstitasin endale mälestussamba, mis pole kätega tehtud ..."

Vergiliuse ja Horatiuse looming sillutas teed nende nooremale kaasaegsele Publius Ovid Nasole. "Hella armastuse ja kire laulja", särav poeet, Ovidius lõpetas oma elu märtrina, Octavian Augustuse poolt tollal Musta mere karmile kaldale pagendatud ja unustatud Ovidius. Ilmselt polnud keiser rahul Ovidiuse luulega, mis ei vastanud tema poliitikale.

Ovidiuse peamine poeetiline teos "Metamorfoosid" on iidsete müütide kogum ühe keha muutumisest teiseks. Nii sai nartsissist lill; ellu ärkas kaunis tüdrukukuju, mille Pygmalion tema vastu armastusega voolis ja põletas; Apolloni jälitatud nümf Daphne muutus loorberipuuks jne. Selle tulemusena sündis Kreeka ja Rooma mütoloogia kõige poeetilisematest piltidest rikkalikum kogu (üle kahesaja).

Ladina keel on surnud, kuid tänapäeva maailmakultuur on ilma selleta mõeldamatu. See, kes õpib ladina keelt, assimileerib maailma kultuuri. X sajandi alguses. eKr e. Ladina keelt rääkis ainult väikese ala elanikkond Apenniinidel, siis asendus arhailine ladina keel klassikalisega, see keel õitses Cicero ja Caesari proosas, Rooma luules. Keskajal moodustusid romaani keeled (itaalia, prantsuse, hispaania, portugali, rumeenia jne) ladina keele baasil ning ladina keelest sai katoliku kiriku ja ämblike keel. Ja kaasaegne teadus on tihedalt seotud ladina keelega; koos kreeka keelega on see allikas teadusliku terminoloogia kujundamisel.

Tiivulised ladina ütlused kaunistavad ja rikastavad kaasaegse kultuurinimese kõnet. Rooma kultuuri ja ajaloo ladinakeelse "terra incognita" ("tundmatu maa") kaudu muutub üha arusaadavam. “Urbi et orbi” (“linnale ja maailmale”) – kõigi tähelepanuks kõlas Caesari elevant: “Veni, näe, vici (“tuli, nägi, võitis”), samuti poliitikaseadus: “Jaga et impera" ("jaga ja valitse"). Rooma ühiskonna "Homo sa-iens" ("mõistlik inimene") mõistis aga, et elus on põhiline iseennast tunda ("Nosce te ipsum"), elu liigub läbi võitmise, läbi okaste tähtedeni ("Per aspera" ad astra”). Ja inimese hinges on alati lootuse säde - "kuni ma hingan, loodan" ("Dum Spira, Spera"), kuigi tean, et "maine hiilgus möödub" ("Sik Transit Gloria Mundi") , ja siis Silentium – vaikus ja vaikus.

Võib-olla vaimne testament: kreeka-rooma maailm võivad olla kreeka targa Bianti sõnad - "Ompia mea mekum porto" ("Kannan kõike endaga kaasas") - inimese tõeline rikkus tema sisemises sisus.

7. VANA-KREEKA KUNSTIKULTUUR

Iidse Hellase maal arenes inimkonna lapsepõlv ... kõige kaunimalt ja omab meie jaoks igavest võlu, nagu samm, mis kunagi ei kordu.

"Kunstikultuur Vana-Kreeka nimetatakse antiikseks (lat. keelest "iidne"). Nii hakkasid Itaalia renessansiajastu humanistid nimetama kreeka-rooma kultuuri kõige varasemaks neile teadaolevaks. Mõiste on säilinud klassikalise antiigi sünonüümina ja eraldab kreeka-rooma kultuuri muistsest idast.

Muinasmaailma ajalugu ja kultuur jaguneb tavaliselt mitmeks perioodiks.

1. Egeuse kunst (Kreeta-Mükeene kultuur) - 3-2 tuhat eKr e.

Kreeka kunst - Homerose periood - XI-VIII sajand. eKr e.; arhailine - VII-VI sajand. eKr e.; klassikaline - V-IV sajand. eKr e.; Hellenistlik - IV-I sajandi lõpp. eKr e.

Etruski kunst - VIII-II sajand. eKr e.

Rooma kunst - kuningate ajastu - VIII-VI sajand. eKr e.; vabariigid - V-I sajand. eKr e.; impeerium – 1. saj. eKr-V c. AD

Egeuse mere vesikonnas välja kujunenud Egeuse kultuur hõlmab umbes. Kreeta, Mandri-Kreeka (Mycenae ja Tiryns), Väike-Aasia rannik (Troy) ja Küklaadid.

Inglase Arthur Evansi väljakaevamised Kreetal (aastatel 1900–1941) paljastasid maailmale senitundmatu "kreeka-eelse" kultuuri, mida ta nimetas legendaarse kuninga Minose järgi minoselikuks.

Knossose pealinnaga võimas merejõud lõi originaalse paleekultuuri, milles looduslikud ja religioossed motiivid olid orgaaniliselt põimunud. Egeuse kunsti huvitavaim lehekülg on legendi järgi kuningas Minose, labürindi ja kohutava Minotaurusega seotud Knossose palee.

Ilmselt oli see palee osariigi haldus- ja usukeskus, selle peamine ait ja kaubanduse "maja". Keskset avarat sisehoovi ümbritses 300 erinevat ruumi, mis paiknesid erinevatel tasanditel ja olid omavahel ühendatud paljude treppidega, mille kõrval olid valguskaevud. Palee arhitektuurse kompositsiooni olulisimaks konstruktiivseks elemendiks olid nn irratsionaalsed puitsambad, need kitsenesid allapoole ja olid erksavärvilised (pagasiruumi puhul punane, ümmargune kapiteel must). Palee kasvas terrassitaoliseks, justkui kordades mägise maastiku piirjooni, sobitudes Kreeta maastikku.

Palee kambrite peamine kaunistus oli freskomaal, mis täitis seinu friiside või paneelide kujul. Kreeta kunstnike särav värviline palett on lähedane merelaine värvitoonidele. Maalimine (erinevalt egiptlasest) jätab mulje looja absoluutsest lõdvusest ja sisemisest vabadusest. Kuulsad on pidustustest jutustavad freskod: “Daamid sinises”, “Pariisilane”, “Kuningas-preester”, “Akrobaadid härjaga”.

Peeneid töid on loonud ka Kreeta keraamikud. Nende hulgas on Kamarese stiilis vaasid (leitud samanimelisest koopast). Näiteks kaheksajalaga vaas, kus anuma sfääriline kuju on kooskõlas merelooma kujutise looklevate joontega. Kreeta monumentaalsed monumendid pole teada. Säilinud on vaid värvilisest fajansist ja elevandiluust valmistatud väikeplastide näidised (“Madudega jumalanna”). Üldiselt jätab Kreeta kunst piduliku, värvilise, dekoratiivse ja idamaise tasapinnalise ja ornamentaalse mulje.

Kreeta tsivilisatsiooni surm on ilmselt tingitud kahest põhjusest. XV sajandi keskel. eKr e. Kreeta koges umbes tugevat maavärinat ja Santorini veealuse vulkaani purske tagajärgi. Fera. Oma osa mängis ka saare vallutamine ahhaia kreeklaste poolt. Egeuse kultuuri teatepulga võttis üle Mandri-Kreeka.

Erinevalt kreetalastest oli Mükeene tsivilisatsioon karmim ja julgem. Ta lõi monumentaalse kaitsearhitektuuri (Mükeene ja Tirynsi akropolid "tsükloopeliku" müüritisega, Mükeene suurejooneline Lõvivärav, mida kaunistas heraldiline kompositsioon kahe lõviga).

Veel 1876. aastal avastas Saksa arheoloog Heinrich Schliemann Mükeenes kivist "võllhauad", kus oli palju kullast, hõbedast ja elevandiluust valmistatud esemeid; leitud on ka suurejoonelisi "kupliga hauakambreid" ehk tholosid.

Paleearhitektuuri ilmusid uut tüüpi ruumid - megaron. Selle koosseis koos portikuse, vestibüüli ja saaliga, mille keskel oli nelja sambaga ümbritsetud kolle, aimab Kreeka templi arhitektuuri.

Mükeene riik pühiti minema - XII-XI sajandi vahetusel. eKr e. uus sissetung põhjast: dooriad marssisid tule ja mõõgaga läbi Peloponnesose ning asutasid hiljem Sparta. Dooria laine möödus aga Atika piirkonnast, kus asustasid joonia hõimud, kellel oli Hellase õitsengus eriline roll.

Kreeka kultuuri üldise allakäigu ja aeglase taastumise taustal paistavad Homerose ajastul silma kaks kunstiliiki: vaasimaal ja eepiline kirjandus. Vaasimaalimise parimad näited on suured dipüloonist vaasid (leitud Ateenast Dipüloni väravate lähedalt) - hauaamforad ja kraatrid, mis on kaunistatud geomeetrilise ornamendi lintidega, mille vahel on süžeelised skemaatilised kompositsioonid.

Peamine teadmiste allikas selle ajastu kohta on kaks Vana-Kreeka kirjanduse meistriteost - Homerose "Ilias" ja "Odüsseia". Esimene räägib ahhaia kreeklaste ja troojalastega peetud kümneaastase sõja viimase aasta sündmustest ja Trooja eelseisvast hõivamisest. Kuni XIX sajandi keskpaigani. Trojat (Ilion) peeti väljamõeldud, kuid selle olemasolu tõestas Heinrich Schliemann, olles täitnud oma elu unistuse. Teises luuletuses rulluvad lahti Ithaka saare kuninga Odysseuse eksirännakud Kreeka esimeste meremeeste fantastiliste lugude taustal tundmatute läänemerede imedest. Arvatakse, et mõlemad luuletused kasvasid välja Vana-Kreeka lauljate eepilistest lauludest (aedidest ehk rapsoodidest), neid võib ajaloolise, mütoloogilise, moraalifilosoofilise, legendaarse ja esteetilise sisu rikkuse poolest nimetada "antiikaja entsüklopeediaks".

Iliases on kolm tegelaste rühma: 1 - troojalased, eesotsas kuningas Priamosega, tema pojad - suur kangelane Hektor ja Paris (pärast seda, kui ta röövis Sparta kuninga Menelaose naise Heleni ja algab Trooja sõda), Kuninganna Hecuba ja Hektori naine - Andromache. 2 – Ahhaia kreeklased, eesotsas Agamemnoniga, suur kangelane Achilleus, kes on luuletuse alguses Agamemnoni peale vihane, keeldub troojalastega võitlemast, mis viib tema sõbra Patroklose surmani Hektori käe läbi, makstes oma sõbrale kätte. , Achilleus tapab julge troojalase, tagastades hiljem (lunaraha eest) tema surnukeha vanemale Priamosele; Matusepidu Hektorile ja luuletus sõja hukkamõistmisest ja julmast kättemaksust lõpeb ... 3 - olümpiajumalad, kes sekkuvad aktiivselt inimeste ellu.

Arhailise, kreeka filosoofia ja teaduse ajastul sündisid peamised kirjanduse, teatri, orduarhitektuuri ja arhailise skulptuuri žanrid.

Vanade kreeklaste kultuuri eripäraks oli agon - konkurents. Aastal 776 eKr. e. peeti esimesed olümpiamängud (Zeusi järgi nimetatud Olümpia piirkonnas). Viieks päevaks kuulutati välja püha rahu. "Olympic" (kolm korda võidukas) pälvis oliivioksa ja õiguse püstitada ausammas Olümpia Zeusi templi pühasse aeda. Apollo auks võistlesid sportlased Delfis Pythiani mängudel, mis oli preemiaks Loorberi pärg. Isthmi keeles - merejumal Poseidoni auks oli preemiaks männipärg. Samuti peeti kõrgeima valitseja Zeusi auks Nemeuse mänge. Sportlase kaunis keha oli stiimuliks iidse skulptuuri arenguks.

Kangelaste ajastu on Homerosega möödas. Sõnakunst pöördus üksikisiku tunnete ja läbielamiste poole – sündis lüürika (lüüra saatel luuledeklaratsioon). Kirglik arhioloog koos Fr. Paros, rõõmsameelne Anakreon, kõrgendatud Alcaeus ja peen poetess Sappho. Muistses Spartas arenesid välja koorilaulud (ditürambid jumal Dionysose auks). Suur oli poeet Pindari au.

Sel ajal lõi Kreeka oma riigisüsteemi, mis viis orjade omamise demokraatia loomiseni. Võrreldes idapoolsete despotismidega oli see progressiivne samm. Hingelt vabad kreeklased nägid ideaali enda täiustamises, nagu kohane inimesele ja polise kodanikule, vaimult vaprale ja kehalt kaunile.

Hellase kunstiline loovus kehtestas esimest korda maailma ajaloos realismi kunsti absoluutseks normiks. Mitte täpne looduse koopia, vaid iha täiesti ilusate piltide järele, millele loodus on vaid vihjanud. Kes on Olümpose jumalad (Zeus, Aphrodite, Athena), kui mitte inimesed, kes on oma inimlikus täiuslikkuses surematuse omandanud? Pärast müütide loomist hakkas kunst kujutama inimest, kellel on see vaprus ja ilu, mida ta peaks endas ilmutama.

Arhailine skulptuur arendas kahte tüüpi: need on kouros (alasti nooruki skulptuur, millel oli kultuslik tähendus Apollo kujutisena, aga ka arenenud mehekuju üldiselt) ja koor (neitside kultuskujud dekoratiivses rõivas. ja erksalt kaunistatud; hiljem said koortest arhitektuuris karüatiidid - naisekuju kujulised sambad). Laenates näidiseid Egiptusest ja Mesopotaamiast, paranes arhailine monumentaalskulptuur (kõrgusega kuni 3 m) väga kiiresti realismi, säilitades kuulsa "arhailise naeratuse" kourode ja korode näol, kui kunstniku katset spiritiseerida, valgustada endiselt staatilist. pilt seestpoolt.

Arhailise perioodi arhitektuur on valdavalt templilaadne. Järk-järgult kujunes kreeklastel välja süsteem, mis hiljem roomlaste seas sai nimejärje (order, order). Iga tempel tekitab aga unikaalsuse tunde, kuna tellimuste süsteemi rakendati loovalt, võttes arvesse loodus- ja arhitektuurikeskkonda. Arhailine moodustas Kreeka korra kaks versiooni: massiivne dooria, mis kehastas maskuliinsuse ideed, jõu ja ranguse harmooniat ning sihvakas elegantne joonia. Hiljem (5. sajandil eKr) ilmus suurepärane, suurejooneline Korintose ordu. Kõik kolm järjekorda erinesid sammaste (tugede) ja antabletuuri (lae) kaunistuste proportsioonide ja tunnuste poolest.

Sel ajal moodustati klassikaline kreeka templi tüüp - ristkülikukujuline peripter (sulgedega), mida ümbritseb igast küljest sammaskäik. Kreeka tempel toimis jumaluse kuju "elupaigana", mis paigaldati pühamusse (naos).

Nagu Hellase loodus, oli ka Kreeka kunst särav ja värviline ning säras pidulikult päikese käes. Templi arhitektuursed detailid ja skulptuuridekoratsioonid olid maalitud, kõigis linna avalikes kohtades seisnud marmorskulptuur oli samuti polükroomne ning värviliste inkrustatsioonidega pronksskulptuurid leegitsesid kuldse läikega. Nüüd on see kõik peaaegu kadunud ja pronks on kaotanud oma esialgse läike.

Värv Kreeka skulptuuris viitab selle seosele maalikunstiga ja soovile anda edasi nähtava maailma ilu. Kreeka maalikunsti särav peegeldus on vaasimaal. Amforad, kraatrid, graatsilised hüdriad, lamedad kyliksid, piklikud lekythod pole mitte ainult täiuslikud, vaid ka mütoloogiliste stseenidega harmooniliselt maalitud. Algul arenes välja mustafiguuriline maal, hiljem ilmus täiuslikum punakujuline maal.

Kreeka kultuuri kuldajale, mis tähistas "Kreeka kõrgeimat sisemist õitsengut" (K. Marx), eelnes Hellase suur katsumus pärslaste hirmuäratava sissetungiga ja Ateena hävimisega.

Kreeka võitude hiilgus Athosel, Marathonil, Salamisel ja Plataeal, aga ka Termopüülide kurul valgustas Hellase ajalugu paljudeks sajanditeks. Ateena juhtis Kreeka merendusliitu ja saavutas pärast võitu juhtiva koha kultuurilises ja majanduslikus tõusus. Ateena valitsejad (peamiselt Perikles) püüdsid muuta oma linna Kreeka maailma suurimaks kultuurikeskuseks. Ajaloolane Thucydides pani Periklese suhu sõnad: „Meie linn on kogu Hellase kool ja ma usun, et igaüks meist saab hõlpsasti näidata oma individuaalsust kõige erinevamas. elutingimused". Sport kõigile, haridussüsteem, regulaarne teatri- ja usufestivalide külastamine. Isiksuse terviklikus arengus edestasid kreeklased paljusid teisi rahvaid. Kõik see tagas Kreeka kunstikultuuri igakülgse õitsengu.

Ateenas elasid Protagoras ("Inimene on kõigi asjade mõõt") ja Anaxagoras, universaalmõtleja Demokritos ("Vaesus demokraatia ajal on sama palju parem kui õitseng kuningate ajal, nagu vabadus on parem kui orjus". Suurest Sokratest, Platoni õpetajast, sai Kreeka tarkuse kehastus.

Teadus arenes kiiresti ka Hippokratese – „meditsiini isa“ ja Herodotose – „ajaloo isa“ isikus.

Teatripuhkuse ajal (3 päeva) valisid kreeklased parima näitekirjaniku, lavastuse, näitleja ja koori (etenduse korraldaja). "Tragöödia isa" Aischylos ("Pärslased", "Aheldatud Prometheus", "Oresteia" jne), Sophokles ("Oidipus Rex", "Antigone", "Electra") ja Euripides ("Medea", "Phaedra" Komöödia õitsengut seostatakse Aristophanese loominguga, kes ammutas lugusid Ateena kaasaegsest poliitilisest elust ("Ratsumehed", "Pilved", "Konnad", "Lysistrata" jne). Teatrist on saanud tõeline elukool ja kodaniku kasvataja.

Ateena uhkuseks oli äsja ümberehitatud imeline ansambel – Ateena Akropolis. Ehitati valgest marmorist ehitised: Parthenon, Propylaea (pidulik sissepääs Akropolile), Nike Apterose tempel (tiibadeta võit), Erechtheioni tempel ja Pinakothek (maalide kogu). Akropolise planeerimist ja ehitamist juhtis Kreeka suurim skulptor Phidias. Majesteetlik arhitektuurne ansambel kehastas Ateena riigi jõudu ja esimest korda pan-Helleni ühtsuse ideed.

Parthenon – Neitsi Ateena tempel – maailmaarhitektuuri pärl (arhitektid Iktin ja Kallikrates, skulptor Phidias). See kõrgub Akropolise kohal, nii nagu Akropolis kõrgub Ateena kohal. Parthenon on ilus ja kangelaslik-monumentaalne. See on dooria periperter, millel on ioonilise korra elemente. Isegi oma lagunenud kujul jätab Akropolis kustumatu mulje.

1687. aastal lasi Veneetsia kahurikuul Parthenonis õhku vallutavate türklaste ehitatud pulbrisalve. Ja 19. sajandi alguses käskis Inglise diplomaat Lord Elgin välja murda osa kuulsast Parthenoni friisist (seina ülemise osa kaunistus) ja eemaldada frontoonidelt säilinud skulptuurid. Aja jooksul omandas need Briti valitsus ja nüüd on Parthenoni skulptuurid Londoni Briti muuseumi uhkus. Barbaarset suhtumist kunstiteostesse nimetati aga elginismiks.

Varem, arhailisel ajastul, oli kuulus ka Efesose linnas (Väike-Aasias) asuv Artemise pühamu-tempel – üks "seitsmest maailmaimest" ning hiljem, hellenismiajal - Halikarnassose mausoleum, Aleksandri tuletorn (Egiptuses), mis kuulub ka "imelise seitsme" hulka, samuti Zeusi altar Pergamonis (II sajand eKr). Kui arhailise skulptuuri autorsust ei määrata, siis klassikaline ajastu ja selle asemele tulnud hellenism säilitasid oma suurimate skulptuurimeistrite nimed.

Avab selle uhke nimekirja seitsmest suurkujust, loomulikult Phidiasest. Tema 12-meetrine Athena Parthenose kuju, mis kunagi seisis Parthenoni pühamus, on kuulus oma krüsoelefantiini tehnika (elevandiluu ja kullaga kaetud puitraam) poolest, mida austati kunsti tipuna. Paremas käes hoidis Athena Nike (Võidu) kuju (2 m) ja vasaku käega toetus ta reljeefselt kilbile, oda oli toetatud vastu õla. Kuju pole säilinud, kuid rekonstrueeriti kaasaegsete kirjelduse järgi. Sama kuulus on Phidieani Zeusi kuju ("maailma ime") Olümpia templi jaoks. Zeus istus troonil. Phidias skulptureeritud spetsiaalselt selleks otstarbeks ehitatud töökojas. Skepter, mille paremal oli kotka püha saadik, ja tiivuline Nike vasakus käes, hoidis "jumalate ja inimeste isa". Arvatakse, et kuldehted kaalusid umbes 200 kilogrammi ja vääriskivist silmad olid rusikasuurused. Kaheteistkümnemeetrine kuju seisis ligi 900 aastat ja hukkus 5. sajandil tulekahjus.

Üks esimesi skulptoreid, kellel õnnestus võimsa keha liigutusi realistlikult edasi anda, oli Miron oma kuulsa "Discobolusega". Skulptor Poliklet määras keha täiuslikud proportsioonid ja edastas need plastiliselt. Tema "Dorifor" (odakandja) loodi kaanoni järgi, mis siis domineeris enam kui sada aastat. Pronksist "Discobolus" ja "Dorifor" on meieni jõudnud marmorist Rooma eksemplarides. Asendamaks kolme Ateena meistri plastiliste kujutiste ranget majesteetlikkust 6. sajandil. tuli Scopase (“Maenad”) dramaatiline paatos ja Praxitelese kujutiste unenäoline graatsia (“Hermes koos Dionysose lapsega”, “Cniduse Aphrodite” - Cniduse saarel, kes omandas alasti jumalanna kuju, nad ütlevad, et see oli tõeline palverännak neile, kes soovivad tema ilu imetleda).

Hellenismi alguse ajastul, mil Kreeka maailm tänu Aleksander Suure vallutustele avardus ebatavaliselt ja suhtles aktiivselt idakultuuridega, astus esile Lysippos (ka tema skulptuuriportreed loonud Aleksandri õukonnaskulptor nagu kuulus Apoksüomenos, vallatu "Eros" noolte koltšaki ja vibuga üle õlgade).

Suure seitsme hulka kuulub ka kunstiline Leochar oma “Apollo Belvederega” (praegu seisab Vatikani palees marmorkoopia pronksist originaalist). Valgus- ja kunstijumala teatraalne suurejooneline poos vasak käega kõrvale pandud ja selle peale juhuslikult visatud mantel.

Kuulsate hellenistlike meistriteoste hulka kuuluvad monumentaalne Samothrace Nike (Pariis, Louvre), Laocoön poegadega (Rooma, Vatikan) ja Zeusi altari skulptuurne friis (Pergamonist, Väike-Aasiast), praegu hoitakse selle säilmeid Berliinis. Pergamoni muuseum. Ülemaailmse kuulsuse on kogunud ka Venus de Milo kuju (Pariis, Louvre).

Kreeka kunst oli lõpetamas oma ajaloolist teed. alanud uus etapp tema "eksistents" - kui kõrgeim mudel kõigile järgnevatele kunstikultuurid. Ja esimene "jünger" oli Vana-Rooma.

8. VANA EGIPTUSE KUNSTIKULTUUR

On midagi, mille ees taanduvad nii tähtkujude ükskõiksus kui ka lainete igavene sosin – mehe teod, kes võtab tema saagi surmast.

Vana-Egiptuse tekstist

Vana-Egiptuse osariik Niiluse orus lõi kõrge ja rafineeritud kultuuri. See näitas iidsete ida orjaomanike despotismide (Babülon, Sumer, Assüüria, Urartu) stiili ühiseid jooni koos nende "gigantomaaniaga", kuid Vana-Egiptuse kunst sai üle karmi raskuse ja arendas välja võrreldamatu õilsuse ja puhtusega kunstivormid.

Giza hiiglaslikud püramiidid, vaarao Khafre suur sfinks ja kuninganna Nefertiti skulptuurportree on Egiptuse maailmakuulsad kunstiembleemid, mis pärinevad iidsetest aegadest.

Pärineb IV ja III aastatuhande vahetusest eKr. Vana-Egiptuse kultuur läbis oma arengus mitu etappi, saavutades haripunkti Vana- (XXVIII-XXIII sajand eKr), Kesk- (XXI-XVIII sajand eKr) ja Uue Kuningriigi (XVI-XI sajand) ajastul. eKr).

Vana-Egiptuse kultuuri tunnusjooni seostatakse nii riikluse varase arengu, eraldatud geograafilise asendi kui ka religiooni (eriti matuserituaali) sügava ja kõikehõlmava mõjuga kõikidele kunstitegevuse valdkondadele.

Arhitektuur saab Vana-Egiptuse kunstide ansambli liidriks domineerivate religioossete ja riiklike ideede eksponendina, mis kristalliseeruvad püramiidi kujul (kreeka keeles "püha kõrgus"). Jumaliku ja maise hierarhia sümbol, kolme maailma (jumalad, inimesed ja surnud) seos – püramiid peegeldab muistsete egiptlaste meeltes kujunenud maailmapilti. Selle keskmes on jumalustatud vaarao kui jumal Horuse (Horuse) kehastus ja vahendaja maailmade vahel.

Kuna Vana Kuningriigi püramiidid (Giza ansambel) on pärit sajandite sügavusest, kuna neid ehitati sajandeid igaviku majadena, jäid need ainsaks meie kasutusse jõudnud "maailma imedest".

Neile eelnes "Püramiidide ema" – suure arhitekti Imhoteni ehitatud kuuetasandiline vaarao Josseri haud (60 m), millest sai ka piiramatu võimu sümbol.

Püramiid kuulub monumentaalsete matmiskomplekside - nekropolide - hulka, kus on surnutemplid, sfinksidega tõusuteed, kaaspüramiidid, püha paat ja võimas kindlusmüür.

Püramiidi keskne positsioon kuningliku matuse arhitektuurses kompositsioonis tuleneb muu hulgas selle päikesesümboolikast, sest päikesekultus oli religioossete ideede süsteemis kõrgeim. Egiptust kutsuti Päikese maaks ja vaaraod olid tema pojad. Nagu maapinnale langev päikesekiir, sümboliseeris püramiid ka vaarao teed taevasse. Selle kuju tähendas igavikku ja nägude suhe tähendas universumi jumalikku harmooniat.

Vaaraode Cheopsi (146,6 m), Khafre (143,5 m) ja Mykerini (66,5 m) hiiglaslikud hauad Gizas on seisnud enam kui nelikümmend sajandit, erakordsed mälestusmärgid vaaraode vääramatust tahtest, paljude aastate pikkusest raskest tööst. sadu tuhandeid talupoegi ja orje ning kõrget ehituskunsti, aga ka iidsete teadmiste keskpunkti. Püramiidid sisaldavad endiselt palju saladusi.

Kui iidse ja keskmise kuningriigi ajastul maeti õukonnaaadel kaljuhaudadesse, siis uues kuningriigis hakkasid vaaraod ehitama oma haudu Kuningate ja Kuningannade oru kaljudesse, lootes asjata end röövlite eest kaitsta. , ja püramiidid jäid matmispaikade arhitektuurseks ja sümboolseks kaunistuseks.

Vanad egiptlased pidasid templit jumala maise elukoha kohaks ja universumi eeskujuks. Templiarhitektuur õitses Uusriigi ajal.

Päikesejumala Amun-Ra templid-pühapaigad Karnakis ja Luxoris on maailmakuulsad. Kui iidne püramiid on nagu mägi, siis need templid meenutavad tihedat metsa. Templeid ühendas peaaegu kahekilomeetrine tee - Sfinksi allee, sissepääsu juures olid päikesemärgid-obeliskid. Võimsad püloonid moodustasid majesteetliku portaali, mida kaunistasid vaaraode skulptuurikolossid. Iga järgnev valitseja lisas olemasolevatele templitele uusi, mistõttu Karnaki ja Luxori kompleksid muutusid sajandite jooksul kivilinnadeks alleede ja väljakutega, sammaskäikude ja templitega. Lineaarset paigutust järgides avanes templi kompositsioon sügavale pühamusse koos jumaluse kujuga sünge hüpostiilis (sammastega) saali kaudu. Karnanis on hüpostiilil 134 sammast (nad jäljendavad Egiptuse taimevorme): papüürusekujuline, lootosekujuline, peopesakujuline kuni 23 m kõrge. Karnaki hüpostiil on iidse Egiptuse arhitektuuri üks monumentaalsemaid interjööre.

Monumentaalarhitektuuri viimast tõusu seostatakse Ramesside ajastuga – see on Ramses II enneolematu mastaabiga kaljutempel Abu Simbelis.

Hiiglaslikku pülooni kaunistavad vallutava vaarao kahekümnemeetrised kolossid. Meie sajandi 50ndatel korraldasid ÜRO ja UNESCO ainulaadse operatsiooni Abu Simbeli hirmutamiseks Aswani tammi ehitamise ajal. Tempel saeti hiiglaslikeks plokkideks ja viidi uude kohta. Vana-Egiptuse arhitektide looming päästeti.

Kunstide kultuslikus sünteesis käis arhitektuuriga kaasas skulptuur, mis oli sama kanooniline ja monumentaalne, säilitades stabiilseid kunstitraditsioone.

Ümarskulptuuri meistriteoste hulka kuulub Gizeki nekropoli valvur Suur Sfinks, looduse ja inimese looming (kuninga peaga lõvi keha kaljumassiiv). “Õuduste isa” ei kannatanud aega, teda sandistasid Napoleoni sõdurid (nina peksti ära) 19. sajandi alguses. Hiljem viisid britid kivihabeme ära. Nüüd teeb Khafre sfinks oma seisundi pärast Euroopa teadlasi tõsiselt murelikuks.

Vastavalt ümarskulptuuri kultuslikule eesmärgile olla lahkunu hinge mahutiks, valmisid imelised portreed.

Selline on skulptuurigrupp prints Rahotepist ja tema tagumikust Nofretist (Kairo, Egiptuse muuseum), kes istub troonil. Kanoonilised pole mitte ainult majesteetlikult rahulikud poosid, vaid ka mehekuju värvus punakaspruuniks, naise kuju kollaseks, juuksed on mustad ja riided valge-punased. Kirjatundja kuju kaanonit reprodutseerib kuulus Louvre'i kirjatundja Kai kujuke.

Skulptuurse reljeefi kunstis (bareljeef ja sisselõigetega reljeef) saavutasid egiptlased ka plastilise väljendusrikkuse, luues omanäolise, justkui tasapinnalise tasapinnalise kujundi silueti. Kaanoni alguse pani kuulsale paletile vaarao Narmeri kujutis ja hiilgavaks jätkuks sai puidust portreereljeef “Arhitekt Khesir”. Reljeefid hauakambrites ja templites eristuvad friis- (lindi) asukohaprintsiibist, kokkuleppelisest koloriidist ja seotusest kirjaga. Juba 20. sajandil säilinud ja avastatud reljeefid on erilise rafineeritusega. noore vaarao Tutankhameni haud.

Pärast kolmkümmend viis sajandit unustust ilmus maailmale kuninganna Nefertiti Uuest Kuningriigist. Mitmed tema skulptuurikujutised leiti ketserliku vaarao õukonnameistri skulptor Thutmese või neetud vaarao Ehnatoni töökoja väljakaevamistel, kes mitte ainult ei tutvustanud ühe päikesejumala Atoni kultust, vaid mõjutasid ka kunsti. , mis paistab silma Uue Kuningriigi erilisel Amarna perioodil (uue Ehnatoni linna nimega Akhetanon asemel on tänapäevane Tellel-Amarna. Vanadest kaanonitest eemalduda ja elule lähemale jõuda - selle ülesande lahendas Ehnatoni aegseid kunstnikke ning me leidsime kuulsate Thutmede teostest eheda lüürilise tõlgenduse inimese kujutisest (Berliini osariigis hoitakse perekonnaportreesid, Nefertiti skulptuurportree kõrges tiaaris ja lõpetamata kuldse liivakivi portree. Muuseumid).

On oletusi Vana-Egiptuse muusikakultuuri kohta, millest on säilinud vaid üksikud pillid ning muusikute kujutis reljeefidel ja maalidel. Ilmselt kõlas rahvamuusika, templi- ja paleemuusika, monofooniline meloodia oli värvitud harfide, flöötide, löökpillide tämbritega.

Vana-Egiptuse kirjandust eristavad mitmesugused žanrid: muinasjutud, õpetused, hümnid jumalatele ja kuningatele, ülistavad laulud ning Uue Kuningriigi ajast - kõrge poeetilise väärtusega armastussõnad.

Vana-Egiptus ei paljastanud maailmale kõiki oma saladusi. Selle tohutut rolli maailma kultuuriloos pole veel hinnatud. Antiikkultuuri uurimine sai alguse pärast Napoleoni sõjaretke ja selles osales ka kuulsa 24-köitelise teose "Egiptuse kirjeldus" illustreerija Dominique Vivant Denon. Nii sai Euroopa tuttavaks salapärase ja eksootilise riigiga, kuid selle kirjutised olid surnud keeled. Suure teadusliku avastuse tegi tänu "Rosetta kivile" teine ​​hiilgav prantslane, "hieroglüüfide taaselustaja" - Jean-Francois Champollope. Nii sai alguse egüptoloogia. Vana-Egiptuse kunstilised kujundid, mis mõjutasid kogu Vahemere kultuuri enne meie ajastut (eriti hellenismi ajastul) ja seejärel 19. sajandist Euroopa kultuuri, säilitavad siiani oma ajatu vaimse suursugususe ja esteetilise täiuslikkuse.

9. KESKAJA KUNSTIKU KULTUURI TUNNUSED

Ühekülgne oleks näha keskajal ainult Euroopa rahvaste "lapsepõlve", uue ajaloo ettevalmistavat etappi... neil on iseseisev ajalooline ja kunstiline väärtus.

A. Ya. Gurevitš

Keskajale mõeldes kujutavad nad tavaliselt ette raudrüüsse riietatud rüütlit, kes lööb vaenlast raske mõõgaga, ristisõdasid, feodaallossi või katedraali kivimassi, pärisorjade kurnavat tööd, munka, kes loobus maisest. kiusatused, inkvisitsioon. Raud. Kivi. Palved, tuli ja veri.

Keskajal oli palju raske, tume, ebainimlik. Võib-olla sellepärast nimetasid renessansi humanistid aastatuhandet (V-XV sajand) antiikaja allakäigu ja uusaja vahel vaimse stagnatsiooni ajastuks, "pimeda öö" ajastuks, keskajaks, püüdes hajutada maailma pimedust. Keskaeg taaselustatud muinaskultuuri säravate kiirtega.

Kaasaegne historiograafia ja kunstiajalugu ei näe keskaega mitte eraldava kuristikku, vaid sillana, mis ühendab muistset ja modernset kultuuri, keerulist ajastut, millel on oma eripärad, inimkonna kultuurilise ja ajaloolise arengu etapina, mis vastab feodalismi sünd, areng ja lagunemine.

Keskaegse elu traagiliste aspektide hulgas: lõputud feodaali- ja ususõjad, omavoli ja kiriku omavoli, massilised katku- ja katkuepideemiad, pidevalt rippuv viimse kohtuotsuse karistus ja maailmalõpu ootus – mees keskajast osati elust rõõmu tunda, sirutas käe valguse ja armastuse poole, nägi maailma ilus jumaliku ilu sümboleid; oskas ennastsalgavalt töötada, kiites Loojat suurtes ja väikestes tegudes; Ega asjata ei jätnud keskaegne kultuur endast maha suure ja mitmekülgse kunstipärandi, mille lõid "väikesed inimesed", kes olid suured meistrid.

Keskaegse kultuuri kujunemisel oli eriline roll kristlusel, mis lõi suure ajaloolise sünteesi, pärides ja transformeerides Lähis-Ida religioonide ideid ja kujutlusi ning kreeka-rooma antiikfilosoofia traditsioone. Kristlus esitas esimest korda maailma ajaloos ideed kõigi inimeste võrdsusest Jumala ees, vägivalla hukkamõistmisest, maailma ebatäiuslikkusest ülesaamisest kõigi inimeste moraalse täiustamise kaudu, kõigi inimeste vaimse ühtsuse idee. "Kristuse isiksuse tragöödia täidab maailma, see elab igas inimeses" (D. S. Likhachev). Selle tragöödia terav kogemus on keskaja kunstikultuuri meistriteoste põhisisu.

Keskaja enam kui tuhandeaastane ajalugu on tavaks jagada kolmeks põhiperioodiks: varajane (V-XI sajand), küps ehk klassikaline (XII-XV sajand) ja hiliskeskaeg (XVI - XVII sajandi algus). ), mida iseloomustab laialt levinud ja rahvuslik – originaalne ilming revivalistlike ideede kunstis.

Kogu keskaegse elu ja kultuuri keerukuse, heterogeensuse, mitmekihilisuse, paradoksaalsuse ja ebajärjekindluse juures on olemas ka ühendav printsiip - "geotsentriline maailmamudel", mis leiab kunstis ideaalse, humanistliku kehastuse.

Varaseim kristlik religioossus avaldus Bütsantsi kunstisüsteemi kujunemises. Bütsants jäi keskaja algperioodil ainsaks hellenistliku antiikkultuuri traditsioonide hoidjaks, andes selle kultuuripulga edasi 10. sajandil. Vana-Venemaa koos õigeusuga.

Bütsants lõi kristlike kirikute põhitüübid (basiilika, kesk- ja ristkupliga), mõeldes ümber iidse arhitektuuri vastavalt kristlikule religioossele õpetusele templist kui taevase kiriku maisest mudelist, kui usklike päästelaevast, kui palvemaja. Seetõttu pöörati põhitähelepanu templi siseruumi suurendamisele ja sisekujunduse jumalikule hiilgusele.

Bütsantsi impeeriumi peamine tempel oli St. Sophia Konstantinoopolis, ehitatud VI sajandil. Justinianuse ajal arhitektid Anthimius ja Isidore (harv juhtum keskaegsete ehitajate nimede säilitamisest, sest keskajal ei hoolinud sellest keegi, kuna ilu loonud meistrid seisid feodaalredeli madalamatel pulkadel, nende töö oli peeti kollektiivseks ja seetõttu mitteisiklikuks ning jäi peaaegu alati anonüümseks).

St. Sophia, Vana-Rooma Panteoni ja varakristliku basiilika konstruktiivsed põhimõtted ühendati, ristküliku keskpunkti kroonis hiiglaslik kupli poolkera (läbimõõt 31,5 m). Templi arhitektuur näib erinevatest vaatenurkadest müstiliselt muutuvat, kivis realiseeritud imena.

Keskajal sündis uus templiline kunstide süntees, millel on erinevused õigeusu ja katoliikluse vahel, mis jagunesid aastal 1054: arhitektuur ja skulptuur, maal (fresko, mosaiik, ikoon või vitraaž) ning kunst ja käsitöö ühendatakse grandioosne kooslus, vapustav suursugusus ja meeliülendav vaimsus , vokaal- ja instrumentaalmuusika (orel).

Esimest korda viidi selline kunstiline süntees läbi Bütsantsi jumalateenistuse pidulikul rituaalil, mille võtsid kasutusele Vana-Venemaa ja teised õigeusu kristluse haru riigid.

Kui idas toimus üleminek antiikajast keskajale järk-järgult, siis läänes - antiikaja kultuuritraditsioonide hävitamise ja lõhkumise kaudu. Vana-Rooma langemine, suur rahvaste ränne ja Euroopa "barbariseerumine" – keskaegse tsivilisatsiooni sünnitiiglisse kujunes ka Lääne-Euroopa kunstikultuur.

Lääne- ja Kesk-Euroopa keskaegne kunst oma kümne sajandi pikkuses arengus läbis kolm etappi: eelromaani (vrd V-X sajand), romaani (XI-XII sajand) ja gooti (XII-XIV sajand). Mõnes osariigis gooti kunst XV-XVI sajandil. ("Leekiv gootika") eksisteeris koos renessansi kunstiga.

Kõigist endise Rooma impeeriumi territooriumil tekkinud "barbarite kuningriikidest" osutus suurimaks ja võimsaimaks frankide kuningriik, mida algselt valitses katoliku riituse järgi ristiusku pöördunud Merovingide dünastia. ja seejärel kogesid frangid "Karolingide renessansi" (VI - IX sajand), see Ajastu lõpeb Karl Suure impeeriumiga, mille paavst kroonis "roomlaste keisriks".

Sel ajal arenes kiiresti dekoratiiv- ja tarbekunst (klambrid, pandlad, relvad, riistad, ristid, kirikuraamatute korpused on kirjud, vääriskivide, värvilise klaasi või emailiga vahetükkidega, üllatavad kaunistuse rikkusega kombinatsioonis "loomade stiil") ja raamatute miniatuuride kunst.

Alates 4. sajandist tärkavatest kloostritest saavad kristlike raamatute (evangeeliumid, kirikuisade õpetused, liturgilised raamatud) loomise keskused, mis olid valmistatud pärgamendist ja kaunistatud värviliste miniatuuridega, kus kasutati kulda, lillat, guašši. Lemmikteemaks olid evangelistide pildid.

Näited varakeskaegsest raamatukujunduskunstist, mis kujunes kalliks ja peeneks kingituseks, demonstreerivad viimistletud kaunistusstiili, millel oli suur mõju kogu Euroopa kultuurile.

Normanide laastavate invasioonide ajal hukkusid paljud kultuurikeskused ning kunsti- ja arhitektuurimälestised, rööviti kloostritest ja paleedest pärit ütlematuid rikkusi. Karolingide kunst oma lühikesel õitseajal taaselustas suure osa hilisantiigi saavutustest, kuid ei loonud uut terviklikku süsteemi, mis osutus selle asemele tulnud romaani ajastu jõuks, mis arendas välja esimese üleeuroopalise kunstistiili.

Mõiste ilmus 19. sajandil, kui arheoloogid hoonetes 10.-12. leidis sarnasusi Rooma arhitektuuriga, hiljem hakati ajastu kunsti tervikuna nimetama romaaniks.

Killustunud, sõdivas Euroopas olid peamised arhitektuurirajatiste tüübid rüütliloss, kloostriansambel ja kindluse tüüpi tempel, millel olid massiivsed kivimüürid, kitsad aknad ja kõrged tornid.

Suurendatud vaimsuse soovi eristavad romaani kunsti näidised sarnaselt Bütsantsi kunstiga, kuid vaimselt täiusliku ja reaalsest maailmast eraldatud inimese kuvand ei saanud sama arengut kui Bütsantsis, Lääne-Euroopa kunstis ja aktiivne ellusuhtumine ühendati religioossusega. Romaani arhitektuur rabab jõuga, skulptuur – rahutu vaimuga. Suurenenud tunnete väljendamises on tunda barbaarse kunsti traditsioone, feodaalsõdade ja ristisõdade ajastu tormilist ja hirmuäratavat olemust. Romaani stiilis katedraalides areneb välja kristliku templi basiilikatüüp. Võimas piklik pikikeha (löövi) võrdleb templit laevaga. Külgkäigud on madalamad kui keskne. Neid läbib transept ja plaaniliselt moodustatakse ladina rist. Ristmiku kohale kõrgub massiivne torn (keskrist), idast suleb tempel apsiidi poolringi (mille sees on altar). Templit valvavad kitsad kõrged tornid (kaks ida- ja läänepoolsest otsast). Romaani kiriku arhitektoonika on igas detailis selge, eristuv ja illustreeriv, mida eristab mehelik ilu, muljetavaldavus ja pühalik jõud.

Romaani ajastu kristliku kiriku kaunistuses oli uus skulptuurne dekoratsioon väljast ja seest, mis võimaldab katedraali võrrelda kiviraamatuga, mis jäädvustas keskaja hinge. Kuigi kiriku juhid ja "juhtisid" kunsti - sageli ei osanud nad pühakodade skulptuurset kaunistust mõista ega heaks kiita.

Romaani käsitöölised asustasid seinad, uksed ja sambad seninägematu maailmaga: pühakute, apostlite, evangelistide kujutised on kükitavad, ilmselt ühise päritoluga mužikad, poolringikujulises Timpanis kirikute portaali (sissepääsu) kohal, eriti sageli asetatud reljeef. kujutades viimset kohtupäeva, kus Kristus on nende vasallide kohtunik ja kaitsja ning veidrast ornamendist paistavad ümber "veidralt koledad kujundid" - kentaurid, ahvid, lõvid ja kõikvõimalikud kivikimäärid, mõnikord satuvad nad pühakute kampaaniasse. ja viibivad "pühadel intervjuudel". Ilmselt jõudsid need fantastilised pildid romaani kunsti paganlike rahvakultuste, muinasjuttude ja muinasjuttude, rahvaeepose kaudu, väljendades inimeste arusaama ja ettekujutust hea ja kurja jõudude võitlusest inimhinge eest.

Templite sees kaunistati samamoodi nagu Karolingide ajastul mitmevärviliste freskodega, uueks nähtuseks olid värvilised vitraažaknad, mis kujutasid stseene pühast ajaloost; seda tüüpi templimaal arenes eriti välja gooti ajastul. Kuulsad romaani stiilis katedraalid on säilinud Saksamaal (Verme, Speyer, Mainz) ja Prantsusmaal (Notre Dame Poitiersis, Saint Pierre Moissacis, Saint Lazare Autunis).

Kuni 12. sajandini Euroopa peamised kultuurikeskused olid kloostrid, kus oli kõige haritumad inimesed, arutati ehitusprobleeme, paljundati raamatuid. Kuid XII sajandil. ülimuslikkus hakkas liikuma uutesse majandus- ja kultuurikeskustesse – linnadesse, mis võitlesid feodaalidega iseseisvuse eest. Pole ime, et nad ütlesid: "Linna õhk teeb vabaks." Linnaelanike seas sündis vabamõtlemine ja kriitiline suhtumine kiriku poolt pühitsetud feodaalsüsteemi, justkui oleks see algselt taevas asutatud ja seetõttu kõigutamatu.

Sel ajal saavutas ilmalik rüütlikirjandus ja -luule kõrge õitsengu, linnamaailma kirjandus oli kujunemas ning keskaja kangelaseepose looming oli valmimas.

Tuntuimad on prantsuse eepilised poeemid "Rolandi laul", "Side laul" ja saksa eepos "Nibelungide laul".

"Rolandi laulu" keskmes on episood Karl Suure 778. aasta Hispaania sõjakäigust, luuletuses muutub vallutusretk õiglaseks sõjaks "uskmatute", saratseenidega. Saratseenide kuninga Marsiliuse salakaval vaherahu, nõuandja Charlesi kättemaksuhimulise Ganeloni reetmine, rüütel Rolandi verine lahing saratseenidega ja peategelase surm, saratseenide armee lüüasaamine Charlesi poolt, tema surm. Rolandi pruut ja Ganeloni hukkamine – need on kristliku kiriku asja, prantslaste patriotismi, noore rüütli tulihinge ja julgust ülistava eepilise loo põhisündmused.

Mitme sajandi jooksul koostatud “Nibelunglied” on tohutu laulu-eepiline legend, sisaldab pilte säravast rüütliõueelust, ebamääraseid mälestusi kaugest antiigist 4.-5. sajandi suure rahvaste rände ajal, mütoloogilisi, legendaarseid ja fantastilisi pilte. . Legendi põhiteemad: kulla (Nibelungide aare) pimestav hävitav jõud, vapra rüütli Siegfriedi - keskaja "ideaalse kangelase" - armastuse ja õnne iha, petetud vägeva Brunhilde kättemaks lootuses armastusele Siegfriedi vastu, kelle tahet kontrollib sünge kuri Hagen, tappes kangelase, aga ka tema naise Krimhilda kohutava kättemaksu ja legendi kõigi peategelaste surma. Hämmastav on lugu keskaegsest autorist, kes tungis inimese psühholoogiasse ja kaunistas oma tegevust samal ajal fantastiliste kujutistega võlusõrmusest, imelisest mõõgast, Siegfriedi võidetud draakoni imelisest verest ja Nibelungi liider. on rikas humanistlike arusaamade poolest, et kättemaksu hävitav laeng naaseb saatjale, määrates nii jumalate maailma kui ka inimeste maailma surma.

Just keskajal sai luulest Euroopa kirjanduse kuninganna. Isegi annaalid olid poeetilist vormi riietatud ja pühakiri omandas poeetilised rütmid, mis jäid paremini meelde, ja arendavad tekstid omandasid luule ilu.

12. ja 13. sajandi kerge rüütelliku kultuuri õukonnaetikett. nõudis, et rüütel oleks koos traditsioonilise sõjalise võimekusega graatsilisi kombeid, jälgiks kõiges "mõõtu", tutvustaks kunsti ja austaks kauneid daame, see tähendab, et ta oli eeskujuks õukonna teadmatusest, mida nimetatakse viisakuseks.

Hiilgav rüütliluule lehekülg oli Prantsuse Provence'i trubaduuride ("kirjanike") looming, kauni daami kultus asus selles umbes samale kohale kui Madonna kultus religioosses luules. Trubaduuride armastus oli omamoodi mäss inimestevaheliste jäikade klassibarjääride vastu. Provansi luule väljendas ka austust igavese looduse ilu vastu; Dante, Petrarch ja teised renessansi luuletajad uurisid Provence'i laulusõnade parimaid näiteid, sest just trubaduurid viisid riimi laialdasse kirjanduslikku kasutusse. Saksamaal nimetati keskaegseid rüütlitekste minnesangiks ja selle luuletajaid minnesingeriteks. Ooperis Tannhäuser püstitas Richard Wagner neile 19. saj. majesteetlik monument ja ühtlasi austusavaldus rahvuseepos ooperitetraloogias Der Ring des Nibelungen; Wagner pühendas ooperi Nürnbergi meisterlauljad linna-, burgerigildi meistrite kunstile; temaga sarnased paljud XIX sajandi Euroopa romantikud. inspireeritud rahvuslikest keskaegsetest piltidest.

Üldiselt on "uus Euroopa" kirjanduslik loovus žanriliselt mitmekesine. Lisaks rahvuslikule kangelaseeposele ja õukondlikele laulusõnadele olid seal rüütellikud jutud ja romaanid ("Tristani romanss"), "teaduslik" ladina luule, vagantide - rändõpilaste, munkade ja teiste inimeste luule, kristlik kirjandus - "kõrge". ” teoloogilist ja “rohujuuretasandit” “lihtsate” jaoks (pühakute elud ja hauataguse elu stseenide “nägemused”), linnakirjandust esindavad igapäevased koomilised poeetilised fabliod ja “schwankid”, aga ka ballaadide ja rondode laulusõnad. .

Teater keelustati kiriku poolt. Vaevalt saab kiriku- ja rahvalikke vaatemänge teatrikunsti arvele võtta. Kiriku "teatri" žanrite hulgas on liturgiline draama (teatriliste elementidega laulud), ime (imed pühakute elust), mõistatused - sakramendid, õigete ja ülekohtuste näitamine, moraal pahede ja vooruste võitlusest. Samuti tegutsesid erinevad rändnäitlejate rahvateatrid.

Linnagooti kultuuri arenedes sai gooti katedraalist kogu avaliku elu keskus. Mõiste "gooti maneeri" - "gooti maner" (germaani hõimu nimest) tekkis ka renessansiajal keskaja jämeda, barbaarse kunsti hukkamõistuna. Aja jooksul on termini sisu muutunud. Gootikat hakati nimetama Lääne-Euroopa keskaja viimaseks etapiks ..

Gooti kunstis väljendub keskaegse inimkonna “teadvustamata pihtimus” suure muljetavaldava jõuga. Ja keskaeg näib olevat "majesteetlik, nagu kolossaalne gooti tempel, tume, sünge, nagu selle võlvid, mis on üksteisega ristuvad, värvilised, nagu selle mitmevärvilised aknad ja dekoratsioonide rohkus, mis seda kujutavad, ülev, täis impulsse, nagu selle sambad ja stepid lendavad taeva poole, lõppedes pilvedes väreleva pühamuga" (Gogol).

Gootika meistrid, täiustades tugisüsteemi, tegid arhitektuuris revolutsiooni. Massiivne romaani müür kadus, hoone taandus luustikuks, ülespoole kasvanud kiviribiliseks (ribiliseks) karkassiks. Gootika arendab kristliku kiriku basiilika tüüpi. Üht hoonet teisest eraldavate arkaadide läbivus rõhutab siseruumi osade avatust ja omavahelist seotust ning suured ažuursed aknad - kaarjad ja ümarad ("gooti roos") värvilise klaasiga - vitraažaknad barjäär sisevalguse, illusoorse ja kergesti läbilaskva katedraali ning välismaailma vahel. Ruumi valdav jõud ja erakordne avatus, kivistruktuuri suursugusus ja dünaamilisus, läbi vitraažakende valguv värviline valgus – kõik see sulandub ühtseks monumentaalseks kunstiliseks kujundiks.

Gooti katedraal sisaldab kogu keskaegse linna maailma, muutub selle entsüklopeediaks. Gooti stiil on temperamentne ja dramaatiline, nagu keskaegse linna kiire elu. Prantsusmaa sai gootika sünnimaaks, veidi hiljem levis see Saksamaale (Kölni katedraal, "tellisgootika"), Inglismaale (Westminsteri klooster Londonis), Tšehhi (Püha Vituse katedraal) ja teistesse katoliikliku maailma maadesse.

Prantsusmaa kuulsaimad katedraalid on pühendatud Notre Dame'i Jumalaemale Amiensis, Chartres'is, Rouenis ning loomulikult Reimsis ja Pariisis. Need on keeruka skulptuuridekooriga “tohutud kivisümfooniad” (V. Hugo), kus iga arhitektuurielement on “humaniseeritud”, asustatud erinevate elusolenditega ning gooti kujud hämmavad inspireeritud ekstaasi väljendusega, mis muudab, õilistab kurnatud kehasid. Tõepoolest, gooti kunstis väljendus kolmas seisus oma unistuste ja kannatuste, meeleheite ja lootustega.

Kunstide templisünteesis, jumalamaailma kujundi loomisel sai viimaseks punktiks muusika. Kirikumuusika areng põhines ladinakeelsetel monofoonilistel palvelauludel – gregooriuse laulul (laulude kood loodi paavst Gregorius I algatusel). 9. sajandist tunti ära Bütsantsist Euroopasse tulnud oreli järgi. Hiljem kerkib gregooriuse laulu meloodiate põhjal motettide polüfooniline muusika ja katoliku missa. Gregoriuse laulu ülevad kujundid inspireerisid teda 18. sajandil. suurepärane I.-S. Bach.

Keskaegne kunstikultuur on keerukas, dramaatiliselt arenev ja samal ajal klassihierarhiasse suletud ja "geotsentrilise mudeli" maailmakuvand. Keskaeg kuulub kunstiajaloo poolt loodud suure Inimese raamatu ühe dramaatilisema lehekülje hulka.

10. INDIA, HIINA JA JAAPANI KUNSTIKULTUUR

India, Hiina ja Jaapani kunst kuulub idapoolsete rahvaste kunstikultuuri. Neid ühendab ajaloolise arengu teede sarnasus, aga ka budismi levik neis maades, mis mõjutas uue kunsti teket antiikaja ja keskaja vahetusel. Seda kunsti eristas reaalsuse ulatus, inimese ja looduse sügavate suhete teadvustamine ning suur emotsionaalne intensiivsus. India skulptuur, Hiina maastikumaal, Jaapani kloostrid ja aiad on vaid mõned kuulsad näited.

India kunst on iidsetest aegadest saadik toidetud võimsast fantaasiast, universumit puudutavate ideede skaala suursugususest. Kunstilised väljendusvahendid torkavad silma oma mitmekesisuse ja sära poolest, meenutades India õitsevat loodust. Idee elu ühtsusest kõigis selle ilmingutes läbib filosoofilisi õpetusi, esteetikat ja kunsti. Seetõttu on sünteesi roll India kunstis nii suur – arhitektuur ja skulptuur, arhitektuur ja maal, aga ka luule, maal ja muusika. Kuulsatest teatrietendustest iidsete eeposte Ramayana ja Mahabharata teemadel on saanud kujutavas kunstis püütud klassikaliste pooside ja žestide allikas, mis eristuvad väljendusoskuse ja julguse poolest. India kunsti kujunemises osalesid arvukad maailma suurima poolsaare (Hindostani) hõimud.

Ajavahemik II keskpaigast I aastatuhande keskpaigani eKr. e. seotud peamiselt brahminismi filosoofia õitsenguga ja kirjanduse õitsenguga iidses sanskriti keeles. Kuid ammu enne meie ajastut, kui Egiptuse, Mesopotaamia, Iraani ja Hiina tsivilisatsioonid kujunesid, tekkis Indias käsitöö, teadus ja kunst. Grammatika, matemaatika ja meditsiin olid tugevalt arenenud. Indiaanlased ülistasid "Bharati riiki" kogu maailmas, õpetades inimkonnale digitaalset süsteemi ja malemängu, parimate värviliste kangaste ja damaskiterase valmistamist,

Erakordne vormide mitmekesisus, vastupandamatu leiutamine, optimistlik tugevus ja rahvatraditsioonide püsivus kultusest hoolimata, kanoonilised piirangud – kõige imelisem asi indiaanlaste kunstiloomingus. Pole üllatav, et India meelitas palju reisijaid. Veel 15. sajandil. Tveri kaupmees Afanasy Nikitin tegi "Teekonna kolme mere taha". XVIII sajandil. Gerasim Lebedev lõi Calcuttas teatri. Ja XIX sajandil. A.D. lõuenditele jäädvustatud pildid Indiast. Saltõkov, V. B. Vereštšagin (umbes 150 maali), I. K. Roerich. Roerichite (isa ja poeg) looming on Vene-India kultuurisidemete eriline lehekülg.

II aastatuhande keskel hukkus õitsev Induse tsivilisatsioon rändhõimude - aarialaste - rünnaku all. Mugavatest linnadest Mohenjo-Daro ja Harappa on säilinud vaid varemed, samuti paljud arenenud kunsti- ja käsitööobjektid ning väikeplastika. Kohale tulnud aarialasi peetakse kõige iidsemate "vedade" ("teadmiste") loojateks ning neil on hümne ja palveid jumalustele, palju erinevat teavet aarialaste elu ja elu, ühiskonna jagunemise kohta. nelja kastirühma (varnad): preestrid - braahmanid, sõdalased - kshatriyad, põllumehed, käsitöölised ja kaupmehed - vaišjad ja madalaim Varna - šudrad, kes koos orjadega allusid kolmele esimesele.

Võimsate orjaomanike riikide kujunemise perioodil (VI-IV sajand eKr) tekkis eepiline kirjandus - suured sanskritikeelsed luuletused "Ramayana" ja "Mahabharata" (ületavad Vana-Kreeka eepost 8 korda), mis edastasid legendid julgetest ja vapratest kangelastest, uute võimsate dünastiate võitlusest ja tugevnemisest.

Idee hea võidust kurja üle on iidse India eepose aluseks, läbib lugu vendadest Sunda ja Upasundast, kes otsustasid mõista universumi saladusi, poeetilist lugu Nalast ja kaunitari Damayantist. Üldiselt räägib Mahabharata 18 raamatu süžee kahe kuningliku perekonna kangekaelsest võitlusest võimu pärast. Ramayanas luuakse ka õilsaid kujundeid. Prints Rama kartmatus ja vaprus, tema venna Lakshmani pühendumus, tõeline armastus Sithid, kes jagasid Ramaga metsa pagendust, ja deemonite isand Ravana pettus on pikka aega kuulunud indiaanlaste vanasõnade hulka. Ja mõningaid luulemägesid austatakse endiselt jumalatena ja pühade ajal mängitakse väljakutel stseene Ramayanast. "Tarkuse ja ilu ookean" nimetavad indiaanlased oma eepost.

Pärast A. Makedoonia vägede väljasaatmist saab võimule Maurya dünastia. Kuningas Ashoka, ühendades India tohutuks impeeriumiks, alustas budistliku kultuse ehitiste suurejoonelist kiviehitust. Budistlik religioon võeti ametlikult vastu Ashoka ajal aastal 261 eKr. e.

Budism (algselt mitte religioon, vaid eetiline õpetus) asutati legendi järgi VI sajandil. eKr e. prints Shaki perekonnast, nimega Sidhartha Gautama, hiljem hüüdnimega Buddha ("valgustunud"). Buddha jutlustas inimese enesetäiendamise ideed, kurjusele mitte vastupanu, maistest kiusatustest loobumist. Buddha laenas reinkarnatsiooni mõiste Brahmini religioonist, kuid ta õpetas, et kõik, isegi õigustest ilma jäänud sudrad, ja mitte ainult kõrgeim kast, võivad saavutada ülima rahu - nirvaana.

Budismi religioossed ja eetilised põhimõtted kajastuvad budistlikus kirjanduses (kanoonilised jutud, religioossed ja filosoofilised traktaadid). Jatakid – jutud Buddha reinkarnatsioonidest – sisaldavad palju folkloori ja igapäevast materjali. Skulptorid ja maalikunstnikud kasutasid neilt pärit maatükke sageli palvekohtade kaunistamiseks.

Levinumad on: relikviaariumid – stuupad, gaoloiiy – stambhad, koobastemplid – chaityas, kloostrid – vihara.

Stuupa on budistlik kultusmonument: tellise või kiviga vooderdatud maakera, mis seisab madalal trummel, ülemises osas on kamber Buddha säilmete – hamba, loki, luu – ja usuraamatute hoidmiseks; stuupa tipus on varras vihmavarjuketastega, mis sümboliseerivad teadmiste etappe teel nirvaanasse; piirdeaed ja värav (4) taastasid kivist puidust piirdeaedade ja -väravate ehituse veedade ajast. Klassikaline näide on Sanchis asuv stuupa (kõrgus koos vardaga - 23,6 m, aluse läbimõõt - 36,6 m). Piirdeaed ja värav on rikkalikult kaunistatud reljeefide ja jataka motiividel ümmarguste skulptuuridega, millel on suur tõetunnetus ja armastus looduse vastu. Sanchi stuupa nikerdatud väravad "tutvuvad meile iidse India kunsti maailma".

Stambhi - kivist mälestussambad, mis on püstitatud Ashoka alla budismi ajaloolistesse paikadesse. Säilinud 10 kuni 15 m kõrgust ja üle 250 tonni kaaluvat sammast, mille külge raiuti tavaliselt religioosse ja eetilise sisuga kuninglikud määrused. Kõige kuulsam oli "Lõvi pealinn" Sarnathi stambhast (III sajandi keskpaik eKr). Esindab justkui nelja seljaga ühte sulanud lõvi. Pealinna aabitsat kaunistavad nelja kardinaalse punkti sümbolid - elevandi, lõvi, hobuse ja härja reljeeffiguurid, nende vahel - "seaduse ratas" (tšakra) - sümbol Buddha. Lõvipealinn on praegu India Vabariigi osariigi embleem.

Legendi järgi kutsus Buddha oma jüngreid üles edevast maailmast eemalduma. Esimesed templid ja kloostrid Ashoka all panid aluse monoliitsele kaljuarhitektuurile, mis eksisteeris alates 2. sajandist eKr. eKr e. kuni 7. sajandini AD

Varajase perioodi üks majesteetlikumaid ehitisi on Karlis asuv 37,8 m pikkune ja 13,7 m kõrgune chaitya, mis on seest, nagu teisedki templid, jagatud kahe sambareaga kolmeks pikisuunaliseks pikihooneks. Kesklöövi poolringikujulisse viimistlusse on paigutatud monoliitne kivist stuupa. Lõhnava viiruki sinise suitsuga täidetud tohutu koopa poolpimedusse kaob hajutatud pehme valguse voog. Tuntuim on Ajanta koopakompleks, mis loodi hiljem, India keskaja koidikul, Guptade ajastul. Nagu hiiglaslik vanik, mis on raiutud 29 koobastemplisse ja kloostrisse Waghora jõe kaldal, ühendab Ajanta sujuvalt arhitektuuri, skulptuuri ja maalikunsti,

Varastel budismi hoonetel ei olnud õpetaja skulptuurseid kujutisi. Meie ajastu alguseks oli India kaubanduse kaudu juba tihedalt seotud Rooma impeeriumiga. Kultuuriväärtuste vahetus aitas kaasa uue "kreeka-budistliku" kunsti kujunemisele. Rooma komme valitsejaid jumalikustada viis kuningate ja mõningate jumaluste kujutamiseni skulptuuris Rooma keisrite või fidiea Zeusi poosis. Gandahara kunstis toimus iidse ja India süntees "Suure Õpetaja" ja bodhisattvate kuvandis, kes on saavutanud täiuslikkuse, kuid jäävad vabatahtlikult inimeste sekka, et neid Teel juhendada. Skulptuurikaanonid võtavad järk-järgult kuju. See on eriti märgatav Buddha piltidel (näiteks pikad kõrvad- üks 32-st talle omasest omadusest). Vaatamata kaanonite piiravale raamistikule püüdlesid tundmatud meistrid aga individualiseerimise, loomingulise originaalsuse poole.

III-V sajandi periood, mil Gupta dünastial õnnestus riik ühendada, on India majandus- ja kultuurielu õitseaeg. See on suurepärane eelmäng keskajale, India kunsti "kuldajastule". See on sanskriti luule ja draama klassikaline periood, lavakunst, mis on lahutamatult seotud muusika, laulu ja tantsuga.

Tunnustatud kui meistriteosed lüüriline luuletus 5. sajandi suurima poeedi ja näitekirjaniku "Sõnumitooja pilv" ja draama "Tunnustatud Shakuntala". Kalidas. Draama räägib noore eraku Shakuntala ja kuningas Dushyanta armastuse katsumustest. Nende poja Bharata nimest tuli India iidne nimi – "Bharati riik". Kalidasa luule on paljudele India ja teiste riikide poeetidele elu andvaks allikaks tänapäevani. Ulatuslikust templiehitusest on vähe järele jäänud. 2.–3. sajandi Suure Valgustatu (Mahabothi) tempel, mis on ehitatud sinna, kus legendi järgi istus Buddha valgustusööl püha puu all, on monumentaalne 55 m kõrgune torn, mida kaunistavad skulptuurid: templi eesmärk on muutumas, see ei ole enam kummardajate kogunemiskoht ja jumaluse elukoht koos tema kujuga.

Gultide ajastul loodi ka kuulsad Ajanta koobastemplite seinamaalingud, mis kanti krohvikihile soojade ookritoonide temperavärvidega. Meie ees paljastub värvikas igapäevaelu, mütoloogia ja ajaloo maailm, India loodus, sageli on süžeed ammutatud lemmik budistlikust Jatakast. Ajanta seinamaalingute meistriteoste hulka kuuluvad maaliline portree prints Buddhast - "Bodhisattva lootosega" ja stseen "Surev printsess". Ajanta naisepildid on eriti poeetilised, justkui kajavad poeet Kalidasa kangelannade kujundid. Ajanta on üleilmse tähtsusega ja kunstiväärtusega monumendid, "need on koopad, kus ka praegu sügavas ööpimeduses põleb elu tõrvik"; “Ajanta seinamaalingutel oli Aasia kunstiajaloo jaoks sama tähendus kui Itaalia freskodel Euroopa jaoks” (M. Snngh). India keskaegne kunst on kompositsioonilt keeruline, vastuoluline ja mitmežanriline. VII-VIII sajandil. Taas esitatakse brahminism, mida uuel, muudetud kujul hakati nimetama hinduismiks. Peamised jumalused olid kolmainsus – „Trimurti“: Brahma – maailma looja, Vishnu – tema kaitsja, Šiva – hävitaja uue loomise nimel; erinevad Višnu kehastused - Krishna, Rama, Buddha; levitas Shiva naise - Parvati kultust; Lapse keha ja elevandi peaga Ganeshat austati laialdaselt - kaupmeeste, õpilaste, autorite jne patroon.

Hinduismi suurim religioosne ehitis on Kailisanatha šaivistlik tempel (VIII sajand), mis on loodud originaalsel viisil: mäe küljele raiuti sisemisest monoliitsest massiivist P-tähe kujuline vallikraav ja templi hoone "skulpteeriti" ülalt alla (pikkus 61 m, kõrgus 30 m). Pind on täis jumalate, fantastiliste olendite ja loomade skulptuure. “Koopas on nii palju pilte, et seda võib pidada indiaani mütoloogia raamatuks,” on selles külluses aga tunda mõningast ummikut, vormiärevust.

XI-XII sajandil. Kasutatakse "uusi india" keeli - hindi, urdu, bengali, marati. Vana sanskriti keel jääb põhiliselt teaduskeeleks, nagu Euroopa keskajal ladina keel. Sel ajal ilmusid uut tüüpi tornitemplid - shikhara, mille kuju meenutas meloni vilja. Vaatamata fantastilisele vaatele ehitati tempel rangete kaanonite järgi. Selline on Khadjuraho majesteetlik tempel, mis kõrgub monoliitsel platvormil. Preesterliku brahministliku esteetika mõjul eemaldub skulptuur järk-järgult otsestest eluvaatlustest, muutudes üha kanoonilisemaks ja abstraktsemaks, väljendades sümboolselt hinduismi ideid.

Alates 13. sajandist hajutatud India vürstiriikidesse tungivad moslemid, kes tõid endaga kaasa islami ja selle esteetika, mõjutades aktiivselt India kunsti peaaegu kuni 19. sajandi alguseni. Arhitektuuris tekkisid uued vormid – mošee, minarett, mausoleum. Hiljem võtab kuju India keskaegne arhitektuur, sünteesides kohalikku ja sissetoodud, kaks stiili sulanduvad üheks, "indo-moslemiks".

Kui edukas see oli, saab hinnata kuulsa Taj Mahali (1632-1650) haua järgi, mida kutsutakse teenitult India arhitektuuri pärliks, "marmori luuletuseks", "mughali ajastu arhitektuuri luigelauluks". Mausoleumi kuppel, nagu indiaanlased ütlevad, näeb välja nagu "õhu troonilt puhkav pilv".

Mausoleum loodi keiser Shah Jahani tellimusel tema armastatud naise Mumtaz Mahali mälestuseks idamaade parimate arhitektide poolt.

Keskajal õitses raamatu miniatuurikunst, mida rikastasid Iraani näidised. Üks Mogoli koolkonna mälestusmärke - "Baburname" (XVI sajand), sultan Baburi elulugu, on talletatud Moskva riiklikus idakunsti muuseumis.

India kunstiline käsitöö on üks vanimaid maailmas. See riik on iidsetest aegadest tänapäevani kuulus puuvillast ja villast kudumise (seda hinnati isegi muistses Babülonis), elevandiluule ja puidule nikerdamise, metallitöötlemise (tagaajamine, nikerdamine, filigraan, inkrustatsioon), ehete ja lakitoodete poolest.

Inglise kolonisatsioon 18. sajandi lõpus. See peatas riikliku monumentaalarhitektuuri ja skulptuuri arengu, kuid säilitas kohaliku kunstilise käsitöö. Rahvuslikke traditsioone arendanud molbertimaali ja skulptuuri suudeti ellu äratada alles rahvusliku vabanemisliikumise tõusuga 20. sajandi alguses.

India kunstikultuuril on olnud tohutu mõju Kagu- ja Kesk-Aasia riikidele.

Hiina kunstikultuur on arenenud umbes viis aastatuhandet. Selle aja jooksul on loodud väga palju kunstiteoseid. Hiina kultuuri suurus avaldus selles, et hoolimata ajaloolistest murrangutest jäi see tugevatele rahvuslikele traditsioonidele toetudes edasi eksisteerima. Vastupidi, Hiina vallutajad kaotasid oma emakeele ja kirja, langedes täielikult selle kultuurilise mõju alla. Antiikaja ja hiilgeaegade kunstimälestiste rohkus keskaegne kultuur tõeliselt suurejooneline, vaatamata koletutele kaotustele. Ja praegusel ajal on Hiinasse saabujaid hämmastunud iidne kultuur, mis sobib kergesti modernsusega ja mida hoitakse hoolikalt.

II aastatuhandel eKr. e. koos esimeste riigimoodustistega tekkisid õige planeeringuga linnad, mis on säilinud keskajal ja hiljemgi kuni tänapäevani. Ilmub hieroglüüfiline kiri, millest sai lõpuks kalligraafia graafika, mis astus peenesse kunstisünteesi Hiina maalikunst. Sel ajal kujuneb traditsiooniline mütoloogiline sümboolika ning loodus- ja inimelupiltide kunstiline paralleelsus, mis määrab Hiina kunsti ja selle uurimist vajava kunstikeele poeetilised tunnused.

Vana-Hiina II aastatuhande pronks on terviklik kunstimaailm. Savivormides sulatatud ja kuni 600 kg kaaluvaid “looma stiilis” pronksist rituaalseid anumaid töödeldi sellise hoole ja ornamendivirtuoossusega, et nende valmistamise oskus hämmastab omamoodi mõistatusena siiani.

1. aastatuhandel lõid hiinlased kuupäikese kalendri ja maailma esimese tähekataloogi. Ilmuvad vanimad filosoofilistest õpetustest - konfutsianism ja taoism. Konfutsiuse eetilised õpetused koos tema iidsete traditsioonide, esivanemate ja perekondade kultusega propageerisid kultuuris konservatiivsust ja traditsionalismi, taoism aga järgis "tao" - teed, mis peegeldab looduse olemust: muutlikkust ja jõudude pidevat liikumist. muutuvad järk-järgult nende vastandiks. Taoism mõjutas looduskultust Hiina kunstis, seostades kõik inimtegevused loodusnähtustega, valides looduse eeskujuks inimkäitumisele. "Kõrgeim voorus on nagu vesi. Vesi on kasulik kõigile olenditele ja ei võitle” on üks paljudest ütlustest, mida omistatakse legendaarsele taoismi rajajale Lao Tzule.

Hiina maalikunsti tekkele eelnes arenenud skulptuurreljeefide kunst, mille näiteid leiti Hani impeeriumi hiina aadli iidsetest matmistest, paljud teadlased jälgivad Hiina maalikunsti algust just Hani reljeefidest oma friiskompositsiooniga. ja tasapinnaliste siluettide rütmiliste suhete rikkus. Hiina siseneb keskaega (III-IV sajand pKr), millel on stabiilsed traditsioonid erinevates kultuurielu valdkondades.

Rändhõimude pealetungi järgsele elavnemisele, riigi tugevnemisele ja ühinemisele feodaalsel alusel aitas kaasa ka Indiast tulnud uus ideoloogia – budism. Varajane Hiina keskaeg on Hiina ja naaberriikide ja -kultuuride vaheliste aktiivsete suhete, aga ka kunstilise uurimise aeg. Budismi mõjul tekkis monumentaalarhitektuur, skulptuur ja kaljukloostrite, templite ja pagoodide maalimine. Sulandudes iidse ja uue, loovad hiinlased piduliku ja erakordselt dekoratiivse kunstistiili, mis peegeldab keskaegse kultuuri rõõmsat filosoofilist vaimu. Nagu maalikunstnik, oli ka Hiina arhitekt luuletaja ja mõtleja, omas ülevat ja kõrgendatud loodustunnetust. Hiina arhitektuuri ebatavaliselt poeetilise mulje saladus peitub selle oskuslikus paigutuses, mitte eraldiseisvas, vaid laias looduses, nii et metsad ja kauged mäetipud näivad olevat osa tohutust grandioossest kompleksist.

Hiina arhitektide arhitektuurse kavandi laiusest annab tunnistust iidne Hiina müür (ehitatud 6.-3. sajandil eKr), üks maailma arhitektuuri majesteetlikumaid monumente; pärast sajandeid kestnud valmimist ületas müür 3000 km. Põhja-Hiina mägede karm maastik on kooskõlas selle Hiinat põhja poolt kaitsnud strateegilise struktuuri karmi lihtsusega.

Lisaks koobastemplitele, mis on ehitatud sajandite jooksul omamoodi keskaegse skulptuuri ja seinamaali muuseumideks, on laialt levimas budistlikud mälestusmonumendid pühakute ja palverändurite auks – pagoodid.

Alguses India tornitaolisi ehitisi meenutades, 7.-8. Hiina pagoodid eristuvad mitmetasandilise jaotuse ja rahuliku majesteetlikkuse poolest, Kagu-Aasia tornikonstruktsioone aga kiviplastivormide paisumine ning idas - moslemite minarettide kivinõelte lõputu püüdlus ülespoole. Tangi impeeriumi aegade kuulsaim pagood - 60 m kõrgune Dayanta (Suur metshane pagood) koosneb 7 identsest astmest, mis kitsenevad ühtlaselt ülespoole. Selle struktuuri õilsas lihtsuses ja selguses olid ühendatud kõrgendatud vaimne impulss ja mõistus.

Alates 15. sajandist, pärast mongolite väljasaatmist, sai Pekingist Hiina pealinn, Hiina keeles Peking (Põhjapealinn), mis on eksisteerinud enam kui kolm tuhat aastat. Tema plaan, grandioossed paleede, aedade ja templite ansamblid, loodi iidsete mudelite ja ehitusmääruste järgi. Linn asub feng shui geomancia reeglite järgi – iidne ehitiste maapinnale orienteerumise süsteem, mis sõltub tuuleroosist, voolavatest vetest ja ümbritsevatest mäeahelikest. Maanteede ja tänavate rangelt sümmeetrilist paigutust täiendavad efektselt varjulised aiad ja pargid küngastel, vabalt ja maaliliselt laiali laotatud tehisjärved. Linna keskel kõrgub keiserlik palee - "keelatud linn" - muinasjutuline arhitektuuri- ja maastikuaiandusstruktuuride labürint. Palee peahoone - Taihe-dian - Kõrgema Harmoonia paviljon, nagu kõik palee puitpaviljonid, ühendab disaini lihtsuse ja loogilisuse maalilise kaunistuse elegantsiga. Alates 15. sajandist linna kaunistab ka majesteetlik Taevaskoja ansambel, mis on seotud iidsete taeva ja maa kui saagi andjate austamise riitustega. Peahoone – iga-aastase saagikoristuse palvetempel – kolmekordse paksu sinise plaaditud klaasitud koonilise katuse, punaste sammaste ja kõrge valge ümarate marmorkaldteedega terrassiga kõrgub kogu ansambli kohal, nagu väärislapist laotud särav mäetipp. lazuli.

XV-XVII sajandi Hiina arhitektuurile iseloomulik ruumiline mastaap. ja mis on aastatuhandete kogemuse tulemus, on käegakatsutav ka Pekingi lähedal asuvas Mingi dünastia hiiglaslikus nekropolis. Tee selleni kulgeb läbi viieavalise marmorkaare – raja alguse – ja seejärel – kaheksasajameetrise allee, Vaimude tee, mida valvavad loomakujud ja sõdalased – nekropoli valvurid. Matused (igas väravad, templid, hauakambrid ja maa-alused paleed), nagu rohelised oaasid mäeahelike vahel; üksinduse, rahu ja vaikuse kohad.

Maalimist kui kunstiliiki on Hiinas väga austatud juba iidsetest aegadest peale. Säilinud on maalikunstile pühendatud luuletusi ja traktaate, maalide kirjeldusi ja kokkuvõtlikke lugusid maalikunsti meistritest varem lahutamatult seotud ilmaliku ja kultuse teemadel. Religioosne maal kaunistab budistlike templite seinu, ilmalik maal aga siidrullisid ja paleede seinu. Hiina maalikunst on luulega lahutamatult seotud. Enamik maalijaid olid ka luuletajad (Hiina keskajal nõuti haritud inimeselt luuletajat ja muusikut ja maalikunstnikku ja sageli ka filosoofi). Pildi ja pealdise kombinatsioon on eurooplase taju jaoks ebatavaline ning pilt on täiesti ilma raamita, salvestatud kirjarulli kujul spetsiaalsetesse kastidesse ja harvadel juhtudel uurimiseks lahti volditud. Ilmselt kujunes uue ajastu vahetusel välja selline pildirullide vorm, mida on kahte tüüpi. Vertikaalsed rullid ei ületa tavaliselt 3 meetrit, horisontaalsed (panoraam, illustreeriv lugu: kas maastike või linnaelu stseene) ulatuvad 10 meetrini.

Hiina maastikužanr on tuntud kui üks maailmakunsti suurimaid saavutusi. Hiina kunstnik tajub maastikku osana tohutust ja avarast maailmast, kui suurejoonelist kosmost, kus inimisiksus lahustub suure, arusaamatu ja endasse haarava ruumi mõtiskluses. Hiina maalikunstnik kujutab loodust kahes aspektis. Üks - mägede ja vete maastikud - "shanshui", klassikalise Hiina maastiku tüüp pikkadel rullidel, kus pole olulised mitte detailid, vaid üldine filosoofiline ja poeetiline tunnetus maailma suursugususest ja harmooniast. Teine on pigem “lillede ja lindude” žanr, kui väikestel rullidel ja albumilehtedel, lehvikutel ja ekraanidel kujutati lille, lindu oksal, ahvi poega või kiili lootoseõie kohal. Kujutis on vaatajale lõpmatult lähedal ja samas kantud ühtsesse ja terviklikku looduspilti.

Maastikukunstile on pühendatud palju poeetilisi traktaate. "Maalikunstniku teaduse salajases ilmutuses" öeldakse: "Mõnikord pildil ainult jala (pikk) maastik, ta kirjutab sadu tuhandeid miile." Siin räägime vertikaalsetel rullidel ruumi perspektiivse ülesehituse omadustest. Pildi autor vaatleb maad justkui "linnulennult", mistõttu horisont kerkib ebatavalisele kõrgusele - mitmed maastikuplaanid kerkivad üksteise kohal kõrgele, välja tulevad kõige kaugemad objektid. olla kõrgeim. Maastikuplaane eraldab kas veekogu või udune uduvihm; nendevaheline õhuvahe eraldab esiplaani ja tausta lõputuna näiva vahemaaga. Et tugevdada muljet maailma suursugususest, vastandab maalikunstnik pidevalt väikevorme suurtele (puud tunduvad nende jalamil olevate tillukeste inimfiguuride kõrval hiiglaslikud).

Usaldusväärsuse mulje jätab ilmekas, peensusteni läbimõeldud joon, mis loob pildi objektist, selle kujust ja mahust. Hiina meistrid on iidsetest aegadest saati ühendanud lineaartehnikad peenemate pildiliste nüanssidega, kombineerides graafikat ja maali. Hiina maalikunst on vihjekunst, mis äratab fantaasiat, see on detailide kunst, mis rullub lahti filosoofiliseks maailmapildiks, see on sügavalt poeetiline loodust ja inimest spirituaalseks muutev kunst.

Hiina rahvas oma rikkaliku kujutlusvõimega, aastatuhandete jooksul kasvatatud rafineeritud kunstimaitsega lõi suurepäraseid ja imelisi tarbekunsti traditsioone. Piisab, kui mainida Hiina kunstilist portselani, mis oli pikka aega olnud valuuta, olles Hiina monopol ja saladus.

Suutmata tungida hieroglüüfide kirjutamise saladustesse, ei teadnud läänemaailm pikka aega peaaegu Hiina klassikalist luulet. Kahe viimase aastatuhande Hiina poeetide puhas inspiratsiooniallikas on iidne klassikaline "Shijing" - "lauluraamat", mis sisaldab XII-VII sajandi lüürilisi rahvalaule ja rituaalseid hümne. eKr e.

Alates 17. sajandist Hiina kunstitooted Tungivad Euroopasse, portselan ja siid on kulda väärt. Hiina kunsti mõju on tunda rokokoo stiilis ja 19. sajandi äärelinna-pargiarhitektuuris, mis oli vaid pealiskaudne stilisatsioon. Hiina kunsti ja 19. ja 20. sajandi vahetuse Euroopa romantilise sümbolistliku luule traditsiooni vahel on sügavamad seosed. Sümbolistide poeedid märkisid, et vana Hiina maal "jätab reaalsuse ärkveloleku unenägude jaoks", Hiina kunstnikel on võime "objekte võluda", kujutada neid tunnete, kogemuste, mälestuste abil.

Jaapani kunst on iseseisev ajalooline kunstiliik. Selle päritolu on aegade jooksul kadunud. Pikaajaline kummardus iidne Jaapan midagi polnud teada. Alles XX sajandi alguses. leitud mälestised II-I aastatuhandel eKr. e. Pikaajaline antiikkultuuri periood alates 4. aastatuhandest eKr. e. peaaegu kuni uue ajastu alguseni kutsuti seda iidse keraamika valmistamise meetodist lähtuvalt Jomoniks ("köie jälg"). Rituaalinõud olid iidse inimese jaoks väärtuslik teadmistepagas maailma, selle elementide, maagilise seose kohta inimese ja universumi vahel. Teadlaste arvates kuuluvad savist kujukesed – dogud – viljakusejumalad, põllumajanduse algusaegadesse.

Arvatakse, et Jaapan andis maailmakultuuri kõige olulisema panuse feodaalse keskaja ajastul (6.-8. kuni 19. sajandi keskpaigani), olles kogenud Korea ja eriti Hiina tugevat kultuurilist mõju. Arendati välja kõik Hiina kunsti põhijooned, kuid rahvusliku kunstistiili kujunemine seisnes mõjutuste ületamises ja teatud Hiinast laenatud kunstiliikide kõrge täiuseni viimises. Jaapani kultuuri eripäraks on selle demokraatia. Erilist tähtsust peeti erinevate ühiskonnakihtide eluruumide interjööri kunstilisele kujundamisele.

Kõigil pika keskaja perioodidel loodi silmapaistvaid kunstiteoseid. VII-VIII sajandil. - need on budistlike kloostrite arhitektuuri- ja skulptuuriansamblid.

Vanaaegse seaduse järgi ehitati pühakodasid 20 aastat, seejärel need hävitati ja sama plaani järgi ehitati uued. Vanimad šintoistlikud templid (“šintoism” – “jumalate tee”, vanim rahvuslik polüteistlik religioon) ehitati väärispuust. Budism, mis alates VI sajandist. muutub riigireligiooniks, määras ette arhitektuuri grandioosse ulatuse. Kuulus on Horyuji tempel, iidse pealinna Nara lähedal asuv Kuldne tempel ja maailma suurim puithoone – “Todaiji tempel. "Suur idamaine tempel", riigi peamine pühamu, mille sees on tohutu pronksist Buddha kuju. Budistlikud templikompleksid said esimeste linnaliste asulate prototüübiks.

IX-XII sajandil. ilmub ja õitseb jaapani ilmalik maalikunst – yamato-e. Siidile ja paberile, erksate värvidega, millele on lisatud kulda ja hõbedat, maalisid kunstnikud maastikke, õukonnastseene, mõnikord illustreerisid oma kaasaegsete kuulsaid romaane. Laual vaadati pilte horisontaalrullide kujul - zkimono - ja vertikaalsed - kakimono - kaunistasid esiruumide seinu. Yamato-e ("Jaapani maal") maalid jätavad piduliku ehte mulje.

Iidse keskaja ajastul loodi maastikuarhitektuuri originaalteosed - kuulsad Jaapani aiad. Tuntuimad on "samblaaed" ja budistlik "kiviaed" Kyotos (XVI sajand). Budismi omapärane kombinatsioon iidse religiooniga aitas kaasa traditsioonilise Jaapani esteetika – loomulike, looduslike vormide – kujunemisele. Eesmärk on luua parimad tingimused loodusega seotud assotsiatsioonide mõtisklemiseks ja kogemiseks. Puid kasvatati nii, et lehestiku kuju ja värv oleksid kontrastsed, varjamata öösel välja tulnud kuud. Palm pidi olema akna kõrval, et vihma ajal “piiskade muusikat” kuulata ja aiasügavuses oleva kose juurde olid kivid laotud, et veekohin oleks kuulda. kaugelt. Nendesse aedadesse, ümbritsevatesse paleedesse ja paviljonidesse ehitati onnid luule- ja kunstivestlusteks ning kuulsate teetseremooniate - tyanoy - läbiviimiseks. Üks kuulsamaid neist paviljonidest on Kyoto kuldne paviljon (XV sajand).

XVII-XVIII sajandil. ilmus tähelepanuväärseid töid paleede ekraanide ja seinte dekoratiivmaalide vallas. Rullidele maalimisel välja kujunenud laitmatu joonte täpsus sai ekraanide maalimisel iga silueti väljendusrikkuse võtmeks, värvilaikude range rütmilise järjestamise juurde; rullide peen dekoratiivsus omandas siin monumentaalsuse jooni.

Keskaja lõppjärku iseloomustas puugravüüride õitseng – puugravüürid, mis toimisid nii teatriplakatina, raamatuillustratsioonina, õnnitluskaardina kui ka lihtsalt igapäevaelu kaunistustena. Loovuse kollektiivsus, aga ka iga löögi teostamise virtuoossus, üldine kompositsioon ja kõlav värvigamma muudavad graveeringu seotuks maalikunsti (yamato-e) ja dekoratiivkunstiga. Kitagawa Utamaro ("Kuus kuulsat kaunitari") ja Katsushika Hokusai ("Teekond läbi erinevate provintside koskede") on tunnustatud gravüürimeistritena.

Jaapani esteetika ütleb: "Kõik üleliigne on kole." Seetõttu on Jaapani interjööris erinevalt Euroopa omast esemeid minimaalselt: kui on vaas, siis kindlasti üks, ikebana stiilis kimp - üks, ekraan - üks, kalligraafilise kirjaga rull. või ühe hieroglüüfiga seinal - ka üks.

NETSUKE dekoratiivkunst oli Jaapanile omane – luust ja puidust kujukesed (võtmehoidjad), mis kujutasid kas tarkusejumalat või tsikaadi lehel või lõbujumalanna maski. Üldiselt linnaelanik XVII-XIX sajandil. oli kõrge konventsionaalsuse tajumise kultuur religioossete ja folkloorisümbolitega seotud kunstis ning igapäevaelus ümbritses teda maalikunst ning kunst ja käsitöö. Ta nautis Kabuki teatri näitlejate tinglikku mängu, ta ise lõi kolm rida - haiku ja viis rida - tanka, oskas hinnata Monzaemoni ja Basho poeetilist meistriteost.

Jaapani kunst on Euroopat mõjutanud umbes 17. sajandist, mil Inglismaale ilmus Jaapani stiilis mööbel.

19. sajandil Entusiastlikke artikleid Jaapani kunstist kirjutasid prantsuse vennad Goncourtid ja peagi sai “japonismidest” Pariisi mood. Suured Jaapani gravüüride kogud kogusid kirjanik E. Zola, maalikunstnikud E. Manet ja E. Degas. Eksootilise maailma vastukaja kõlab C. Debussy impressionistlikus muusikas. Venemaal toimus esimene Jaapani kunsti näitus Peterburi Kunstiakadeemia saalides 1896. aastal.

India, Hiina ja Jaapani kunstikultuur on iseseisev nähtus maailmakunstis, mis avaneb ainult sügava uurimise ja peene tungimisega ida kunstimaailma.

Põhja-Kaukaasia Riiklik Tehnikaülikool

ESSEE

Teemal: "Humanismi idee ajalugu"

Õpilasrühm ASU-01-2

Baraševa Vassili.

Vladikavkaz, 2001

Mõiste "humanism" pärineb ladinakeelsest sõnast "humanitas" (inimkond), mida kasutati juba 1. sajandil eKr. eKr. kuulus Rooma kõnemees Cicero (106-43 eKr). Tema jaoks on humanitas inimese kasvatamine ja harimine, tema ülendamisele kaasaaitamine.

Humanismi põhimõte eeldas suhtumist inimesesse kui kõrgeimasse väärtusesse, austust iga indiviidi väärikuse, tema õiguse vastu elule, vabale arengule, oma võimete realiseerimisele ja õnneotsingutele. Humanism eeldab kõigi põhiliste inimõiguste tunnustamist, jaatab indiviidi hüve kõrgeima kriteeriumina igasuguse sotsiaalse tegevuse hindamisel.

Maailmakultuuri tunnusena avaldus humanism iidne maailm. Juba Egiptuse Vanariigi ajastust (3. aastatuhat eKr) on meieni jõudnud sellised väited nagu preester Sheshi kiri: "Ma päästsin õnnetu tugevama käest ... näljasele andsin leiba, riideid alasti. Vedasin oma paadiga, kelle matsin oma poja, kellel polnud poega..." Suur hulk selliseid tekste annavad tunnistust tugeva humanistliku voolu olemasolust, mis läbis Vana-Egiptuse kultuuri.

Muistsed egiptlased suutsid välja töötada märkimisväärsed indiviidi moraalse käitumise põhimõtted, humanismi. Amenemoni tarkuseraamatud annavad tunnistust väga kõrgest moraalitasemest. Vana-Egiptuse kultuuris on kõik sukeldunud religioossuse õhkkonda, kuid samal ajal on kõigel võimsad juured puhta inimkonna sügavustes.

Kultuurisuunana tekkis humanism 14. sajandil Itaalias ja alates 15. sajandist levis Lääne-Euroopasse. Renessansist ehk renessansist (prantsuskeelsest sõnast renaitre – uuesti sündima) on saanud üks silmatorkavamaid ajastuid Euroopa kultuuri arengus, hõlmates peaaegu kolme sajandit alates 14. sajandi keskpaigast. kuni 17. sajandi esimeste kümnenditeni. See oli suurte muutuste ajastu Euroopa rahvaste ajaloos. Linnatsivilisatsiooni kõrge taseme tingimustes algas kapitalistlike suhete tekkimise protsess ja feodalismi kriis, rahvuste kujunemine ja suurte rahvusriikide teke, tekkis uus poliitilise süsteemi vorm - absoluutne monarhia, uus. tekkisid sotsiaalsed rühmad – kodanlus ja palgatud töölised. Muutus ka inimese vaimne maailm. Renessansiajastu meest haaras enesejaatuse, suurte saavutuste janu, ta osales aktiivselt avalikus elus, taasavastas loodusmaailma, püüdles selle sügava mõistmise poole, imetles selle ilu. Renessansiajastu kultuuri iseloomustab ilmalik maailmatunnetus ja -mõistmine, maise olemasolu väärtuse, inimese mõistuse ja loominguliste võimete suuruse ning indiviidi väärikuse kinnitamine. Renessansi kultuuri ideoloogiline alus oli humanism.

Humanistid seisid ühiskonna vaimses elus vastu katoliku kiriku diktatuurile. Nad kritiseerisid formaalsel loogikal (dialektikal) põhinevat skolastilise teaduse meetodit, lükkasid tagasi selle dogmatismi ja usu autoriteetidesse, vabastades sellega tee teadusliku mõtte vabale arengule. Alguses avaldus see ilmalike väärtuste kaitsmises askeetliku keskaegse kiriku rõhumise eest. Mõned Itaalia ülikoolid on pöördunud tagasi iidse kultuuri- ja teaduspärandi juurde, mis keskajal pooleldi unustatud ja tagasi lükatud. Inimese vaimse olemuse parandamisel määrati põhiroll distsipliinide kompleksile, mis koosnes grammatikast, retoorikast, luulest, ajaloost ja eetikast. Just need distsipliinid said renessansikultuuri teoreetiliseks aluseks ja neid nimetati "studia humanitatis" (humanitaarsed distsipliinid). Ladinakeelne mõiste "humanitas" tähendas siis soovi arendada inimväärikust, vaatamata kõige inimeluga seonduva tähtsuse pikale halvustamisele. Ideaali nähti valgustatuse ja tegevuse harmoonias.

Humanistid kutsusid üles uurima antiikkultuuri, mida kirik eitas paganlikuna, tajudes sellest ainult seda, mis ei ole vastuolus kristliku õpetusega. Muinaspärandi taastamine ei olnud nende jaoks eesmärk omaette, vaid oli otsuse aluseks tegelikud probleemid kaasaegsus, et ehitada üles uus kultuur. Renessansikirjanduse sünd XIV sajandi teisel poolel. seotud Francesco Petrarchi ja Giovanni Boccaccio nimedega. Nad kinnitasid humanistlikke ideid indiviidi väärikusest, sidudes seda mitte suuremeelsusega, vaid inimese vaprate tegudega, tema vabadusega ja õigusega nautida maise elu rõõme.

Humanismi rajajaks peetakse üksmeelselt poeeti ja filosoofi Francesca Petrarchi (1304-1374). Petrarka oli esimene suur humanist, poeet ja kodanik, kes suutis näha renessansieelsete mõttevoolude terviklikkust ja ühendada need poeetiliseks sünteesiks, millest sai tulevaste Euroopa põlvkondade programm. Oma tööga õnnestus tal sisendada nendesse Lääne- ja Ida-Euroopa eriilmeliste hõimude tulevastesse põlvkondadesse – kuigi mitte alati selge – teadvus teatud vaimsest ja kultuurilisest ühtsusest, mille kasulik mõju kajastub ka meie uusajal.

Tema töös - algus paljudele viisidele, kuidas Itaalia renessansikultuuri areng kulges. Oma traktaadis "Oma ja paljude teiste teadmatusest" lükkab ta resoluutselt tagasi keskajale omase skolastilise stipendiumi, millega seoses kuulutab trotslikult oma oletatavat teadmatust, kuna peab sellist stipendiumit täiesti kasutuks inimese jaoks. tema aeg.

Mainitud traktaadis avaldub põhimõtteliselt uus lähenemine muinaspärandi hindamisele. Petrarchi sõnul ei võimalda kirjanduse, kunsti, teaduse uuele õitsengule jõuda tähelepanuväärsete eelkäijate mõtete pime matkimine, vaid soov tõusta antiikkultuuri kõrgustesse ning samal ajal ümber mõelda ja ületada. seda mingil moel. Sellest Petrarka visandatud joonest sai juhtiv suund humanismi ja iidse pärandi suhetes.

Esimene humanist uskus, et inimese teadused peaksid saama tõelise filosoofia sisuks, ja kogu tema töös on üleskutse suunata filosoofia ümber sellele väärilisele teadmiste objektile.

Oma arutlustega pani Petrarka aluse renessansiajastu isikliku eneseteadvuse kujunemisele. Erinevatel ajastutel realiseerib inimene ennast erineval viisil. Keskaegset inimest peeti inimesena väärtuslikumana, mida enam vastas tema käitumine korporatsioonis omaksvõetud normidele. Ta kinnitas end kõige aktiivsema kaasamise kaudu sotsiaalsesse gruppi, korporatsiooni, Jumala poolt kehtestatud korda – selline on üksikisikult nõutav sotsiaalne võimekus. Renessansiajastu inimene loobub järk-järgult universaalsetest keskaegsetest kontseptsioonidest, pöördudes konkreetse, individuaalse poole.

Humanistid töötavad välja uut lähenemist inimese mõistmisele, milles tegevuskontseptsioonil on tohutu roll. Inimisiksuse väärtust nende jaoks ei määra mitte päritolu ega sotsiaalne kuuluvus, vaid isiklikud teened ja selle tegevuse viljakus.

Selle lähenemise ilmekaks kehastuseks võib olla näiteks kuulsa humanisti Leon Battista Alberta (1404-1472) mitmekülgne tegevus. Ta oli arhitekt, maalikunstnik, kunstiteemaliste traktaatide autor, sõnastas pildilise kompositsiooni põhimõtted – värvide tasakaalu ja sümmeetria, žestide ja tegelaste pooside. Alberti sõnul suudab inimene saatuse keerdkäikudest jagu saada ainult oma tegevusega. "Võidab see, kes ei taha kergesti lüüa. See, kes on harjunud kuuletuma, talub saatuse ikke.

Humanistlik mõtlemine 15. sajandi teisel poolel. rikastatud uute ideedega, millest olulisim oli idee indiviidi väärikusest, mis näitab inimese erilisi omadusi võrreldes teiste olenditega ja tema erilist positsiooni maailmas. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) asetab oma kõnekas kõnes inimese väärikuse kohta ta maailma keskmesse:

"Me ei anna sulle, Aadam, ei sinu enda kohta ega teatud kuju ega erilist kohustust, et sul oleks koht, inimene ja kohustused vabast tahtest, vastavalt sinu tahtmisele ja otsusele. .”

Väidetakse, et Jumal (vastupidiselt kiriklikule dogmale) ei loonud inimest oma näo ja sarnasuse järgi, vaid andis talle võimaluse luua iseennast. Humanistliku antropotsentrismi kulminatsiooniks on Pico idee, et inimese väärikus seisneb tema vabaduses: temast võib saada kelleks ta tahab.

Inimese väge ja tema suurust ülistades, tema hämmastavat loomingut imetledes jõudsid renessansiajastu mõtlejad paratamatult inimese lähenemiseni Jumalale.

“Inimene taltsutab tuuli ja vallutab mered, teab ajaarvestust... Lisaks muudab ta lambi abil öö päevaks. Lõpuks ilmneb inimese jumalikkus meile võluväel. Ta loob inimese kätega imesid – nii neid, mida saab luua loodus, kui ka neid, mida saab luua ainult Jumal.

Giannozzo Manetti (1396-1472), Marsilio Ficino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494) jt sellistes arutlustes ilmnes humanistliku antropotsentrismi kõige olulisem tunnus - kalduvus jumaldada. isik.

Humanistid polnud aga ketserid ega ateistid. Vastupidi, valdav enamus neist jäi usklikuks. Aga kui kristlik maailmavaade väitis, et kõigepealt peab olema Jumal ja siis inimene, siis humanistid tõid esiplaanile inimese ja rääkisid siis jumalast.

Jumala kohalolu ka kõige radikaalsemate renessansi mõtlejate filosoofias eeldas samal ajal kriitilist suhtumist kirikusse kui sotsiaalsesse institutsiooni. Humanistlik maailmavaade hõlmab seega ka antiklerikaalseid (ladina keelest anti - vastu, clericalis - kirik) vaateid, s.o vaateid, mis on suunatud kiriku ja vaimulike pretensioonidele ühiskonnas domineerimisele.

Lorenzo Valla, Leonardo Bruni (1374-1444), Poggio Bracciolini (1380-1459), Rotterdami Erasmuse (1469-1536) jt kirjutised sisaldavad kõnesid paavsti ilmaliku võimu vastu, paljastades paavstide ministrite pahed. kirik ja kloostri moraalne rikutus. See aga ei takistanud paljudel humanistidel saamast kiriku ministriteks ja kaks neist – Tommaso Parentuchelli ja Enea Silvio Piccolomini – püstitati isegi 15. sajandil. paavsti troonile.

Pean ütlema, et kuni XVI sajandi keskpaigani. humanistide tagakiusamine katoliku kiriku poolt on äärmiselt haruldane nähtus. Uue ilmaliku kultuuri eestvõitlejad ei kartnud inkvisitsiooni tuld ja olid tuntud kui head kristlased. Ja ainult reformatsioon – (lat.reformatio – transformatsioon) usu uuendamise liikumine, mis pöördus paavstluse vastu – sundis kirikut pealetungile.

Reformatsiooni ja renessansi suhe on vastuoluline. Ühelt poolt seostas renessansiajastu humaniste ja reformatsiooni esindajaid sügav vastumeelsus skolastika vastu, janu religioosse uuenemise järele, idee naasta algte juurde (ühel juhul muistsesse, teine ​​evangeeliumile). Teisest küljest on reformatsioon protest renessansiaegse inimese ülendamise vastu.

See ebakõla ilmneb täielikult reformatsiooni rajaja Martin Lutheri ja hollandi humanisti Erasmuse Rotterdami seisukohtade võrdlemisel. Erasmuse mõtted kordavad sageli Lutheri mõtteid: see on nii sarkastiline pilk katoliku hierarhide privileegidele kui ka kaustilised märkused Rooma teoloogide mõtteviisi kohta. Kuid nad ei nõustunud vaba tahtega. Luther kaitses ideed, et Jumala ees pole inimesel tahet ega väärikust. Ainult siis, kui inimene mõistab, et ta ei saa olla oma saatuse looja, saab ta päästetud. Usk on päästmise ainus ja piisav tingimus. Erasmuse jaoks ei tähendanud inimese vabadus vähemat kui Jumalat. Pühakiri on tema jaoks Jumala üleskutse inimesele ja viimasel on vabadus sellele vastata või mitte.

Nii või teisiti, keskaega asendanud renessanss “ehitas” kristlikule eetikale ja aitas kaasa edasine areng humanism.

Humanismi ideede areng Venemaal.

Juba 18. sajandi esimeste märkimisväärsete vene poeetide – Lomonossovi ja Deržavini – hulgas leiame sekulariseerunud natsionalismi koos humanismiga. Enam ei inspireeri neid Püha Venemaa, vaid Suur Venemaa; rahvuslik eros, joovastus Venemaa suurusest on täielikult seotud Venemaa empiirilise eksistentsiga ilma igasuguse ajaloolise põhjenduseta. Selles pöördumises Venemaale on loomulikult vastureaktsioon lääne pimedale kummardamisele ja tõrjuvale suhtumisele kõigesse venelikku, mis nii selgelt väljendus vene voltairismis. Lomonosov oli tulihingeline patrioot ja uskus, et:

Võib-olla Platoni oma

Ja nobedad Newtonid

Vene maa sünnitama.

Deržavin, tõeline "Vene hiilguse laulja", kaitseb inimese vabadust ja väärikust; luuletustes, mis on kirjutatud Katariina II (tulevase keisri Aleksander I) pojapoja sünni puhul, hüüatab ta:

Olge oma kirgede peremees

See puhta humanismi motiiv on üha enam muutumas uue ideoloogia kristalliseerumistuumaks. Et mitte uppuda siin käsitletavasse mõõtmatusse materjali, peatugem vaid kahel 18. sajandi vene humanismi eredal esindajal - Novikovil ja Radištševil.

Novikov (1744-1818) sündis vaese mõisniku perre, sai kodus üsna viletsa hariduse, kuid nägi palju vaeva eneseharimisega. 25-aastaselt asus ta välja andma ajakirja ("Truten"), milles näitas end suure sotsiaalse intuitsiooniga mehena, kirgliku vene elu erinevate valede paljastajana ja tulihingelise idealistina. Võideldes lääne pimeda kummardamisega, naeruvääristades tolleaegse vene elu julmi kombeid, kirjutab Novikov sügava kurbusega vene talupoegade raskest olukorrast. Mõttetöö kulges tollastele "läänlastele" reageerimise ja uue rahvusliku identiteedi kujunemise märgi all. Kuid 18. sajandi humanismis hakkasid venelased üha enam välja tooma moraali põhitähendust ja isegi kuulutama moraali ülimuslikkust mõistuse ees. Pedagoogilistes unistustes, mis olid 18. sajandi Venemaal nii lähedal utoopilisele plaanile "luua uus tõug inimesi", oli esikohal "kõige elegantsema südame arendamine", mitte mõistus, areng. "kalduvusest headuse poole". Fonvizin "Aluskasvus" isegi väljendab sellist aforismi: "Mõistus, kuni see on ainult mõistus, on kõige tühiasi, mõistuse otsene hind annab head kombed." Nendes sõnades väljendub väga tüüpiliselt moralism kui vene teadvuse omamoodi uus joon.

Pöördugem 18. sajandi vene humanismi teise ereda eksponendi - A. N. Radištševi poole, kelles leiame veelgi filosoofilisemat sisu.

Radištševi nime ümbritseb märtrisurma oreool (nagu ka Novikov), kuid peale selle sai Radištševist vene intelligentsi järgmiste põlvkondade jaoks omamoodi lipukiri, särav ja radikaalne humanist, ülimuslikkuse tulihingeline pooldaja. sotsiaalsest probleemist.

Radištšovi kehastuses on meil tegemist tõsise mõtlejaga, kes teistel tingimustel oleks võinud filosoofias palju väärtust anda, kuid tema saatus oli ebasoodne. Samal ajal sai Radištševi looming järgmistes põlvkondades ühekülgset kajastust – temast sai Vene radikaalse liikumise "kangelane", särav talupoegade vabastamise eest võitleja, vene revolutsioonilise natsionalismi esindaja. Kõik see oli muidugi temas endas; Vene natsionalism, enne teda sekulariseerunud, neelab Radištševis "loomuseaduse" radikaalsed järeldused, muutub selle revolutsioonilise käärimise kasvukohaks, mis esmakordselt ilmnes selgelt Rousseau's.

Radištševi raske saatus annab talle õiguse 18. sajandi vene rahvusliku liikumise ajaloolaste eksklusiivse tähelepanu alla – ta on kahtlemata selle liikumise tipp, kui radikalismi särav ja tulihingeline esindaja. Mõtte sekulariseerimine kulges 18. sajandil Venemaal väga kiiresti ja viis varem kirikliku radikalismi eest seisnute järeltulijate ilmaliku radikalismini. Radištšev toetus teistest elavamalt, kuidagi terviklikumalt kui teised loomuõiguse ideedele, mis 18. sajandil sulandusid rousseauismiga, kaasaegse ebatõe kriitikaga. Kuid loomulikult polnud Radištšev selles üksi – ta väljendas uut ideoloogiat ainult teistest elavamalt, kinnitas sotsiaalse ja moraalse teema ülimuslikkust uue ideoloogia ülesehitamisel teistest täielikumalt. Kuid Radištšev tuleb ennekõike seostada viimase ülesandega – vaba, mittekirikliku, sekulariseerunud ideoloogia arendamisega. Järjekorras oli selle ideoloogia filosoofiline põhjendus – ja Radištšev püüdis esimesena sellele iseseisvat põhjendust anda (loomulikult lääne mõtlejatele toetudes, aga neid omal moel sünteesides). Natsionalismi ja humanismi piirides arenev Radištšev on läbi imbunud tulihingelisest vabaduse paatosest ja asjade "loomuliku" korra taastamisest.

Venemaa loominguliste jõudude vaimses mobilisatsioonis mängis tohutut rolli 18. sajandi ja 19. sajandi alguse Venemaa vabamüürlus. Ühelt poolt tõmbas see ligi inimesi, kes otsisid vastukaalu 18. sajandi ateistlikele vooludele, ja oli selles mõttes tolleaegse vene rahva religioossete nõudmiste väljendus. Teisest küljest oli vabamüürlus, mis võlus oma idealismi ja õilsate humanistlike unistustega inimkonna teenimisest, ise kirikuvälise religioossuse nähtus, mis oli vaba igasugusest kiriku autoriteedist. Võttes kinni Venemaa ühiskonna olulistest osadest, tõstis vabamüürlus kahtlemata hinges loomingulisi liikumisi, oli humanismi koolkond ja samal ajal äratas intellektuaalseid huvisid. Vabamüürlus, mis annab ruumi vaimu vabale otsingule, vabanes pealiskaudsest ja vulgaarsest vene voltairismist.

Vabamüürlusest toidetud humanism on meile juba tuttav N. I. Novikovi kuju järgi. Selle humanismi keskmes oli reaktsioon ajastu ühekülgsele intellektualismile. Lemmikvalemiks oli siin idee, et "valgustus ilma moraaliideaalita kannab endas mürki". Siin on muidugi lähedus Rousseau jutlustamisele, tunnete ülistamisele – aga vastukaja on ka Lääne-Euroopas sellel suundumusel, mida seostati inglise moralistidega, "esteetilise inimese" kujunemisega (eriti Inglismaal ja Saksamaal), st kõigega, mis eelnes romantismi tekkele Euroopas. Aga siin mõjutasid muidugi ka erinevad okultsed voolud, mis just Euroopa valgustusaja kõrgajal pead tõstsid. Vabamüürlusega seotud vene humanismis mängisid olulist rolli puhtalt moraalsed motiivid. Sellega seoses humanism XVIII sajand on tihedas seoses 19. sajandi vene ajakirjanduse moraalse patetismiga.

Pöördudes vabamüürluse religioossete ja filosoofiliste voolude juurde, märgime, et vabamüürlus on meie riigis levinud alates 18. sajandi keskpaigast – Elizabethi valitsemisajast. Venemaa kõrgseltskond oli selleks ajaks juba täielikult lahkunud oma põlise antiigist. Mõned armastasid odavat "voltairismi", nagu Boltin ütles, mõned läksid natsionalistlikele huvidele, puhtale humanismile ja aeg-ajalt teaduslikele tegevustele (eriti Venemaa ajaloole). Kuid oli teistsuguseid inimesi, kellel olid vaimsed vajadused ja kes kogesid valusalt kirikuteadvusest lahkumisega tekkivat tühjust. Vabamüürluse edu Venemaa ühiskonnas näitas, et selliseid inimesi oli palju: vabamüürlus avas neile tee kontsentreeritud vaimsele elule, tõsisele ja ehtsale idealismile ning isegi usuelule (väljaspool kirikut siiski). Tõlke- ja vabamüürlaste originaalkirjanduses ilmneb üsna selgelt peamine religioosne ja filosoofiline teema: õpetus inimese varjatud elust, elu varjatud tähendusest üldiselt. Siin ühinesid teoreetiline ja praktiline huvi; See müstiline metafüüsika oli eriti atraktiivne tänu oma sõltumatusele ametlikust kirikuõpetusest ja samal ajal selgest paremusest ajastu praeguste teaduslike ja filosoofiliste õpetustega võrreldes. Vene ühiskonna jaoks tundusid vabamüürluses avaldatud õpetused olevat just modernsuse ilming – selle sügavamal kulgemisel. Vabamüürlus, nagu kogu sekulariseerunud kultuur, uskus "kuldajastusse", mis on kulgemas, kutsus üles loovusele, "filantroopiale". Vene vabamüürluses kujunesid välja kõik tulevase "arenenud" intelligentsi põhijooned - ja siin oli esikohal moraali ülimuslikkus ja ühiskonna teenimise kohustuse teadvus, üldiselt praktiline idealism. See oli ideoloogilise elu ja ideaali aktiivse teenimise tee.

Kaasaegses filosoofias on alates 19. sajandi lõpust toimunud elu- ja mõttemuutustega üha kiirenevusega seatud kahtluse alla paljud põhimõtted, sealhulgas klassikaline humanism.

Eksistentsialismi filosoofia (hilisladina keelest existentia - olemasolu) näib olevat omamoodi uue laine humanism. Kaasaegse eksistentsialismi eksistentsiaalse mõtte isa oli Martin Heidegger. Tal oli otsustav mõju ka prantsuse eksistentsialismile.

Eksistentsialismi keskseks teesiks on väide, et "inimeksistentsi olemus peitub eksistentsis, kuritegevuses", kõigist teistest olenditest ja iseendast kaugemale minemises .. See ei tähenda ainult seda, nagu tahtis Sartre näidata oma essees "Eksistentsialism on humanism", inimene on maailmale avatud, ega ole seotud ettemääratusega ... aga ka sellega, et inimese sees on pidev kuritegu, lõputu hüppeline tõus.

Heidegger vastandab oma kontseptsiooni traditsioonilisele humanismile 18.-19. sajandi ratsionaalsel ja optimistlikul kujul, aga ka muutumatute väärtuste jaatamise dogmaatilisele vormile. Humanismi kummutab ta aga mitte antihumanismi, vaid inimese olemasolu, tema mittetäielikkuse, loominguliste teadmiste nimel.

Eksistentsialism on karm ja kaine filosoofia, selle uurimise keskmes on inimene, kes tänu kahe maailmasõja kogemusele on muutunud ideoloogiavaenulikuks, inimene, kelle jõud on piisav eksisteerimiseks ja ühe eesmärgi poole püüdlemiseks: väliselt. ja sisemiselt oma saatusekoormaga toime tulla.

Humanism tõi eetilist mõtlemisse inimese ja maise elu loomupärase väärtuse tunnustamise. Siit arenesid järk-järgult välja ideed õnnest, õiglusest ja inimeste võrdsusest. Tahes või tahtmata, kuid renessansi humanistlik kulg aitas kaasa üksikisiku õiguste kehtestamisele ja eelkõige õiguse tunnustamisele õnnelikule elule. Ei tohiks olla üllatav, et humanism muutus tulevikus orgaaniliselt filantroopiaks, edendades suhetes leebust, kaastunnet, halastust, sõbralikkust ja lõpuks ka tolerantsust teisitimõtlejate suhtes. Paljud filosoofilised voolud on neelanud humanismi jooni. Humanism kui nähtus osutus ajalooliselt muutuvaks vaatesüsteemiks. Pärinedes kunstist, sillutas see teed teadusele, teadus- ja tehnoloogiarevolutsioonile, aitas kaasa majandusbuumile, haridusele, sotsiaalsetele muutustele ja revolutsioonidele.

Kasutatud kirjanduse loetelu:

1. L.M. Bragina "Itaalia humanitaartöötajate sotsiaal-eetilised vaated

nists" (15. sajandi teine ​​pool) MGU kirjastus, 1983

2. Esseed vene eetilise mõtte ajaloost. M., "Teadus", 1976

3. Keskaja ja renessansi kultuuriloost. Kirjastus "Teadus", M., 1976

4. Esteetika. Sõnavara. Politizdat, M., 1989

Saada oma head tööd teadmistebaasi on lihtne. Kasutage allolevat vormi

Üliõpilased, magistrandid, noored teadlased, kes kasutavad teadmistebaasi oma õpingutes ja töös, on teile väga tänulikud.

Majutatud aadressil http://www.allbest.ru/

Sissejuhatus

humanism renessansi kultuur

Mõiste "humanism" pärineb ladinakeelsest sõnast "humanitas" (inimkond), mida kasutati juba 1. sajandil eKr. eKr. kuulus Rooma kõnemees Cicero (106-43 eKr). Tema jaoks on humanitas inimese kasvatamine ja harimine, tema ülendamisele kaasaaitamine.

Humanismi põhimõte eeldas suhtumist inimesesse kui kõrgeimasse väärtusesse, austust iga indiviidi väärikuse, tema õiguse vastu elule, vabale arengule, oma võimete realiseerimisele ja õnneotsingutele. Humanism eeldab kõigi põhiliste inimõiguste tunnustamist, jaatab indiviidi hüve kõrgeima kriteeriumina igasuguse sotsiaalse tegevuse hindamisel.

Kultuurisuunana tekkis humanism 14. sajandil Itaalias ja alates 15. sajandist levis Lääne-Euroopasse. Renessansist ehk renessansist (prantsuskeelsest sõnast renaitre – uuesti sündima) on saanud üks silmatorkavamaid ajastuid Euroopa kultuuri arengus, hõlmates peaaegu kolme sajandit alates 14. sajandi keskpaigast. kuni 17. sajandi esimeste kümnenditeni. See oli suurte muutuste ajastu Euroopa rahvaste ajaloos. Linnatsivilisatsiooni kõrge taseme tingimustes algas kapitalistlike suhete tekkimise protsess ja feodalismi kriis, rahvuste kujunemine ja suurte rahvusriikide teke, tekkis uus poliitilise süsteemi vorm - absoluutne monarhia, uus. tekkisid sotsiaalsed rühmad – kodanlus ja palgatud töölised. Muutus ka inimese vaimne maailm. Renessansiajastu meest haaras enesejaatuse, suurte saavutuste janu, ta osales aktiivselt avalikus elus, taasavastas loodusmaailma, püüdles selle sügava mõistmise poole, imetles selle ilu. Renessansiajastu kultuuri iseloomustab ilmalik maailmatunnetus ja -mõistmine, maise olemasolu väärtuse, inimese mõistuse ja loominguliste võimete suuruse ning indiviidi väärikuse kinnitamine. Renessansi kultuuri ideoloogiline alus oli humanism.

Eesmärk: mõista, millist rolli mängisid humanismi ideed renessansikultuuri kujunemisel.

1. Uurida ja analüüsida selleteemalisi kirjandusallikaid;

2. Defineerige mõiste humanism;

3. Analüüsida renessansiajastu humanistide tööd;

4. Avaldada humanistlike ideede mõju renessansi kultuurile;

Teema: Revival kultuur.

Objekt: Humanistide loovus.

1. "Renessansi" mõiste ja ajastu periodiseerimine

Keskaega või õigemini üleminekuperioodi keskaegsest kultuurist uusaja kultuurile (XIV-XVII sajand) nimetatakse renessansiks.

Sel ajal valitsevad ühiskonnas antifeodaalsed meeleolud, humanistlikud maailmavaated ja pöördumine antiikaja kultuuripärandi poole. Sellest ka nimi "taaselustamine". Taastumine tekkis ja avaldus kõige selgemini Itaalias.

Kunstis ilmusid humanistliku eetika ja realismi elemendid. Renessansi kunst jaguneb 4 etappi: eelrenessanss, vararenessanss, kõrgrenessanss, hilisrenessanss. Kronoloogilised piirid sisse erinevad riigid ei sobi ajalooliste asjaolude tõttu. Nii et renessanss Euroopa põhjamaades on Itaaliaga võrreldes hiline. Rozin V. M. Sissejuhatus kultuuriuuringutesse. M.: Infa-M Foorum, 2000. Lk.158

Renessansiajastu kultuur peegeldas üleminekuajastu eripära. Vana ja uus põimusid selles sageli veidralt, esindades omapärast, kvalitatiivselt uut sulamit. Renessansiajastu kultuur on humanistlikust maailmavaatest lahutamatu. Renessansiajal ei olnud teatud teaduse ja kultuuri valdkonnad veel täielikult eristunud ning paljusid ideid ei sõnastanud mitte professionaalid (neid oli vähe), vaid kunstnikud, poeedid ja teadlased. Renessansi (eriti 16. sajandit) iseloomustasid aga juba suured teaduslikud edusammud loodusteaduste vallas. Selle arengut, mis oli sel perioodil otseselt seotud tärkava kapitalistliku tootmise tavanõuetega (kaubandus, navigatsioon, ehitus, sõjandus ja muud), aitasid kaasa uue, antidogmaatilise maailmavaate esimesed õnnestumised. Rozin V. M. Sissejuhatus kultuuriuuringutesse. -M.: Infa-M Foorum, 2000. Lk.86-87 Selle ajastu teaduse eripäraks oli lähedane suhe kunstiga; keskaja religioossetest ja müstilistest abstraktsioonidest ja dogmatismist ülesaamise protsess kulges teaduses ja kunstis samaaegselt, mõnikord ühinedes ühe inimese loomingus (eriti ilmekaks näiteks on Leonardo da Vinci - kunstniku, teadlase, inseneri - looming) .

Arvatakse, et ajastu algus oli Itaalias ja seda seostatakse 15. sajandi Firenzega. Siit sai hoo sisse see võimas kultuuriline murrang, mis hõlmas teisi Itaalia piirkondi, seejärel Prantsusmaad, Hispaaniat, edastades oma ideid ja avastusi kunstnikele ja mõtlejatele Saksamaal, Inglismaal, Hollandis, Poolas, Tšehhi Vabariigis, Ungaris ja Balkani riikides, nakatades kindlustundega inimese uutesse võimalustesse Shishova N. B. Ajalugu ja kultuuriuuringud. -M.: Logos, 2001. Lk.98 Esimest korda sai Euroopa ühineda ideede alusel, millel polnud mitte õigeusu-religioosset, vaid universaalset, humanistlikku iseloomu. Inimese piiramatute võimaluste idee sünd, kuid mitte ainult idee, selle aktiivse kandja - uue kultuuri subjekti - humanisti sünd. Nii astus renessanss inimkultuuri ajalukku.

Ajastu renessansist reformatsioonini on sisemiselt vastuoluline, liikudes vanast uude aega, ulatus see paljudes Euroopa piirkondades üle kolme sajandi.

Humanistid, kes vaatasid tagasi antiikajal, jäid tingimusteta kristlasteks. Nad ühendasid oma elus oma humanitaarstuudiotes kaks võrdse suurusega maailma – antiikaja ja kristliku keskaja. Seega seab renessanss ajutise senitundmatu ühtsuse – inimkonna vaimse ajaloo. Jäädes kristlasteks ja mitte rikkudes Püha Kiriku õigusi, mitte loobuma Kõigevägevamast, vaid püüdes ainult selgitada Tema peamist plaani inimese jaoks, kirjutasid humanistid aastal. päris maailm Itaalia ja seejärel kogu Euroopa igapäevaelu, vanade roomlaste ja kreeklaste teosed, päevad, keel ja teaduslikud uurimused. Euroopa tundis esimest korda aegade elavat sidet Shishova NV Ajalugu ja kultuuriõpetus. -M.: Logos, 2001. Lk.103-105

Nii humanistid kui ka reformaatorid valmistasid Euroopat omal moel ette uueks kultuuripöördeks, samuti leidsid nad sõnu, mis tähistavad siiani 17. sajandil alanud ajastut – New Age’i ajastut. Mõlemad nägid ette ja püüdsid omal moel ellu viia inimkultuuri ühtsuse ideed selle ajaloos.

2. Maailmavaade

Renessansiajal tekkinud uut maailmavaadet nimetatakse tavaliselt humanismiks (ladina keelest - human, humane). Antiikkultuuris on humanismi omaette jooni, kuid renessansiaegne humanism oli mahukam ja terviklikum.

Humanism ei tähenda ainult seda, et inimest tunnustatakse kõrgeima väärtusena, vaid ka seda, et inimene kuulutatakse mis tahes väärtuse kriteeriumiks. Seda humanismi omadust väljendas antiikajal Protagoras: "Inimene on kõigi asjade mõõt." Selline vaade eeldas inimese enesetundmist.

Renessansi humanism avaldus mõistuse kui teadmiste peamise tööriista ülendamisena. Tegelikult tähendas see mõistuse ülemvõimu tunnistamist ümbritseva maailma üle. Sellest järgnes humanismi teine ​​tunnusjoon – usk universaalsesse ja lõpmatusse progressi. Lõpuks, inimese ja kõige inimliku poetiseerimisega kaasnes esteetiline reaalsustaju, kirg ilusa ja üleva vastu. Renessansiaegne humanism, eitamata, et inimene loodi Jumala näo ja sarnasuse järgi, kinnitas samal ajal inimese õigust piiramatule loovusele. Humanistid uskusid, et just loovuses peaks avalduma eelkõige inimese sarnasus Jumalaga. Markov A.N. Maailma kultuuri ajalugu. M, 1997.-438s.

3. Filosoofia

Renessansiajastu sotsiaalpoliitilised ja kultuurilised tingimused mõjutasid soodsalt filosoofilise mõtte arengut. Sellega seoses tuleb ennekõike märkida, et selle aja filosoofia vabanes kristlikust kiriku rõhumisest, lakkas olemast teoloogia teenija (orja) ja hakkas arenema oma seaduste järgi. See on esimene. Ja teiseks, tolleaegses filosoofilises mõtteviisis - eriti varasel perioodil - taaselustasid ja hakkasid aktiivselt tegutsema peaaegu kõik antiikfilosoofia suunad ja varjundid. Siin võis näha aristotelismi (Peter Pomponazzi, Zabarella) ja neoplatonismi (Georg Pletona, Marcio Feccino, Martin Luther, Thomas Münzer) ja stoitsismi (Petrarch), epikuurismi (Lorenzo Valla, Francois Rabelais) ja skeptitsismi (Montaigne) jt. Shishova N.V. Ajalugu ja kultuuriuuringud. M.: Logos, 2000. Lk.76

Esimeseks Euroopa humanistiks ("Canzoniere") peetava Francesca Petrarca (1304 - 1374) tööd on laialdaselt tunnustatud. Tema sonetid Madonna Laura elust ja surmast saavutasid ülemaailmse kuulsuse. Petrarka järgija oli humanistlik kirjanik Giovanni Boccaccio (1313 - 1375), ühist humanistlikku ideaali ühendava ja ühtset tervikut esindava realistlike novellide kogumiku "Dekameron" autor, kes andis olulise panuse maailma arengusse. Itaalia kirjakeel, mis põhineb rahval.

Dante, Francesca Petrarch ja Giovanni Boccaccio on kuulsad renessansi luuletajad ja itaalia kirjakeele loojad. Nende teosed said eluajal laialdaselt tuntuks mitte ainult Itaalias, vaid ka kaugel selle piiridest ning jõudsid maailmakirjanduse varakambrisse.

Kuid renessansiajastu filosoofia ei piirdunud ainult antiikfilosoofia taaselustamise ja arenguga (kohandumisega selle modernsusega). Koos sellega ja sellega orgaanilises seoses rikastas renessanss kogu inimkonna filosoofia ajalugu ja sisu uute ja oluliste maailmavaateliste probleemide kujunemisega. Neist kõige olulisemad, mis pole kaotanud oma teravat tähtsust kaasaegsed tingimused, on humanismi probleemide sõnastamine ja arendamine.

4. Humanistide loovus

Humanismi rajajaks peetakse üksmeelselt poeeti ja filosoofi Francesca Petrarchi (1304-1374). Petrarka oli esimene suur humanist, poeet ja kodanik, kes suutis näha renessansieelsete mõttevoolude terviklikkust ja ühendada need poeetiliseks sünteesiks, millest sai tulevaste Euroopa põlvkondade programm. Oma tööga õnnestus tal sisendada nendesse Lääne- ja Ida-Euroopa eriilmeliste hõimude tulevastesse põlvkondadesse – kuigi mitte alati selge – teadvus teatud vaimsest ja kultuurilisest ühtsusest, mille kasulik mõju kajastub ka meie uusajal.

Tema töös - algus paljudele viisidele, kuidas Itaalia renessansikultuuri areng kulges. Oma traktaadis “Oma ja paljude teiste teadmatusest” lükkab ta resoluutselt tagasi keskajale omase skolastilise stipendiumi, millega seoses kuulutab ta trotslikult oma väidetavat teadmatust, kuna peab sellist stipendiumi inimese jaoks täiesti kasutuks. oma aja mees.

Mainitud traktaadis avaldub põhimõtteliselt uus lähenemine muinaspärandi hindamisele. Petrarchi sõnul ei võimalda kirjanduse, kunsti, teaduse uuele õitsengule jõuda tähelepanuväärsete eelkäijate mõtete pime matkimine, vaid soov tõusta antiikkultuuri kõrgustesse ning samal ajal ümber mõelda ja ületada. seda mingil moel. Sellest Petrarka visandatud joonest sai juhtiv suund humanismi ja iidse pärandi suhetes.

Esimene humanist uskus, et inimese teadused peaksid saama tõelise filosoofia sisuks, ja kogu tema töös on üleskutse suunata filosoofia ümber sellele väärilisele teadmiste objektile.

Oma arutlustega pani Petrarka aluse renessansiajastu isikliku eneseteadvuse kujunemisele. Erinevatel ajastutel realiseerib inimene ennast erinevalt. Keskaegset inimest peeti inimesena väärtuslikumana, mida enam vastas tema käitumine korporatsioonis omaksvõetud normidele. Ta kinnitas end kõige aktiivsema kaasamise kaudu sotsiaalsesse gruppi, korporatsiooni, Jumala poolt kehtestatud korda – selline on üksikisikult nõutav sotsiaalne võimekus. Renessansiajastu inimene loobub järk-järgult universaalsetest keskaegsetest kontseptsioonidest, pöördudes konkreetse, individuaalse poole.

Humanistid töötavad välja uut lähenemist inimese mõistmisele, milles tegevuskontseptsioonil on tohutu roll. Inimisiksuse väärtust nende jaoks ei määra mitte päritolu ega sotsiaalne kuuluvus, vaid isiklikud teened ja selle tegevuse viljakus.

Selle lähenemise ilmekaks kehastuseks võib olla näiteks kuulsa humanisti Leon Battista Alberta (1404-1472) mitmekülgne tegevus. Ta oli arhitekt, maalikunstnik, kunstiteemaliste traktaatide autor, sõnastas pildilise kompositsiooni põhimõtted – värvide tasakaalu ja sümmeetria, žestide ja tegelaste pooside. Alberti sõnul suudab inimene saatuse keerdkäikudest jagu saada ainult oma tegevusega. "Võidab see, kes ei taha kergesti lüüa. See, kes on harjunud kuuletuma, talub saatuse ikke ”Bragina L.M. Itaalia humanistide sotsiaal-eetilised vaated. -M, 2003 .-303s..

Vale oleks aga humanismi idealiseerida, mitte märgata selle individualistlikke kalduvusi. Lorenzo Valla (1407-1457) teost võib lugeda tõeliseks hümniks individualismile. Peamiselt filosoofiline essee“Rõõmuga” kuulutab Valla naudingusoovi kui inimese võõrandamatut omandit. Tema jaoks on moraali mõõdupuu isiklik hüve. "Ma ei saa päris hästi aru, miks keegi tahab oma kodumaa eest surra. Sa sured, sest sa ei taha, et su kodumaa hukkuks, justkui ei hukkuks see ka sinu surmaga. Selline maailmavaateline positsioon näeb välja nagu asotsiaalne.

Humanistlik mõtlemine 15. sajandi teisel poolel. rikastatud uute ideedega, millest olulisim oli idee indiviidi väärikusest, mis näitab inimese erilisi omadusi võrreldes teiste olenditega ja tema erilist positsiooni maailmas. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) asetab oma kõnekas kõnes inimese väärikuse kohta ta maailma keskmesse:

"Me ei anna sulle, oh Aadam, ei sinu enda kohta ega teatud kuju ega erilist kohustust, et sul oleks koht, isik ja kohustused vabast tahtest, vastavalt sinu tahtmisele ja otsusele. ” Bragina L.M. Itaalia humanistide sotsiaal-eetilised vaated. -M, 2003 .-303s..

Väidetakse, et Jumal (vastupidiselt kiriklikule dogmale) ei loonud inimest oma näo ja sarnasuse järgi, vaid andis talle võimaluse luua iseennast. Humanistliku antropotsentrismi kulminatsiooniks on Pico idee, et inimese väärikus seisneb tema vabaduses: temast võib saada kelleks ta tahab.

Inimese väge ja tema suurust ülistades, tema hämmastavat loomingut imetledes jõudsid renessansiajastu mõtlejad paratamatult inimese lähenemiseni Jumalale.

“Inimene taltsutab tuuli ja vallutab mered, teab ajaarvestust... Lisaks muudab ta lambi abil öö päevaks. Lõpuks ilmneb inimese jumalikkus meile võluväel. Ta loob inimese kätega imesid – nii neid, mida saab luua loodus, kui ka neid, mida saab luua ainult Jumal.

Giannozzo Manetti (1396-1472), Marsilio Ficino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494) jt sellistes arutlustes ilmnes humanistliku antropotsentrismi kõige olulisem tunnus - kalduvus jumaldada. isik.

Humanistid polnud aga ketserid ega ateistid. Vastupidi, valdav enamus neist jäi usklikuks. Aga kui kristlik maailmavaade väitis, et kõigepealt peab olema Jumal ja siis inimene, siis humanistid tõid esiplaanile inimese ja rääkisid siis jumalast.

Jumala kohalolu ka kõige radikaalsemate renessansi mõtlejate filosoofias eeldas samal ajal kriitilist suhtumist kirikusse kui sotsiaalsesse institutsiooni. Humanistlik maailmavaade hõlmab seega ka antiklerikaalseid (ladina keelest anti - vastu, clericalis - kirik) vaateid, s.o vaateid, mis on suunatud kiriku ja vaimulike pretensioonidele ühiskonnas domineerimisele.

Lorenzo Valla, Leonardo Bruni (1374-1444), Poggio Bracciolini (1380-1459), Rotterdami Erasmuse (1469-1536) jt kirjutised sisaldavad kõnesid paavsti ilmaliku võimu vastu, paljastades paavstide ministrite pahed. kirik ja kloostri moraalne rikutus. See aga ei takistanud paljudel humanistidel saamast kiriku ministriteks ja kaks neist – Tommaso Parentuchelli ja Enea Silvio Piccolomini – püstitati isegi 15. sajandil. paavsti troonile.

Pean ütlema, et kuni XVI sajandi keskpaigani. humanistide tagakiusamine katoliku kiriku poolt on äärmiselt haruldane nähtus. Uue ilmaliku kultuuri eestvõitlejad ei kartnud inkvisitsiooni tuld ja olid tuntud kui head kristlased. Ja ainult reformatsioon – (lat.reformatio – transformatsioon) usu uuendamise liikumine, mis pöördus paavstluse vastu – sundis kirikut pealetungile.

Reformatsiooni ja renessansi suhe on vastuoluline. Ühelt poolt seostas renessansiajastu humaniste ja reformatsiooni esindajaid sügav vastumeelsus skolastika vastu, janu religioosse uuenemise järele, idee naasta algte juurde (ühel juhul muistsesse, teine ​​evangeeliumile). Teisest küljest on reformatsioon protest renessansiaegse inimese ülendamise vastu.

See ebakõla ilmneb täielikult reformatsiooni rajaja Martin Lutheri ja hollandi humanisti Erasmuse Rotterdami seisukohtade võrdlemisel. Erasmuse mõtted kordavad sageli Lutheri mõtteid: see on nii sarkastiline pilk katoliku hierarhide privileegidele kui ka kaustilised märkused Rooma teoloogide mõtteviisi kohta. Kuid nad ei nõustunud vaba tahtega. Luther kaitses ideed, et Jumala ees pole inimesel tahet ega väärikust. Ainult siis, kui inimene mõistab, et ta ei saa olla oma saatuse looja, saab ta päästetud. Usk on päästmise ainus ja piisav tingimus. Erasmuse jaoks ei tähendanud inimese vabadus vähemat kui Jumalat. Pühakiri on tema jaoks Jumala üleskutse inimesele ja viimasel on vabadus sellele vastata või mitte.

Nii või teisiti, keskaega asendanud renessanss “ehitas” kristlikule eetikale ja aitas kaasa humanismi edasisele arengule.

5. Teadus

Kui renessansi kunstis sai sensuaalne kehalisus universaalseks ideaaliks ja loomulikuks kriteeriumiks, siis teaduses omistati see roll ratsionaalsele individuaalsusele. Ratsionaalse teadmise tõeliseks aluseks osutus mitte individuaalne teadmine või arvamus, vaid individuaalsuse kindlus ise.

Kõike maailmas võib kahtluse alla seada, vaid kahtlemata on kahtluse fakt ise, mis on otsene tõend mõistuse olemasolust. See mõistuse eneseõigustus, mida peetakse ainsaks tõeliseks vaatepunktiks, on ratsionaalne individuaalsus.

Renessansiajastu teadus erines vähe kunstist, kuna see oli isiklike asjade tulemus loominguline otsing mõtleja. Kunstnik on tõeliste kujundite otsija, mõtleja tõeliste ideede otsija. Kunstnikul on kujutamistehnika, mõtlejal on selgitamise tehnika või tunnetusmeetod. Mõtleja suudab tungida väljapoole meelelise maailma piire Looja kavatsustesse. Ja nagu kunstniku töös jätkus maailma loomine täiuslike kujundite alusel, nii ilmnesid ka teadlase töös Jumala plaanid maailmaga.

See võib tunduda kummaline, kuid sissenägemise traditsioon puhas mõistus Jumala ja tema plaanide mõistmise vahendid, millest renessansiajastu teadlased kinni pidasid, arenesid välja keskaegses müstikas. See traditsioon pärineb antiikajast – Pythagoreanide õpetustest, Platoni filosoofiast. Gaidenko P.P. Teaduse kontseptsiooni areng.- M, 1999.-115lk.

Renessansi humanistlik suunitlus avaldus selles, et ajastu teaduslik maailmavaade seostati inimeksistentsi probleemiga.

Järeldus

Humanism tõi eetilist mõtlemisse inimese ja maise elu loomupärase väärtuse tunnustamise. Siit arenesid järk-järgult välja ideed õnnest, õiglusest ja inimeste võrdsusest. Tahes või tahtmata, kuid renessansi humanistlik kulg aitas kaasa üksikisiku õiguste kehtestamisele ja eelkõige õiguse tunnustamisele õnnelikule elule. Ei tohiks olla üllatav, et humanism muutus tulevikus orgaaniliselt filantroopiaks, edendades suhetes leebust, kaastunnet, halastust, sõbralikkust ja lõpuks ka tolerantsust teisitimõtlejate suhtes. Paljud filosoofilised voolud on neelanud humanismi jooni. Humanism kui nähtus osutus ajalooliselt muutuvaks vaatesüsteemiks. Pärinedes kunstist, sillutas see teed teadusele, teadus- ja tehnoloogiarevolutsioonile, aitas kaasa majandusbuumile, haridusele, sotsiaalsetele muutustele ja revolutsioonidele.

Kasutatud kirjanduse loetelu

1. Bragin L.M. Itaalia humanistide sotsiaal-eetilised vaated. -M, 2003 .-303s.

2. Gaidenko P.P. Teaduse mõiste areng.- M, 1999.-255lk.

3. Gnedich P. P. Maailma kunstide ajalugu. M, 2004.-623s.

4. Markov A.N. Maailma kultuuri ajalugu. M, 1997.-655.

5. Rozin V.M. Sissejuhatus kultuuriuuringutesse.- M.: Infa-M Foorum., 2000.-356s.

6. Shishova N. V. Ajalugu ja kultuuriõpetus. -M.: Logos., 2001.-430s.

Majutatud saidil Allbest.ru

...

Sarnased dokumendid

Maailmakultuuri areng. Renessanss kui sotsiaalkultuuriline revolutsioon Euroopas 13.-16.sajandil. Humanism ja ratsionalism renessansi kultuuris. Periodiseerimine ja rahvuslik iseloom Renessanss. Kultuur, kunst, renessansi suurimad meistrid.

test, lisatud 08.07.2010


Renessansi probleem kaasaegses kultuuriteaduses. Renessansiajastu põhijooned. Renessansi kultuuri olemus. Renessansi humanism. Vabamõtlemine ja ilmalik individualism. Renessansiajastu teadus. Ühiskonna ja riigi õpetus.

abstraktne, lisatud 12.11.2003


Humanism kui renessansi ideoloogia. Humanismi ilmingud erinevatel ajastutel. Iseloomulikud tunnused renessanss. Loominguline tegevus Itaalia luuletaja Francesco Petrarch. Rotterdami Erasmus - Põhjarenessansi suurim teadlane.

esitlus, lisatud 12.10.2016


Renessansikultuuri tekkimine mitmete üleeuroopaliste ja kohalike ajalooliste tingimuste järgi. Renessansi probleem kaasaegses kultuuriteaduses, selle põhijooned ja iseloom. Humanism, vabamõtlemine ja ilmalik individualism, teadus ja ühiskond.

abstraktne, lisatud 20.06.2008


Ajaloolise tausta määratlemine ja renessansi kui Euroopa kultuuriloo epohhi kronoloogilise raamistiku ülevaade. Humanism kui vaadete süsteem inimese väärtuse kohta. Kõrgrenessansi kunstisuunad: Raphael, Leonardo, Caravaggio.

esitlus, lisatud 18.05.2013


Humanism kui renessansi ideoloogiline alus. Renessansikultuuri ideoloogiline sisu. Ilmalike teaduste vastandamine kiriku õpetusele. Itaalia renessansikirjanduse päritolu. Francesco Petrarchi looming on Itaalia humanismi algus.

abstraktne, lisatud 01.02.2011


Tutvumine renessansi joontega, mis tähistas uue aja algust. Filosoofia, religioon, humanism, renessansi periodiseerimine. Itaalia kunsti aluste käsitlemine renessansiajal. Põhjarenessansi kirjeldus.

kursusetöö, lisatud 09.07.2015


Majanduslikud, poliitilised ja vaimsed eeldused renessansikultuuri tekkeks. Üleminek teotsentrilisest maailmamõistmisest antropotsentrilisele. Renessansi humanism ja ainulaadse individuaalsuse probleem. Sisemised vastuolud kultuuris.

kontrolltööd, lisatud 01.02.2012


Renessansi probleemprobleemide uurimine, renessansi peamine vastuolu on tohutu uue kokkupõrge endiselt tugeva, väljakujunenud ja tuttava vanaga. Renessansi kultuuri päritolu ja alused. Renessansi humanismi olemus.

abstraktne, lisatud 28.06.2010


Renessansi humanism, selle aja silmapaistvamad esindajad, nende töö, panus kultuuri arengusse. Reformatsioon ja protestantismi sünd, religiooni kehtestamine. hiilgeaeg art, selle esteetilised ja kunstilised põhimõtted.

Humanism, mis tähistas inimühiskonna arengus uut ajastut, mida nimetatakse renessansiks. oli neil päevil kiriklike eelarvamuste raske koorma all, iga vaba mõte suruti julmalt alla. Just sel ajal Firenzes sündis filosoofiline õpetus, mis pani meid vaatama Jumala loomingu kroonile uutmoodi.

Renessansi humanism on õpetuste kogum, mis esindab mõtlevat inimest, kes teab, kuidas mitte ainult vooluga kaasa minna, vaid suudab ka vastu seista ja iseseisvalt tegutseda. Selle põhisuund on huvi iga inimese vastu, usk tema vaimsetesse ja füüsilistesse võimetesse. Just renessansiajastu humanism kuulutas teisi isiksuse kujunemise põhimõtteid. Inimest selles õpetuses esitletakse loojana, ta on individuaalne ega ole oma mõtetes ja tegudes passiivne.

Uus filosoofiline suund võttis aluseks antiikkultuuri, kunsti ja kirjanduse, keskendudes inimese vaimsele olemusele. Keskajal oli teadus ja kultuur kiriku eesõigus, kes ei tahtnud oma kogunenud teadmisi ja saavutusi jagada. Renessansiaegne humanism kergitas selle loori. Esmalt Itaalias ja seejärel järk-järgult kogu Euroopas hakkasid kujunema ülikoolid, milles hakati teosoofiateaduste kõrval õppima ka ilmalikke aineid: matemaatikat, anatoomiat, muusikat ja humanitaarteadusi.

Tuntumad humanistid on: Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio, Francesco Petrarch, Leonardo da Vinci, Rafael Santi ja Michelangelo Buanarotti. Inglismaa kinkis maailmale sellised hiiglased nagu William Shakespeare, Francis Bacon. Prantsusmaa andis Hispaaniale ka Miguel de Cervantese ning Saksamaa Albrecht Düreri ja Ulrich von Hutteni. Kõik need suured teadlased, pedagoogid, kunstnikud muutsid igaveseks inimeste maailmavaate ja teadvuse ning näitasid üles mõistlikku, ilusat hinge ja mõtlevat inimest. Just neile on kõik järgnevad põlvkonnad tänu võlgu kingitud võimaluse eest vaadata maailma teistmoodi.

Renessansi humanism seadis kõige ette voorused, mis inimesel on, ja näitas nende arenemise võimalust inimeses (iseseisvalt või mentorite osalusel).

Antropotsentrism erineb humanismist selle poolest, et inimene on selle suundumuse kohaselt universumi keskpunkt ja kõik, mis on ümber, peaks teda teenima. Paljud selle õpetusega relvastatud kristlased kuulutasid inimest kõrgeimaks olendiks, kuhjades samal ajal talle suurima vastutuse koorma. Renessansi antropotsentrism ja humanism on üksteisest väga erinevad, seega peate suutma neid mõisteid selgelt eristada. Antropotsentrist on inimene, kes on tarbija. Ta usub, et kõik on talle midagi võlgu, ta õigustab ärakasutamist ega mõtle eluslooduse hävitamisele. Selle peamine põhimõte on järgmine: inimesel on õigus elada nii, nagu ta tahab, ja ülejäänud maailm on kohustatud teda teenima.

Renessansi antropotsentrismi ja humanismi kasutasid edasi paljud filosoofid ja teadlased nagu Descartes, Leibniz, Locke, Hobbes jt. Need kaks määratlust on erinevates koolkondades ja suundumustes korduvalt aluseks võetud. Kõige tähendusrikkam oli muidugi kõigi järgnevate põlvkondade jaoks humanism, mis renessansiajal külvas headuse, valgustatuse ja mõistuse seemneid, mida ka tänapäeval, mitu sajandit hiljem, peame mõistliku inimese jaoks kõige olulisemaks. Meie, järeltulijad, naudime tänapäeval renessansiaegse kirjanduse ja kunsti suuri saavutusi ning kaasaegne teadus põhineb paljudel XIV sajandil tekkinud õpetustel ja avastustel, mis eksisteerivad siiani. Renessansiaegne humanism püüdis teda õpetada austama iseennast ja teisi ning meie ülesanne on osata säilitada ja kasvatada tema parimaid põhimõtteid.